Tüm Zamanların En İyi 100 Japon Filmi

Öncelikle, şerefli sözlere ve neredeyse ıskalamalara biraz zaman ayırmak istiyorum: Çekici olmayan Miko Naruse’nin zahmetli Yüzen Bulutlar, Bir Kadın Merdivenlerden Çıkınca, Özlem ve Dağın daha affedilebilir Sesi bunu başaramadı. İşine ısınmak için bolca zaman bırakmaya çalıştım ama bu beni sürekli ilgilendirmiyor, söylemesi üzücü. Tampopo, Castle of Sand, The Man of the Sun, Angel’s Egg, Belladonna of Sadness ve The Taste of Tea da ne yazık ki sinematik paletime uymuyordu. Akira Kurosawa ve Yasujirō Ozu'nun aşırı bolluğundaki gelgit akışını kesmek için onların muhteşem Başıboş Köpeği, Skandalı veya Kagemuşa'yı dahil etmedim; ne de kanıtlanacak kadar üretken olan Ozu’nun Doğdu But & hellip ;, Yaz Başı, Sonbahar Sonu, Tek Oğul, Yaz Sonu, Pirinç Üzerindeki Yeşil Çay Tadı ve Rüzgardaki Tavuk.

Bu listenin en iyi filmler için olduğunu aklınızda bulundurun: Yani bu filmlerin hiçbiri aslında onu 100 numaralı noktaya kadar çekmedi. Sadece diğer pek çok cevherin arasında kalitelerini de kabul etmek istedim. Shohei Imamura'nın sağlam ama nihayetinde tatmin edici olmayan Domuzlar ve Savaş Gemileri, Pornograflar ve Bir Adam Kayboluyor, Yoshishige Yoshida'nın güzel Coup D'état ve Uğultulu Tepeleri, Kon Ichikawa'nın mütevazı Conflagration, The Heart ve Ten Black Women'ın yanı sıra Hirokazu Koreeda'sı da yok. Hayattan Sonra Dokunmak, Baba Oğul Gibi ve Kimse Bilmiyor Gibi & hellip; Tüm bunlar beni bu iş bittiğinde Fırtınadan Sonra'yı bulmak için heyecanlandırdı. Son olarak, Sion Sono'nun çalışması hakkında konuşmak için bir dakikanızı ayırmak istiyorum: Sinir bozucu azim ve çaresiz umuduna rağmen - denediğim tek bir parçasının çabaya değer olduğunu söyleyemem. Cold Fish, Tokyo Tribe, Guilty of Romance ve son derece zayıf olan Love Exposure, Japon sinemasında bu yolculukta gördüğüm en kötü filmdi. Dayanılmaz.

Bunun dışında: Hadi başlayalım. İşte şimdiye kadar yapılmış en iyi Japon filmlerinin listesi.

100. Cehennem Kapısı (1953)

Lüks bir şekilde donatılmış bir dönem girişimi olan Gate of Hell’in çekiciliği, muhteşem tasarım paletinde yatmaktadır. Yönetmen: Teinsuke Kinugasa, 1926'daki dönüm noktasıyla ünlü Bir Çılgınlık Sayfası Bu, özellikle Feodal Japonya'nın şeref temelli kurallarına aşina olmayan Batılı incelemeler için tam anlamıyla iki deneme gerektiren, ancak başlığının ima ettiği doğaüstü tehdide zengin bir şekilde işlenmiş bir bükülme ve uğursuz ipuçları ile ödüllendirilen, sıkı sarılmış bir hikaye.

99. Lone Wolf and Cub Serisi (1972… 74)

Çizgi roman serisinin kralı için garip bir rakip, Yalnız Kurt ve Yavru Listede bu noktayı oluşturan yedi bölümlük bir dizi filmde sürgün edilmiş bir cellat ve küçük oğlunun izini sürüyor. Bölüm III: Hades'e Bebek Arabası ve Bölüm VI: Cehennemde Beyaz Cennet aklımdaki en güçlüler - her biri bir saate layık ve bu yıldan itibaren Criterion Koleksiyonundan yeni çıkmış durumda. Anlatıdaki herhangi bir formaliteyi gölgede bırakmak için kışkırtıcı aksiyon ve mizah içeren sıcak karakter parçalarından oluşan bir seçki - hepsi bir izlemeye değer ve burada kendi alanlarını oluşturmaya değer.

98. Katil Ichi (2001)

Çirkin olmanın ötesinde korkunç olan Miike’nin korkusuz üslup telaşı her türlü maddeye olan ihtiyacı baltalayarak, sözün başından itibaren ahlaksızlığa ve aşırılığa odaklanmayı merkezileştirerek, onun acı ve kan dökülme vaadini, çizginin yasal tarafındaki birkaç filmin bile anlayabileceği ölçüde yerine getirir. O kadar aşırı karanlıkla birlikte inanılmaz derecede saçma bir eğlence ki, onu ciddiye almalısınız. Yardım edemem ama saygı duyuyorum Katil Ichi kendi absürtlüğünde çok rahat olduğu için ve baş karakter klişe bir sıkıcı olduğunu kanıtlarken, Miike erken aşamalarda benim kafam karışmış, şaşkın ve her seferinde deneyimden tamamen etkilenmiş bir şekilde bitişe kadar ilerlemek için yeterli ivme buluyor.

97. Battle Royale (2000)

Kinji Fukasaku, suç antolojisinin arkasındaki adam Onur veya İnsanlığın Olmadığı Savaşlar , burada daha geniş Japon sinemasının harika bir niteliğini ifade eden bir sanatçı: Tür film yapımını benimsemekten korkmamak. Savaş Royale son derece aptalca bir hiciv komedi olarak tasarlandı ve yol boyunca hümanist izlere çarparken, Fukasaku'nun en berbat durumlara bile bağladığı sıçrama ve kusursuz komedi zamanlaması nehirleri filmi mutlak bir patlama haline getiriyor. Takeshi Kitano’nun sırası özellikle dikkat çekicidir, zekâ ve zevke yönelik topyekun bir saldırı için tüm saygınlık kavramlarını bir kenara bırakır. Savaş Royale dağınıktır, bu kadar doğrudur, ancak şüphecilere yönelik başka bir saldırı için tekrar tekrar yorulmadan yeniden bir araya getirilmesi muhteşemdir. Fukasaku, hiç tereddüt etmeden, elinde tuttuğu keskin olmayan silahı anlar ve tam güçle savurur. Son filmi olması, adamın çabalarına belli bir haysiyet katıyor - komik bir kemiğe çarpan bir intihar görevi, baştan sona en az bir ya da iki kez karıncalanmamak için komada olmanız gerekecek. Temel eğlence.

96. Godzilla (1954)

King Kong gibi ve Universal’in sterlin orijinal serilerinden herhangi birine en azından ölçek olarak rakip olacak klasik bir canavar filmi. Godzilla, The Invisible Man'in insanlığına ve zekasına veya Kara Lagün'den Yaratık'ın vahşi özlemine pek sahip değil - ama eğlenceli. Japonya'nın şehirlerinden geçerken ölümcül bir takım elbise giymiş büyük bir adamı izlemek, günümüzde, öncelikle kaçınılmaz mütevazı çekiciliğiyle ilgi çekici bir deneyim. Kendini o anda hissediyor ve hızla tarihlenen etkilerine rağmen, orada çoktan kaybolan bir dönemin kalıntısı olarak kalmak memnuniyetle karşılanıyor - ve şimdi onun maskeli lideri Haruo Nakajima'nın huzur içinde yatmasını ummak için her zamankinden daha iyi bir zaman.

95. Çılgın Meyve (1956)

Japon Yeni Dalgasının önde gelen kurucusu, Crazed Fruit's gençliğin ateşine odaklanmak, mütevazı parametrelerinin çok ötesine uzanan basit bir hikayeyle ayaklarını buluyor: Savaş sonrası neslin bir bütün olarak izlenimini yansıtmak için aynı kadına aşık iki erkeğin çitinden atlamak. Bu insanlar şiddetli, bağımsız ve kendi uluslarının değerlerine defalarca yapılan saygısızlıktan korkuyorlar. Sosyal ve politik bağlamlarda seken ve Yeni Dalganın ilk adımlarını temsil eden bir hikaye anlatma alanı bulur. Bu liste devam ederken, uzun ömürlü hareketin sonsuza dek içe dönük olduğunu göreceğiz - ya büyülenmiş ya da korkmuş ve bunu yaparken ulusların değil, cinsellik, sapkınlık, şiddet, açgözlülük, üstünlük ve psikoz hakkında bir anlatı buluyor. İkinci Dünya Savaşı hala bu hikayelerde gizleniyor olabilir - ama ben olayı olduğu kadar açık bir şekilde ele almayı merak uyandırıcı buluyorum. Çılgın Meyve en sonunda temanın patlaması yerine odak noktasıyla karşılandı.

94. Oharu'nun Hayatı (1952)

Kenji Mizoguchi'den ilk filmimiz, Oharu'nun Hayatı Mizoguchi'nin kariyeri boyunca takdire şayan bir şekilde yaptığı gibi, savaş sonrası Japonya'da baş kahramanı kadınlar için durumu yansıtan klasik bir karakter çalışmasını kanıtlıyor. Zamanı hızla odak noktası haline gelen kötü durumu vurgulamak için kullanan kapsamlı, karmaşık bir dramatik eser olan Mizoguchi, en iyi işlerinden birini yalnızca insani bir şekilde bağlandığı ve Oharu'nun kendisiyle birlikte kırıldığı için üretiyor - yönetmen karşılaştığı sıkıntıdan etkileniyor. Filmin dramasını inanılırlığın ötesine taşımasına olanak tanıyan, doğrudan perdeden akan bu ilişkidir.

93. Düşler (1990)

Akira Kurosawa’nın bilinçaltının arkasından yazılmıştır. Düşler bir adamın zihninin içinin ressam bir şekilde tasviridir: Pastoral Kurosawa’nın gece gezintilerine daha ölçülü, sakin bir keşif için Yeni Dalga duyarlılığından yoksun olması dışında. Sonuçta ortaya çıkan vinyet koleksiyonu, yaşamın bilinçaltımızın merceğinden süzüldüğü yolla ilgili ham ve benzersiz bir şeyi ortaya koyuyor - ve bu Akira Kurosawa'nın şimdiye kadar yaptığı en dürüst film olabilir. Berrak, sevimli küçük bir mücevher.

92. Güllerin Cenaze Töreni (1969)

Yönetmen Toshio Matsumoto’nun Oedipus Rex’i (belki de sinemanın sunabileceği en iyi) geniş açılımlı yaklaşımı, Güllerin Cenaze Töreni Japon sinemasında alternatif cinsellik ve cinsiyete meydan okuyan görüntüler için çok önemli bir dönüm noktasını işaret ediyor ve bugün hareketi dönüştüren sınırlar olmadan kendini pazarlıyor. İnsan ifadesinin hem kutlanması hem de eleştirisi, karakterlerinin karşılaştığı kafa karışıklığını anlamak ve kendi kararlarını alçakgönüllülük ve neşe ile kucaklamak. Bu kritik çatışma varsayımı, Güllerin Cenaze Töreni ’Başarı ve bunun çoktan ayrılan Matsumoto’nun en büyük başarısı olduğunu düşünmüyorum, ancak konularına bu kadar dürüst bir şekilde kusurlu bir şekilde savunma yapma biçimi, bugün hepimizin öğrenebileceği bir şeydi.

91. Kırmızı Biber (2008)

Satoshi Kon’nun 2008 filmi, genellikle Chris Nolan’ınkiyle karşılaştırılır. Başlangıç - her ikisi de rüya istilası ve zorlama kavramlarına dayanıyor. Sanırım hayranları bir barikat boyunca ikiye ayıran en önemli fark, Nolan’ın girişiminin daha fazla duygusal yankı ve karakter odağı tutması gerçeğidir - ancak tüm bunlar sıkıcı bir yapıda batırılır. Kon 85 dakika boyunca yazıyor ve her kareyi sarhoş edici bir enerji ve renk köprüsü ile dolduruyor ve Nolan’ın daha yoğun çalışmasının ayak uyduramayacağı öykü anlatımındaki o kadar özgürlük ve esneklikle katmanlar arasında köprü oluşturuyor. Sonuçta her ikisi de zanaat ve yaratıcılığın sağlam örnekleri olarak duruyor - ama benim zor bir günün sonunda yapmayı tercih ettiğim şey açısından hiçbir yarışma yok. Ve çok çeşitli yaratıcı güçleri keşfetmek için Kırmızı biber Cephaneliğini koruyor, sadece Başlangıç'ın eğlenceli bir tadı olmanın ötesinde - birinin sadece bir blu-ray kapması ve oyuna girmesi gerekiyor.

90. Meleklerin Ecstasy (1972)

Endüstri çapında bir hareket olarak, Japon Yeni Dalgasının hakim noktalarının seks ve şiddet temelinde döndüğünü hissediyorum. Her ikisi de hayatın ve sanat unsurlarının özünde var - dünya çapında sinematik çıktıları örtmeye devam ediyor - ancak çok az filmin onları meşgul ettiğini hissediyorum. Meleklerin Ecstasy'si kendi kabalık olduğunu anlıyor. Yönetmen Kōji Wakamatsu'nun böylesine aşırı bir konuyla devam eden ilişkileri, ona acımasızca şiddet içeren kişiliklerin tasvirini bileme yeteneği sağladı ve sonuç, anarşik benlik kaybında çılgın bir Sid ve Nancy benzeri keşif ve içine atılan acı bir romantizm tonu oldu. Blender. Sonunda görüşünüz ne olursa olsun, çılgın bir yolculuktur.

89. Süs Saç Tokası (1941)

Hafızası zamanla soyutlanan tüm savaş öncesi sanatçılar arasında Hiroshi Shimizu, yeniden keşfedilmeye çok ihtiyaç duyanlar arasında belki de en önemlisidir. Criterion koleksiyonunun bol miktarda Eclipse sürümüne (Amerika dışında herhangi bir yerde bulup oynamak için bir acı) rağmen, dönemin en önemli yönetmenleri arasında kötü bahsedilmiş gibi görünüyor ve kesinlikle savunulması gerektiğine inanıyorum. en iyileri arasında. Süs Saç Tokası Japonya, Amerika'yı İkinci Dünya Savaşı'na sürüklerken serbest bırakıldı ve yine de daha medeni bir çağa kulak veren bir umut ve sadelikle bağlandı - ya da en azından Shimizu'nun günden güne yaşamış olabileceği pasifizmden bahsediyor - bir çatışmayı görmezden gelerek Barbarca ve o sıralarda Japonya'nın dış imajına meydan okuyor. Bu tanımı pek çok siyasette bulandırmadan, Süs Saç Tokası Shimizu'nun ürettiği en iyi özelliklerden biridir ve onun güzelce abartısız rezonansını koruyan kalıcı minimalizmidir.

88. Ugetsu Monogatari (1953)

Böylesine evrensel bir hayranlık uyandıran bir klasiği bu kadar alçak bir yere yerleştirdiğim için yaygın olarak nitelendirdiğimden şüphem yok - ama sayısız binlerce Ugetsu Monogatari halen yapılmış en iyi 100 Japon filmi arasında yer almaktadır. Mizoguchi’nin iddia ettiği şaheserinden farklı bir hoşnutsuzluğum var: Zaman zaman aşırı basit bir yönelimden kaynaklanan, çoğu zaman onun bu kadar sıklıkla mükemmel olan hünerini yok eden ve önceki etkilerinin tümünü ve hepsini mahveden, kalıcı bir yara. Bununla birlikte, gençken bu filmin benim için ne kadar büyüleyici olduğunu ve son zamanlarda hayal kırıklığı yaratan bir dizi yeniden izlemeye rağmen, her şeyin yerine oturduğu ve Mizoguchi'nin mucizevi bir şekilde bestelediği büyülü anlardan bahsetmiyorum bile yalan söylemiş olurum. sinematik olarak sürükleyici ve nihayetinde insan çekiciliği damarlarıma geri girdi. Ugetsu Monogatari Kısmen listeye giriyor çünkü bu ufuk açıcı bir çalışma, ki bu utanç verici çünkü statüye karşı kişisel tercihi koyduğum için kendimle gurur duyuyorum: Ama meselenin püf noktası onu sevmek istemem. Yakında bir gün sevgi yeniden su yüzüne çıkabilir ve Mizoguchi’nin şaheseri daha da yükselir. Zaman gösterecek.

87. İlk Aşk Cehennemi (1968)

Kavrayışında paralelliklerin izini sürmek, benzerlerine kadar Nefessiz ve Eric Rohemer’in meditatif arkadaşlığı Maud’daki Gecem devam eden Nouvelle Vague'den İlk Aşk Cehennemi birlikte ilk adımlarını atan bir çiftin ve filmin adının izleyicisine cesurca vaat ettiği bağlantıyı sağlamaya çalışırken etraflarında dolaşan davetkar, tutkulu, somurtkan, soğuk, genellikle boş havanın sessiz, güzelce emici bir gözlemidir. Hasta izleyicileri hareket ettiren insan etkileşimi ile ödüllendiren, az bakım gerektiren bir sanat eseridir.

86. Kür (1997)

Düzenleme Çare ölümcül. Başka yere bakmak isteyeceğiniz bir noktaya doğru ilerliyor, Kurosawa, filminin acımasızlığını ev içi rutini ve kanla kaplı cesetleri nefes almak kadar doğal bir şekilde keserek izleyiciyi örtük bir anlayışla dolduruyor; ve beni, baş subayı Takabe'yi sorgulamaya iten, ölümün bu olağanüstü soğuk, neredeyse psikotik kabulü ve Japonya'daki şiddete ilişkin durumun acımasız cinayetlere bu kadar alışmış olmasının ne kadar cehennem olduğunu. Kiyoshi Kurosawa'nın nefes nefese bıraktığı gerginliği baltalamaya başlayan yavaş bir emeklemeyle hareket ederken, parçanın içine nefes alabildi. Çare hala güçlü sinematik kanonuna fazlasıyla layık bir katkı.

85. Kötü Uyku İyi (1960)

Akira Kurosawa’nın en zayıf Shakespeare uyarlaması, en güçlü filmlerinden biri olmaya devam ediyor ve kanatlarda bekleyen kurumsal eleştirilerle Hamlet hikayesini gevşek bir şekilde takip ediyor. Diğer versiyonlara karşı tutulan BSW, teğetsel olmasına rağmen, diyalog yüklü kompozisyonu Shakespeare'in dramasının genişliğini ve ağırlığını yakalayamayan saygıdeğer oyunun zayıf bir yorumu olarak oturuyor - buna ek bir boyut katan benzersiz bir Kurosawan tarzı hikaye anlatımı geliştiriyor. kaynak materyal ve nefis ve çekici bir anlatım ritmi uydurur. İlhamından çok daha modern ve şüpheli olan The Bad Sleep Well, çağdaş set çabalarının beceri ve inceliğini özleyen Kurosawa hayranları için mutlaka görülmesi gereken bir şey.

84. Tetsuo: Demir Adam (1989)

Mücadele Tetsuo zayıf bir mide ile yeleği olmayan bir mermi almak gibidir. Bir yığın hurda sahne, dağınık setler ve acı veren özel efektlerle birlikte karıştırıldı - bir canlılık var Tetsuo: The Iron Man ’s onu takdire şayan kılan tatsızların peşinde. Yaratıcılarının mümkün olan en utanç verici deneyimi elde etmek için uğraştığı ucuzluğa bir saygım var: Bildiğimizi muamma dünyasına taşıyan güçlü ses karışımları ve kirli monokromatik görselleriyle şok edici. Siyah beyaz, oluşturan en tanınmış nesneleri bile boyar Tetsuo’nun Dünya, bilinmeyenin korkunç burçları olarak, yarıkların altından sürünerek ve hem şiddetli hem de kaçınılmaz olarak hasta edici bir mutasyon metamorfozuna başlamak için kendilerini bize kilitlediler. Bu, izleyicilerinin hassas hassasiyetleri için endişe duyulan noktayı aşan bir çalışma ve tam olarak iyi bir vücut korkusu olması gereken şey bu. Tetsuo: Demir Adam şüphesiz en iyilerinden biridir.

83. Kara Yağmur (1989)

İkinci Dünya Savaşı'nın zirvesinde atılan nükleer bombaların insan bedeli üzerine Isao Takahata’nın kendi incelemesiyle birlikte yer aldığını ve benzer temaları ele aldığını düşünen garip bir zamanlanmış film, Kara Yağmurlar harikaya aşağılık Ateşböceklerinin Mezarı hiçbir şekilde göz ardı edilmesi anlamına gelmez. Takahata’nın çalışmaları etrafında haklı bir şekilde toplanan hayran lejyonları da buraya akın etsin. Shohei Imamura’nın bu listedeki ilk hareketi, Siyah yağmur Nükleer patlamanın ağırlığına son derece trajik, özenli bir şekilde kişisel bir bakış atıyor: Hayatta kalanların suçu, dışlanması, kederi, olayın kaybı ve kabulüyle başa çıkma ve onun ciddi sonuçlarına, Imamura'nın kendi tarzı olan incelikli ve yalın bir tarzla yaklaşması kadar çarpıcı ve anında Hiroşima aşkım rüya gibi netlik.

82. İnsanlık ve Kağıt Balonlar (1937)

Kenji Mizoguchi’nin saygıdeğer çalışma grubu ile aynı alandaki formalist bir klasik, ancak burada aynı derecede saygı duyulan yönetmen Sadao Yamanaka, sinema dünyasına girmeyi planlayan herkesin öğrenebileceği bir alçakgönüllülükle kendini tutuyor. Diğer ünlü resmi, Milyon Ryo Pot , nispeten sakin, ölçülü ve ustalıkla dramatize edilmiş bir masal - ancak bence uç nokta İnsanlık ve Kağıt Balonlar çünkü günlük yaşamın özü hakkında daha geniş bir açıklama yapmayı başarır. Şakacı hırslı başlığının rahatlığı her karede yankılanıyor ve son derece çekici bulduğum bir hareket olmasa da, hatta sabırla hareket ediyor - burada saat gerektiren bir şey var.

81. Sessizlik (1971)

Masahiro Shinoda’nın kısa süre önce Martin Scorsese tarafından ele alınan aynı romandan uyarlanmıştır. Sessizlik Batı ve Doğu sinematik tarzları arasındaki farklılıklara büyüleyici bir ışık tutuyor. Scorsese’nin dışa dönük stoacı, sert tonu, Shinoda’nın çalışkan elinin altında çok daha mütevazı bir görünüm lehine katlandı ve kitabı başka türlü sürükleyici bir şekilde doğalcı, sadeleştirilmiş bir şekilde ele alarak pişmanlık ve duygusallık saçmasına izin verdi. Shinoda'nın, manipülasyona gerek kalmadan dini masalı için dünyevi bir atmosfer geliştirmedeki cesaretini vurgulayan bir sahne, yaşlı bir kadının insanlarla dolu bir odaya şarkı söylemesi şeklinde geliyor: Konuşulan bir kelime eldeki hikayeyle neredeyse yankılanıyor, ne de hiç daha fazla karakterizasyon aktarıldı - ve yine de filmin geri kalanına, rahiplerin ve öğrencilerinin yüz yüze kaldığı ıstırabın ve çaresizliğin ağırlığı altında anımsatıcı bir şekilde bükülen kaçınılmaz bir canlılık ile doludur. Mütevazı ve çekici, alçakgönüllülüğü her gün benim için efsanevi İtalyan-Amerikan yönetmenin eserinin başında geliyor.

80. İkinci Kez Git Bakire (1969)

Derhal işleri kendisi için zorlaştıran, İkinci Kez Git Bakire Birkaç rahatsız edici tecavüz sahnesinden biriyle 65 dakikalık çalışma süresine ulaştı. Acı çeken genç kızın, uzaktan yönetmen Kōji Wakamatsu'nun kısa ama hayati eserinden izleyen aynı derecede genç, rahatsız bir katille olan tesadüfi ilişkisinden bir anlatı biçimlendirmek, eşleştirmeye asla anlatı geleneği eklemeyerek kendini tanımlar. Kendi cihazlarına, ifşalarına ve konuşmalarına bırakılan film, Japon Yeni Dalgası karakterinde sık sık etkili kompozisyonu ve cinsel şiddetin Nagisa'dan çok daha ilgi çekici, yoğun ve ileri görüşlü bir çatışmaya dayalı tasviri ile oldukça düşük bütçesini şaşırtıcı bir şekilde kullanıyor. Oshima'nın kötü şöhretli 1976 artistik teklemesi (ve bu cömertçe ifade ediyor) Duyular Aleminde .

79. Cehennemin Günahkarları (1960)

Sezgisel olmayan bir senaryo ve cansız bir olay örgüsüyle işaretlenmiş, Cehennemin Günahkarları yapay zeka üzerindeki istisnai kontrolü nedeniyle hala bu listedeki yerini almayı başarıyor. Her çerçeve nemli bir ışıklandırmaya batırılmış ve karanlık bir renk paleti ile karıştırılmış, bazen gelecek ızdırabın ince bir hatırlatıcısı olan delici kırmızı bıçaklarla noktalanmıştır. Anlıyorsun, Jigoku bir bekleme oyunudur: Cehenneme dalmadan önce tekdüze gerçek dünyada zamanını geçiren bir film. Mükemmel açılış sahnesi, izleyiciye, nihayet Tartarus'u kendimiz için deneyimlememize izin verilene kadar her sahnede geçici olarak kışkırtan bir kan kokusu veriyor: Karakterlere zaman verildiği için çarpıcı bir set çalışması, muhteşem renkler, aşırı ekstralar ve gerçek panik bir süvari alayı eylemlerinin sonuçlarını düşünür. Öyleyse sıkıcı olsa da, getirisi bizi izleyen emirlerle ödüllendiriyor Cehennemin Günahkarları en az bir kez - sinemadaki küçük bir şey için, onun özünde çelişkili, ürkütücü bir şekilde cansız yeraltı dünyası vizyonuyla eşleşiyor.

78. Yirmi Dört Göz (1954)

Genç bir kadının okul çağındaki bir sınıfın başındaki anaerkil konumunu ve çevreleyen toplum üzerindeki etkilerini takiben, Yirmi Dört Göz, Jeanne Dielman kadar ustaca bir şeyin cinsiyet üstü cinsiyet tarafsızlığından yoksun, ancak önemli bir yer olarak yerini koruyan feminist bir metindir. Hideko Takamine ve 1928'den 1946'ya kadar süren Thiassos tarzı anlatı yolundan güçlü bir merkezi performans için çalışın, iç politika ve barıştan savaş zamanına yıllar boyunca algının ilerleyişine dair geniş bir çalışma.

77. Sayın Teşekkür (1936)

Hiroshi Shimizu’nun etkileşimimiz üzerine düşünceli meditasyonu, Bay teşekkür ederim otobüste bir grup insanı takip eder ve varış yerlerine giden bir saatlik yolculukta her türden duygusal karakteri keşfeder (neyse ki bu listede biraz sonra daha az sorunsuz bitecek bir otobüs yolculuğundan uzaklaşmak). Bu, 60 dakikadan biraz fazla bir süre boyunca hiçbir ritmi kaçırmadan oturup konuşma becerisiyle bu listede yüzeysel olarak hırslı çok daha fazla filmin üzerinde yükselen, gündelik hayattaki şiirin büyüleyici bir portresi. Küçük bir hazine.

76. Utanç Sokağı (1956)

Kenji Mizoguchi’nin bir yapıtının kenarında sallanan Utanç Sokağı en büyük kuğu şarkılarından biridir - kariyerinin şimdiye kadarki tüm sinematik deneyiminden yararlanan ve bunu zamanında, karakteristik olarak dikkatli ve dikkat çekici bir insan işi haline getiren bir şarkıdır. Japonya'da fuhuşun yasallığının alacakaranlığı sırasında bir genelevde yaşayan Mizoguchi, algıyı aşan ve geçmiş önyargıları görmemize izin veren gerçek yüzü göz önüne alındığında güzel bir şekilde hareket eden bir çatışma ve aşikar 'ahlaksızlık' inşa ediyor. Günümüzde, izleyiciler genellikle kahramanlık karşıtı veya suç açısından çaresiz karakterlerin gösterişli parıltısı sayesinde zevk alıyor. GoodFellas ve ahlaki açıdan sağlam olmayan karakterlerin çoğu kez neşeyle sadistçe tasvir edilen diğer aslanlar. 1956'da, özellikle yasal bir geçiş sırasında - böyle bir film duyulmamış olmalı. Kadınları Utanç Sokağı sadece yaşamaya çalışıyorlar ve bu onların yükünü daha da üzücü kılıyor.

75. Yüzen Yabani Otlar (1959)

Bir sanatçı olarak haklı olarak Ozu’nun en büyük başarıları arasında gösterilen, 1959’lar Yüzen Yabani Otlar Seyahat eden bir sanatçı grubunu ve seyahatleri sırasında karşılaştıkları aile sorunlarını, özellikle de kazançlı tiyatro şirketini affetmekle tehdit eden önceden ayrılmış partilerin yeniden birleşmesini izliyor. Ozu’nun en iyi filmleri kadar güçlü ama ben burada bir ölçüde hikaye anlatımıyla, özellikle de yapıyla ilgili sorun yaşıyorum. Burada karşılaşacağımız daha sonraki Ozu filmlerinden bazılarına karşı düzenlenen bu, onlara mum tutamaz - ama en azından bir sanatçı ne kadar yetenekli olduğunun bir ölçüsüdür. Yüzen Yabani Otlar yine de ilk 75'i aydınlık sessiz, düşünceli formda kırmayı başarıyor. Hala ufuk açıcı.

74. Pastoral: Ülkede Ölmek (1974)

Shūji Terayama’nın Pastoral tuhaflıkta yüce bir egzersizdir. Tuhaf 'gerçeküstü' nin bu özel dalını söylemek hiç kimse için saflık olur çünkü Pastoral Bundan çok daha az incelikli: Kısa çalışma zamanını, yönetmenin geleceği için deneyimlediği bir anıya seslenen absürdist komedi ve fantastik görüntülerle doldurmak. Böyle bir ilhamın anlaşılmazlığı, konusu ve fikirleri karşısında çok azdır - ancak daha önceki çalışmasında olduğu gibi, Terayama'nın olay örgüsündeki gevşekliği, sağlamaya çalıştığı deneyimden hiçbir şekilde uzaklaşmaz - ve başyapıtı ifade etmeye çalışırsa Hoşnutsuz bir gencin öfkesi ve tutkusu o zaman bu onun daha kişisel bir devamıdır: Muhteşem bir şekilde fotoğraflanmış ve sıcak bir şekilde gerçekleştirilmiş büyüleyici bir zihne doğru bir keşif. Bir filmi tuhaf yapmak kolaydır, ancak daha sonra kişilik, teknik ve yönetmenlik becerisiyle görsel virtüözlüğünün etkisini vurgulamak, adamın burada başardığı bir şeydir. Gerçekten görülmesi gereken bir şey.

73. Kusursuz Mavi (1998)

Animatör Satoshi Kon'dan belirleyici bir yetenek çığlığı, Mükemmel Mavi Yeni kimliğini kavramaya çalışan emekli bir pop idolünün iç mücadelesinde fiziksellik buluyor - hepsi modern dünyanın sürekli gelişen baskısına sarılmış durumda. Kon'un görsel duyarlılıkları hem mükemmel hem de ne yazık ki abartılı sinematik anlara yol açıyor - ama bence sarhoş edici anlatı tasarımı Mükemmel Mavi baş kahramanın kendisine işkence ettiği ve bunu yaparken işkence gördüğü acımasızlığı bulur ve onu herhangi bir yönetmenlik hıçkırığının ötesine iter. Korkuyu gerçeğe dönüştürmesine izin veren metafizik bir parçadır - bu, cesareti nedeniyle tamamen daha karanlık ve rahatsız edici bir şey için geleneksel animasyonlu özelliklerin sınırlarını zorlar. Kon, kendisine rağmen, zihinsel bozulma tasvirinde gerçeklikten uzak durmuyor - ve bu, başka türlü tarihlenen ikilemleri sabitleyen şeydir. Mükemmel Mavi bu güne. Büyüleyici, genellikle kafa karıştıran bir animasyon deneyi.

72. Kara Su (2002)

Korkunç olanın doğrudan evrimi Yüzük , Hideo Nakata ’s Kara su yönetmenin ikinci ve belki de yalnızca başka bir vuruşunu ve stilini daha da ileri götürmeyi başaran birini temsil ediyor. Pek çok J-Dehşetten kaçan bir olgunluğa sahip, drama gücünün temelini, daha az sanatçıların tamamen anlayamayacağı duruş ve hassasiyete yönelik sinsi bir dikkat ile destekliyor. Görünmeyen bir hedefin titreyen arayışı, her sahnede yankılanıyor ve kaçınılmazlığı yalnızca korkunun değil, zorunluluğun da silahına dönüştürüyor.

71. Yûkoko: Aşk ve Ölüm Ayini (1966)

Yûkoko: Aşk ve Ölüm Ayini birkaç nedenden ötürü rezil oldu, çünkü yönetmeni Yuiko Mishima da başarısız bir askeri darbeden sonra seppuku aracılığıyla intihar etti. Adam, Paul Schrader'in en iyi filminin temelini oluşturdu. Dört Bölümde Bir Hayat ve burada kendini bariz bir şekilde büyüleyici bir konu olarak merkeze alıyor - sözsüz mesajını açıklamak için Noh sahnelemesini ve güçlü kompozisyonunu kullanıyor. Squeam uyandıran özel efektler, Harakiri'nin hareketini şaşırtıcı bir etkiye benzeterek ve Mishima'nın vatanseverliğine mükemmel bir noktalama işareti oluşturarak, zamanları için oldukça etkileyicidir. Teslim olmak yok.

70. Akira (1988)

Japon animasyonunun ışıltılı, neon bağcıklı bir dönüm noktası ve uluslararası merkez sahneye sızması, Akira anime'den devrim niteliğinde bir noktayı işaret ediyor ve ışıltılı renkleri, sevimli fütürizmi ve amorf, iğrenç başlık karakterinin acımasız dönüşümüyle bugün bile etkiliyor. Hikaye yapısı yan notlarla darmadağın olsa ve gelişmek için net bir yön bulamasa da, Akira’nın aksiyon ve daha etkileyici animasyon becerileri, onu etkileyici ve agresif bir şekilde ilgi çekici kılan, etkileyici bir şekilde hazırlanmış vinyetlere sahip ekranları ve gerçekten muhteşem bir şey için ilerlemesinin gevşek çeneli aptallığını aşan şeydir. Bu, kısır, dinamik ve sevecen - layık bir klasik ve yüksek kaliteli animasyon üretmenin harika çağına bir başlangıç.

69. Mübaşir Sansho (1954)

İşte bu noktada itiraf etmeliyim: Kenji Mizoguchi'nin çalışmalarını hiç sevmedim. Fotoğraflarında yolumu birkaç kez solumaya çalışmasına rağmen, hiçbir şey gerçekten sıkışmadı. Çalışmaları hakkında çok az şey beni meşgul ediyor ve yazılı düzeyde olan şey, onu ekrana öyle açıkça aktardığında donukluğa dönüşüyor. Şüphesiz, adamın çalışmasında bulunma şansı var - ama bu beni aydınlatmaya devam ediyor. Tüm bunları aklımda, yeniden izlediğimde en azından biraz teselli buldum Mübaşir Sansho Bu liste için - daha önce beni böylesine güçlü malzemeyi israf etmekten hüsrana uğratan bir film. Bu girişim, Mizoguchi’nin daha önceki çalışmalarında boş görünen ikonoklastik yaklaşımının yeni keşfedilmiş bir takdirine dönüştü. Etkileyici sahnelerle doludur ve filmin yaklaşık 20 dakika fazla uzun olduğunu ve daha kısa ve öz bir şekilde hareket eden bir alanda ustalık alemlerine yükselebileceğini düşünürken, en azından bu listede efsanevi sanatçıya zemin hazırladı. Belki yıllar sonra Mizoguchi’nin çalışmalarını burada daha yükseğe koyardım - insan sadece umut edebilir.

68. Onibaba (1964)

Kaneto Shindo'dan ilk filmimiz, Onibaba Bir güvensizlik ve aldatma hikayesi anlatıyor - kısa süre sonra kendi gündemini arayan, sahip olduğu bir maskeden etkilenen iki hırsız kadın. Shindo'nun dikkatli sahneleme ve sarsıcı hikayesiyle geliştirdiği paranoya atmosferi, benzersiz paralel bir duygusal bağı beslemek için izleyicinin korku duygusunu ve ana oyuncularının endişesini arttırmak için filmin yeni karakterleri ve olayları başarılı bir şekilde birleştirmesiyle aynı şey. Ama bence, hepsinden öte, Onibaba’nın Bir Japon Korku sineması klasiği olarak kalıcı statü, tek çekimden kaynaklanıyor: Felç edici durgunluğuna o kadar çok içgüdüsel enerji sığdıran tek bir görüntü, fiziksel olarak şaşkına döndüm - geri dönmekten cesaretim kırıldı. Onibaba aynı korkunç varlıkla karşılaşma korkusuyla. Bu kareler karşısında, filmin geri kalanı kıyaslandığında neredeyse sönük kalıyor: Ama onu tamamen göz ardı etmek, böylesine kontrollü bir oluşumun noktasını ve sansasyonel bir şekilde ele alınan doruk noktasını gözden kaçırmak olacaktır.

67. Sonatin (1993)

Takeshi Kitano'nun çalışmalarında her zaman etkileyici olan şey, en zorlu senaryolara bile hafiflik katmasıdır. Neredeyse eksik Havai fişek ve Şiddetli Polis her ikisi de bir şekilde listedeki yerini eseriyle paylaşıyor, Sonatin ve hepsi bir sinema komedyeni olarak yerli Japonya'daki popülaritesinden ve bu köklerin onun sinematik tekliflerine nasıl incelikle sızdığından bahsediyor. Karanlık ve genellikle acımasız hikâyelerden oluşan kompozisyonuna rağmen, içinde bulunduğu her kare parlıyor. Kitano'yu son birkaç on yılda Japon sinemasından çıktığı gibi büyüleyici bir figür yapan şey, insan ahlakı ve beğenilebilirliği algımızla böylesine ustaca oynamaktır - ve Rodger Ebert'in gördükten sonra ustaca söylediği gibi kanıtlar. Sonatin , bu cesur suç araştırmalarının, Tarantino'nun yüzeysel monologları ve ağızlık 'karakterizasyonu' ile angaje olmak için derinlikten ödün vermesine gerek olmadığını. Kitano ikisini de yapabilir.

66. Şeytanlar (1971)

Yeni Dalga filigranı Toshio Matsumoto, zarifliğiyle 2 yıl önce şaşkına döndü Güllerin Cenaze Töreni 71’in iblisleri, her görüntüyü yalnızca karanlık yerlere ve kâbus gibi karanlıkta aydınlatılan oyunculara daldıran keskin bir gece manzarasıyla duyusal momentumunu koruyor. Diğer yönetmenler bu tekniği denediler, belki de Louis Malle’ın Elevator to the Gallows'daki sorgulamasında yatan en önemli örnek - ancak çok azı onu bu kadar istilacı etkilere itti - her atış geniş bir korku ve en önemlisi umutsuzluk duygusuyla doluydu. Kahramanları doğaüstü saldırganlarından kaçmaya ne kadar yaklaşırsa yaklaşsın - hiçbir şey güvenli değildir. Bu, açıkça, örnek teşkil eden varoluşsal Dehşettir.

65. Hala Yürüyüş (2008)

Bence Yasujiro Ozu'nun yükselen gölgesi, herhangi bir dramatik film yapımcısının üzerine büyük bir gölge oluşturabilir ve son derece değerli Hirokazu Koreeda, etkilenenler arasında belki de başıdır. Adam, çalışmalarını Japon efsanesinden çok Ken Loach'ınkine benzeterek karşılaştırmadan kaçmaya çalışır, ancak böyle bir benzerlik kaçınılmazdır ve Koreeda'nın yöntemindeki bazı eksiklikleri vurgular. Ozu sizi karakterleriyle oturmaya davet ediyor ve yavaş yavaş hikayenin ana fikrini ortaya çıkarıyor, oysa Koreeda kamerasını dramla aynı odaya koyup sessizce izliyor. Onun tarzı çok daha az dolaysız, bir şekilde Tayvanlı usta Hsiao-Hsien Hou’nun tekniğini anımsatıyor, ancak daha da bağımsız.

Bütün bunlar göz önünde bulundurulduğunda, Koreeda’nın araya girmeyi reddetmesi, daha sonra bazı güçlü ve samimi anlara yol açıyor - burada karakterler dünyalarıyla bizimki arasındaki altı derecelik ayrımı köprülememize izin verirken çiçek açmaya başlıyor. Bir piyanoya yaklaşan bir insan kadar basit bir şey, sahnenin öneminin altını çizen odakta aşırı eşitsizlik, izleyiciye karakterlerinin zihinlerine küçük, anımsatıcı bakışlar vermede harikalar yaratıyor. Aslında Hala yürüyor çağdaş Japonya'nın film yapımcılarını aile dramasına katılmaya ve Ozu ve Naruse gibi sanatçıların yıllar önce yaptığı aynı dürtü ve etkiyle aşılamaya teşvik eden bir umut kalesi. Sahnede Sion Sono gibi yönetmenler varken, Hirokazu Koreeda gibi insanların hâlâ kıyıda, belden aşağısının yukarısında olması ve banliyö yaşamı portresinde bize çok sessiz ve büyüleyici bir şey vermesi bir armağan.

64. Aktrisler Arasındaki İtiraflar (1971)

Acımasızca dürüst, karakteristik olarak açık bir film - acımasız sorgulamasından farklı değil Kış Işığı - Yoshishige Yoshida ’s Aktrisler Arasındaki İtiraflar üç kadının zanaatlarına bağlanmasına neden olan travmaları takip ediyor - yönetmenin ilk renkli filmi ve büyüleyici bir şekilde: Bu yeni, kızaran renk zenginliğinde, sıkıcı, çıplak gerçeğin peşinde koşmak için yaptığı aşırı kamera çalışmalarının çoğunu ortadan kaldıran biri ve bu insanlar üzerindeki etkisi. Vahiy, kendi tarzında bir şifa biçimidir ve Kiju Yoshida'nın Aktrisler Arasındaki İtiraflar bu fikir üzerine bir tartışma olarak harika çalışıyor.

63. Narayama Türküsü (1984)

Narayama Türküsü Belki de Shohei Imamura’nın en ünlü filmi, aynı derecede saygı duyulan bir klasiğin yeniden yapımıdır. Imamura’nın parçasını diğerlerinden ayıran şey, insan eylemine dokunsal yaklaşımıdır - acımasız tepkiler ve mutasyona uğramış ruhlar, bir erkeğin veya bir kadının zihnindeki büyük duygusal baskı gücüyle büyülenmiştir. Daha önceki filmleri bu tür konuları çok daha iyi ele aldı, ancak bunun dışlamadığını düşünüyorum. Narayama Türküsü aralarında dik durmaktan. Onun tanıdık halk hikâyesi de aynı derecede dikkatli bir insan davranışı incelemesidir ve 60'lı yıllardaki çalışmasına ısırmasını sağlayan hastalıktan yoksundur - Shohei Imamura hala tatmin edici derecede şefkatli, gerçek bir sanat eseri sunar.

62. Mandara (1971)

Mandara yetmişli yılların başlarının sinematik açıdan en etkileyici filmlerinden biridir. Tema, fotoğrafçılık ve yarattığı hayret verici ruh hali açısından zorlu ama evrensel olarak ödüllendirici - bu, zengin tuhaf dünyasına daha derine dalmak için zamanım olsaydı, bu listenin üst kademelerine girmiş olabilecek benzersiz bir tuhaf çalışma parçasıydı. Şunu söylemek yeterli: Bu az görülen Yeni Dalga mücevheri mutlak bir zorunluluktur.

61. Prenses Kaguya Masalı (2012)

Saygıdeğer Isao Takahata’nın 1988’deki baş döndürücü olaydan sonra 2012’deki forma dönüşü Ateşböceklerinin Mezarı , Prenses Kaguya'nın Hikayesi sadece muhteşem. Her yaşa uyan bir aile masalı olan bu animasyonun kesinlikle güzel tarzı, beyaz bir battaniyeye boyanmış klasik tasarımlara geri dönüyor - o zamandan beri birden fazla ortamda özelliklere ilham veren temele dönüş ideal. Geniş kapsamlı estetik çekişi Kaguya hikaye tarafından tam olarak gölgede kalmadı - ancak parlak sinematik dürtüsü hala baştan sona sarhoş edici ve herhangi bir animasyon hayranından dikkat talep ediyor.

60. Adınız (2016)

Bu listedeki en son film, geçen yılki Adınız bir vahiydir. Amerika'daki popüler sinema çoğu zaman çok cansız ve alaycı olabilir, bağımsız sahnesi bile sanatsal değerden çok şöhret tarafından çekilmeye başlar (bu büyüyen gözlemin bariz istisnalarını gözden düşürmemek için). Tüm bunları söylüyorum çünkü bu liste için çağdaş Japon yayınlarını incelemiş olmak, en az onun kadar harika bir filme sahip olmak heyecan verici. Adınız ana akımda olduğu kadar başarılı olun. Japonya, o zamandan beri bir dizi animasyon özelliğiyle hem batmış hem de yetenekli. Akira 1988'de ve sertlik çoğu zaman elmasları altından geçirirken - bu kadar güçlü bir film kolaylıkla geçildi. Giriş veya yorum olmadan sadece bakın Adınız . Bugünden hepimizin ders alabileceği yürekli ve dürüst niyetli bir şey.

59. Rüzgar Vadisi Nausicaä (1984)

Rüzgar Vadisi Nausicaä animasyon devi Hayo Miyazaki’nin bir sanatçı olarak üstün becerisinin ilk kalesi. Hikaye anlatımı mükemmel - sanki yön özgürlüğü ve toprağın eşsiz flora ve faunasının muhteşem bir şekilde gerçekleştirilmesiyle kendi dünyamızdaymış gibi bir tür somurtkan kıyamet geleceği inşa ediyor - hepsi de hoş olmayanlarının ürpertici farkındalıklarını ifade eden çok çeşitli yalnız ruhlarla dolu. harika bir dünya. Miyazaki'nin gerçekten samimi, orijinal ve tatlı bir şekilde ilham alan eserlerinin ilki.

58. Dans Edelim mi? (1996)

Bence ne ayırır Dans edelim mi? diğer herhangi bir 'yaşamı onaylayan' hareketten ne kadar ciddidir. Akira Kurosawa’nın tamamlanma (veya dehşet verici eksikliği) üzerine kendi tez çalışması Ikiru buradaki zararsız cazibeye keskin bir tezat oluşturuyor - alaycı bir şekilde yönlendirilen olay örgülerinde yollarını tırmalamak yerine, doğal olarak filizlenen ve kalbimize sızan bir çekicilik. Harika bir film - hikayesinin ne kadar sevinçle inandırıcı olduğu ve yönetmen Yoshikazu Suo'nun ürünüyle ne kadar rahat olduğu için öylesine yüksek bir pozisyona layık görülmüş harika bir film. Bir zevk.

57. Akitsu Springs (1962)

Kiju Yoshida’nın büyük atılımı, Akitsu Springs Japon Yeni Dalgasının alemlerinde özel bir şeyin doğuşunu temsil eder. Yoshida, 1962 gibi erken bir tarihte, o zamanki birçok Japon filminin psikoseksüel odağını bir kafaya getirmeyi başardı ve iç derinliklerini kusursuz bir doğrulukla doldurdu - bu, zaman geçtikçe keskinleşmeye devam edeceği bir hayranlıktı. Benzer şekilde bir dizi fantastik takip onu hareketin kilit bir üyesi olarak pekiştirdi ama benim için öyle Akitsu Springs sinema dehasının sahibi olarak en güçlüsü bu.

56. Eşi İtiraf Ediyor (1961)

İlk filmimiz, üretken Yasuzo Masumura'nın izniyle, 1961’ler Bir Eş İtiraf Ediyor Erken Japon Yeni Dalgasının taçlandıran bir başarısıdır. Kocasının kaza sonucu ölümüyle suçlanan bir kadının ardından, o dönemde Japon sinemasının karanlık tarafına özgü saldırganlık, alaycılık ve saptırma dalgalarını yakalıyor - çoğu zaman kanlı, acımasız şiddeti olmadan. Burada sahip olduğumuz şey, acıyla dikenli sesler aracılığıyla vurulan ve kendi sefaletlerini karşılaştırmak için bazı fakir, ömür boyu hapis vakası için uluyan gözlerle izlenen zihnin şiddeti. Örtülü morbidite Bir Eş İtiraf Ediyor bu, toplumsal ısırıklarına ağırlık verir.

55. Tanrıların Derin Arzuları (1968)

Shohei Imamura’nın en uzun filmi, Tanrıların Derin Arzuları belki de onun tarzını en iyi örnekleyen film. İzole bir koloninin gergin dinamiklerini ve ardından filizlenen filizlenen romantizmi takiben, Imamura'nın biraz sapkın yönü ve neredeyse gazetecilik bütünlüğünün nüfuz eden parlaklığı, yerel yaşam, aşk ve kendi arzularımıza nasıl ayrılmaz bir şekilde çekildiğimiz hakkında büyüleyici bir belge sağlar. bilinçli olarak paylaşılan bir ilkel dürtü veya doğrudan yukarıdan gönderilen somut olmayan bir implant yoluyla olabilir. Nihayetinde Imamura’nın temel sorusunu yönetmek zordu: Tanrılarımızın zalim olduğunu veya bizim olduğumuzu kabul etmek daha mı kolay?

54. The Human Condition 1.Bölüm: No Greater Love (1959)

Epik bir film üçlemesinin ilki, İnsanlık Durumu 1. Bölüm: Daha Büyük Sevgi Yok yönetmen Masakai Kobayashi'nin takipleri için emsal oluşturacak bir film - yönetmen Masakai Kobayashi'nin yalnızca sonradan öğrenecek zamanı olacak, muazzam hırslı eseri için mükemmel dengeyi asla tam olarak netleştiremeyecek. Daha fazla aşk yok birkaç ölümsüz an, en önemlisi 10 dakika süren ve ezilen Mançu balonunun kaynayan gazabını gören bir infaz sahnesi, tüm silahların ve dikenli tellerin özellikle bugün için yankı uyandıran bir şeye ilham vermesi korkusunun ötesinde bir infaz sahnesi. birkaç karakter için yay. Bu aşırı uzun, aşırı doygun ve sonuçta etkisiz bir film & hellip; ama aynı zamanda savaşın bedelinin ustaca işlenmiş bir incelemesidir. Aşırı dengesiz, İnsanlık Durumu ’In açılış bölümü, bir filmi ne yürütülebilir ne de istisnai hale getirecek kadar sağlam bir zemin buluyor: Ama yine de burada ilk 60 arasına girmeye değecek kadar fazlası var.

53. Kitaplarınızı Atın, Sokaklarda Miting (1971)

Kitaplarınızı Atın, Sokaklarda Ralli, kafanıza kan akıntısıdır. Japon gençliğinin eski değerlerden kopuşunun canlı bir resmini çizen, bağlantısız vinyetlerin canlı, durgun bir düzenlemesi. Tamamen daha modern, fütürist - parçalara ayrılmış ve yine de kendi anlaşılmazlığı içinde tamamen rahat bir şey için biçimciliğin reddi. Endüstrinin yaratıcı doğası, gençlerin zihninde ortaya çıktı ve şaşırtıcı, çekici ve çoğu zaman şaşırtıcı toplu sahnelerle sonuçlandı. Japon Yeni Dalgasından bile çok az film aynı şiddetli asi ateşi yakabilir.

52. Kızıl Melek (1966)

Devasa üretken usta Yasuzo Masumura, 1960'larda devasa bir 33 film üzerinde çalıştı ve onun kabaran eserinin en önemli özelliklerinden biri 1966’daki yüce Kızıl Melek. Kızıl Melek, savaşa itilen romantik bir şekilde bağlı genç bir hemşirenin merkezinde, zorlu dünyasını olağanüstü bir şekilde geliştiriyor: Kirli, terk edilmiş bir komplekste ameliyat masasına yara izleriyle ağlanmış ve kendi kanları ve teriyle sıçrayan gazilerin lejyonlarıyla başlayarak - hepsi Nihayet bu ölümcül çatışmanın potasına atılmadan önce. Aşikar korku, Masumura’nın son derece izlenimci yönünün bir işaretidir ve onu 1960'larda ulus sinemasının tanımlayıcı, ne yazık ki gölgede kalan sesi olarak işaretler.

51. Haritasız Adam (1968)

Hiroshi Teshigahara’nın kusursuz yapıtından, '62’den ’66’ya, 1968’lere kadar yükselen çalışmalarının gölgesinde kalan, acıklı bir şekilde gözden kaçan bir giriş Haritasız Adam titiz bir şekilde ikonoklastik yönetmenin sade monokromdan çekici renkli fotoğrafçılığa geçişini görüyor: Kasvetli, biraz sıkıcı bir paletle endüstriyel Japonya'nın yayılan labirentine bakarken, kahramanın cevaplara yönelik sıralanmamış arzusunu zengin bir şekilde yansıtıyor. Haritasız Adam şüphe ve kafa karışıklığı nehirlerinde akar, dedektifini en küçük akınlar için derin sulara indirir ve nadiren ona nefes alması ve her şeyin enginliğini alması için bir saniye izin verir.

Teshigahara, kahramanlarının işkenceli arayışını her fırsatta katarsizi reddeden bir dünya ile şakacı bir şekilde kentleştiriyor ve modern yaşamın bitmeyen belirsizliğini şeytani bir hassasiyetle yorumluyor. Daha önceki çalışmalarının nüanslı süper-doygunluğunu ve gerçeküstücülüğünü, belki de Sisifos'un ızdırabından daha da rahatsız edici olan çok daha temel bir parça için terk eder. Kumullardaki Kadın veya Tuzaklar düşüncesiz, duygusuz ölüm ilerlemesi. Haritasız Adam bizi kendi evimize vuruyor ve bu yüzden bu kadar kafa karıştırıcı - çok sinir bozucu - ve bu yüzden bugüne kadar bu kadar hayati bir sinema parçası olmaya devam ediyor.

50. Böcek Kadın (1963)

Nagisa Oshima’nın daha tehlikeli derecede aşırı madeni parasının biraz daha saygın tarafı olan saygıdeğer usta Shohei Imamura tarafından şimdiye kadarki dördüncü filmimiz, Böcek Kadın İmamura’nın cinsel politika görüşünün neden her zaman tartışmalı çağdaşı olandan çok daha etkileyici olduğunun örnek bir temsilidir. Bu, görkemli bir görsel kontrol filmi: Görüntülerine anlam ve ağırlık aşılamak, aynı zamanda monokromda çok fazla anlam taşıyan lezzetli estetik güç - Kadının gündelik hayatı, çok fazla gizemlere dönüşen siyah beyaz bir denizin kuşatması. içinde Tetsuo: Demir Adam . Ürkütücü bir ileri görüşlü açılış sahnesi basit olsa da, Kafkan kafesi Tome'nin (haklı olarak onurlandırılan Sachiko Hidari tarafından güzel bir şekilde oynanan) tohumlarını diker ve Imamura'nın hareketlerdeki korkunç başlık setlerinin korkunç sonuçlarına işaret eder. İmamura’nın ilerleme hızıyla ilgili sorunlarından hiç de etkilenmeyen, izlemek zor ama sinema boyunca gerçekten hayati önem taşıyan bir şey olmaya devam ediyor.

49. Nabız (2001)

Kiyoshi Kurosawa, tanıdık adaşının ağırlığı altında, fantastik bir dizi uğursuz çabayla sınıfının üzerinde istikrarlı bir şekilde yumruk attı - ancak hiçbiri 2001'lerin ezici boşluğunu gölgede bırakmadı. Basın . Dehşetten damlayan ve teknolojik referansları zamanında, onlara güvenmeden, resmi yaşlandıracak şekilde kullanmak, Basın Yūrei ruhlarının tanıdık yüzünü soluk yüzlü takipçilerin birçok ünlü tasvirinden çok daha etkili bir şekilde kullanan modern musallatlığın son derece korkutucu bir yorumu.

48. Onur veya İnsanlık Olmayan Savaşlar (1973 & hellip; 1975)

Kinji Fukasaku’nun çok parçalı suç antolojisi Godfather yükselen güneşin altında her uyuşturucuyla uğraştı. Coppola’nın mükemmeliyetçi parçasının çoğu zaman baskıcı yapısallığından bağımsız olan Fukasaku, yıllar boyunca hüküm süren bir suçlu ailesini takip ederken şiddeti caz olarak filme alıyor - Kinetik montajının geçici etkisini sağlamak için genellikle gereksiz hiperstilize açılara ve kurgulamaya dalar. Karmaşık karakter gelişimi, tematik çözünürlük ve hatta temel zevke sahip olmasa da, içinde son derece canlı bir şey var. Onur ve İnsanlığın Olmadığı Savaşlar yardım edemem ama seviyorum. Her film bir sonuncusuna katkıda bulunuyor ve toplu olarak 70'lerin Japonya'sındaki popülist suç sineması için bir zirveyi temsil ediyor. Çok az yaklaşabilirdi.

47. Kwaidan (1964)

Masakai Kobayashi’nin karakteristik olarak iyi hazırlanmış Korku antolojisi Kwaidan, yaşlı Japon masallarının gizemine ve kötülüğüne, J-Horror’ın çeşitli korkunç görüntülerden ve kaçınılmaz lanetlerden oluşan Orta Çağ köklerine sürükleyici bir dalış. Japonya’nın gelişen Korku sahnesinde her yerde var olan acımasız merhamet eksikliği veya soluklanma, burada bir ustanın eliyle dokunuluyor ve sonuçta, başka türlü tarihlenmiş hikayelere endişe verici yeni bir hayat vermeyi başaran görsel olarak görkemli bir mücevher ortaya çıkıyor. Şimdiye kadar yapılmış en iyi Korku Antolojisi şüphesizdir: Seçkin bir film yapımcısının yüksek sesle ve net bir şekilde seyreltilmemiş sesiyle J-Horror korkulacak bir şeydir. Yıllar sonra, hala onun korkunç kavramasına hapsolmuş durumdayız.

46. ​​Tokyo Yarışı (1966)

Baştan çıkarıcı baş belası Seujin Suzuki’nin lanet olası pop art dehası parçası, Tokyo Drifter havai fişek gibi patlıyor ve stilistik yönünü bugün Quentin Tarantino ve Martin Scorsese'nin bile iddia edebileceğinden daha fazla ödünç veriyor. Filmin ateşli etkisi, özellikle kurgusunu ve eyleme yaklaşımlarını işaret ediyor - Goddard’ın sonsuza kadar aşırılığından farklı değil. Nefessiz kesim şeklimizi şekillendirmeye devam ediyor. Suzuki'nin eseri, modern suç sinemasının pek çok karesine çok daha az giriyor - ama bu, her türlü maddeye olan ihtiyacı ortadan kaldıran daha güçlü bir stil örneğidir: Silah sesleri, her selamla birlikte kızıl zafer saçan zappy neon efektli bir havai fişek gibi patlıyor. silah sesi. Usta bir koreograf tarafından oyununun tepesinde yapılmıştır. Tokyo Drifter ucuz sinemanın en heyecan verici halidir. Elektrik ve yine de büyük bir eğlence var.

45. Ateşböceklerinin Mezarı (1988)

Yüzeyde Hayo Miyazaki’nin evrensel seyirci masallarının tersi, Ghiblian ikonu Isao Takahata’nın saygıdeğer Ateşböceklerinin Mezarı şimdiye kadar yapılmış en beğenilen animasyonlardan biri olarak duruyor - ortamı ustaca kullanmasından doğan duygusal ağırlık ile. Konuşma konusu olan mesele: Ateşböceklerinin Mezarı söz konusu hikâyeyi gerçeklik alanında ele almış olsaydı, evrensel olarak takdir edilmez ve hatta dikkate değer olmazdı. Ancak Takahata’nın merceği çizilmiş. Resimlerine, çocukluğunun göstergesi olan bir zarafet ve masumiyet aşılanmıştır - bu, kahramanlarının içinde bulunduğu kötü durumu mükemmel bir şekilde tamamlar. Bazılarına göre bunun bir batant anahtarı olarak görüldüğünden eminim, ancak çok az film animasyon sanatını mesajlarının gücünü zarif bir şekilde vurgulamak için bu kadar ustaca kullanmıştır. Takahata’nın savaş karşıtı sakatlayıcı bir şekilde, açık bir şekilde zarafet görselleri, hikâyenin ezici bir çoğunlukla hüzünlü kurgusuyla çatışmaya başlar: Küçük bir önemi olsa da, hava geçirmez estetik tutuşundan bir sinizm kokusunun kaçmasına izin vermek. Ateşböceklerinin Mezarı unutulmaz ve çoğu zaman güzel bir savaş zamanı deneyimidir.

44. Samuray Üçlemesi (1954-55-56)

Müthiş bir eğlence yelpazesi olan yönetmen Hiroshi Inagaki’nin leziz ve çekici popülist dizisi, aksiyon-macera film yapımında bir dönüm noktası ve muhtemelen alt türü süsleyen en iyi üçlemedir. Toshiro Mifune'den her zamanki gibi paha biçilmez bir performansla yönetilen ve en önemlisi ilk filmin sonunda, küçük bir olgunluğa işaret eden Inagaki'nin nispeten zararsız ve karmaşık anlatıları, 1950'lerdeki kadar keskin ve heyecan verici bir sinema aksiyonu kavrayışına sahip. teklif etmek zorunda. Kameranın hareketi heyecan verici, oyuncuları vahşilik ve canlılıkla yönetiyor, bu da üçlemenin hikâye anlatan kuru büyülerinin üstesinden gelmesine ve heyecan verici bir kılıç oyunu sekansının eklenmesine yardımcı oluyor. Dramatik bir cephede özel bir şey değil - ancak zanaat için yeterince tutku ve başarılarında böylesine yüksek bir yerleşimi garanti edecek kadar şaşırtıcı bir duygusallıkla övünüyor. Macera sineması hayranları için hayati izleme.

43. Burma Arp (1956)

Kon Ichikawa’nın, bir zamanlar işgal ettiği ülkeye giren ve savaş sonrası dünyanın acısında huzur bulmaya çalışan bir Japon askeriyle ilgili çıkış noktası: Burma Arp sık sık körelmiş savaş tasviriyle anlaşılır eleştiriler aldı: Tam ve sürükleyici bir zaman almaktan daha çok dans eden takımlar ve basit olay örgüsü noktası hareketleri. Paradoksal olarak, neyin yardımcı olduğunu düşünüyorum Burma Arp Bu sorunların üstesinden gelmek onların arkasındaki kalptir. Bol miktarda kontrol edilen hikaye anlatımına rağmen, Ichikawa, her sahneyi en az bir çerçevelenebilir tabloya sığdırarak film boyunca güzel görüntüler örer; bu, kendi yönünün statik sofomorisizmine katkıda bulunurken, en önemlisi de ölüm odaklı bir dizide ruh halini etkili bir şekilde aktarmayı başarır. askerler havan topları tarafından kesiliyor ve kahramanımız kanlı bir ceset denizinin ortasında uyanıyor: İlham veren çekimler, Rembrandt'ın şaşırtıcı derecede sıkı kompozisyonuna normal savaş zamanlarından daha çok benziyor. Bir bakıma basit ama zayıflığı, Ichikawa’nın aydınlatıcı fotoğrafçılığının ve sadık alçakgönüllülüğünün yarattığı kolektif etkiyi asla gölgede bırakmıyor.

42. Delilik Sayfası (1926)

Bu listedeki en eski parça, Bir Çılgınlık Sayfası yankılanan estetik sesiyle sessiz Japon sinemasının temelini oluşturuyor: Bugün bile endüstrilerinin en harikulade eserlerini ateşleyen çılgınlık ve kıllı yaratıcı kıvılcımları aydınlatan bir parça. Bir sığınma evinin portresinde, aşağıdaki gibi bir şeyin nüansı veya derinliği yoktur. Titucut Follies hatta insanlığı Guguk Kuşu'nun Üzerinden Bir Uçtu kurgusal bir biçimde - ancak bu 1926 dönüm noktasından gelen aşkın geçiş, Ozu, Mizoguchi, Yamanaka ve Shimizu gibi dramatik devlerin dışında Japon savaş öncesi sinemasının genişletilmiş bir takdiridir. Burada sahip olduğumuz şey, hala akan sinematik olarak meydan okuyan, üslup olarak kışkırtıcı ve kasıtlı olarak tehlikeli eserlerin nehri için bir kaynaktır ki, bu trajik sanatçıların bu kıkırdamasıyla daha da büyüleyici.

41. Gizli Kale (1959)

George Lucas’ın kötü şöhretli küçük franchise'ı Star Wars, The Hidden Fortress'in arkasında inşa edildi ve A New Hope her şeyi çalıyordu, ancak bu olağanüstü macera hikayesinden yola çıkıyor. Bu 'resmi olmayan yeniden yapım' ın cinayetten sıyrılıp Kurosawa’nın filmini devasa takipçilerinin ağırlığı altında ezdiğini görmek utanç verici çünkü Gizli Kale, Lucas’ın dizisinin iddia edebileceğinden çok daha değerli bir klasik film. Heyecan verici aksiyon, komik karakterizasyon ve Akira Kurosawa’nın en orta halli çabalarında bile geleneksel olan güçlü bir görsel yetenekle dolu. Tüm bunları aklımda tutarak, bunun için Star Wars'u kıskanmıyorum - sadece Kurosawa’nın muhteşem eserinin aynı nefeste tutulmasını diliyorum.

40. İnsanlık Durumu pt 2: Sonsuzluğa Giden Yol (1960)

Masakai Kobayashi’nin destansı üçlemesinin savaştan ısırılan parçası, Sonsuzluğa Giden Yol büyük bir Japon savaş zamanı destanı olarak hizmet ediyor Er Ryan'ı Kurtarmak Sam Fuller’ınki kadar tehlikeli değilse Büyük Kırmızı Olan ya da Çelik Kask . Dağınık etik takıntısını korur İnsanlık Durumu 1. Bölüm: Daha Büyük Sevgi Yok ancak içgüdüsel savaş deneyimi ve insanlık tarihinin ölümcül bir bölümünde yaşamları ve ölümleri ile vurgulanan karakterlerine ölçülü, tutarlı bir yaklaşımla bunun üzerine inşa etmeyi başarıyor. Her ilerleyen bölümde olduğu gibi, İnsanlık Durumu Adaşını gerçekleştirmeye gittikçe yaklaşıyor ve 2. bölüm bu amacın farkına varmazken - en azından deniyor. Zamanın çoğu filmi için söyleyebileceğimizden daha fazlasını.

39. Kahraman Araf (1970)

Anında anlaşılmaz, etkileyici ve görsel olarak kafa karıştırıcı: Kahraman Araf Yoshishige Yoshida’nın olağanüstü filmografisi için mükemmel bir astardır. Görkemli bir şekilde uzaylı estetiği çoğu zaman kafa karıştırıcıdır - her çekim mekânla olan ilişkimizi büker, her kesilmiş zaman, Alain Resnais'in çılgınca anılardan ilham alan anlatımından farklı değildir - ve dürüstçe Kahraman Araf özellikle hem takip etmesi hem de anlaması gerçekten zor. Parçalanmış hikaye anlatma tekniği, daha az açık olan izleyicilerin tamamen uyumlu bir anlatım deneyimi arzusunu daha da zorlaştırıyor - ancak Yoshida’nın çarpık dünyasında yatan tanımlanamaz zevkler, sıkı yapılandırılmış hikayeler yerine emsallerinin hakkını veriyor. Tarif etmek Kahraman Araf imkansız olurdu. Tamamen kendi imkansızlığı nedeniyle önermemek suç olur.

38. Cinayet Niyetleri (1964)

Shohei Imamura’nın kasvetli üçlüsü Domuzlar ve Savaş Gemileri, Cinayetin Niyetleri ve Pornograflar Kocasıyla aşağılayıcı bir ilişki ile tecavüzcüsüyle yaşadığı kötü ilişki arasında flört eden bir kadının içinde bulunduğu kötü durumu tehlikeli ayrıntılarla izleyen bir filmle tartışmasız doruk noktasına ulaştı. İkincisinin ilk karşılaşması ve onu doğrudan izleyen sahne, Imamura’nın dünyalarının ne kadar yüce çirkin olabileceğinin ve insan temasının çoğu kişinin karakterlerini aşırılıklara nasıl sürükleyebileceğinin güzel ve özlü örnekleridir; birçoğu kabul edilemez olarak itibarını sarsmaya çalışabilir. Gerçekte, Cinayetin Niyeti Zalimce ama dürüst bir baskı ve cinsel ifade yoluyla bazı hastalıklı özgürlükler, en iyi filmleriyle aynı durumda olan herhangi birimizin portresini en az o kadar doğru bir şekilde yansıtmayı başarır.

37. Suikast (1964)

Masahiro Shinoda’nın 1964’te iki kez gösterime girdiği yıl, tahmin edilebileceği gibi ülkenin şimdiye kadar yaptığı en iyi iki filmden ikisini gördü. Suikast . Ölçekte parlayan bir konfor örneği, Suikast Bu listedeki daha iyi filmlerin arasında sayılacak kadar basit hikayesinden yeterince yararlanan tematik olarak hırssız bir drama örüyor: 60'ların ortalarına ait herhangi bir film kadar muhteşem bir şekilde aydınlatılmış ve fotoğraflanmış, ahırlardan bekleyeceğiniz kadar kesin ve güçlü aksiyonla Shinoda. Hedefle ilgili çılgın söylentiler, öngörülemez anlaşılmazlık anlarında mest eden bir anlatı oluştururken, zihinsel durumun taklit edilmesinden daha az gösterildi - hem izleyiciyi hem de birkaç endişeli müstakbel grubu terk etmek için hızla gerçeklikten geçmişe geçiş muzaffer zaferin ve kesinlikle ölümcül yenilginin usturasının kenarında katiller.

36. Çıplak Ada (1960)

Kaneto Shindo’nun sessiz bir kır yaşamına dair stoik incelemesi olan Çıplak Ada, neredeyse hiç konuşulmamış diyalog içermiyor - hikayesini anlatmak ya da daha doğrusu duygularını yaratmak için odağı tamamen görüntülerine kaydırıyor. Shindo’nun film yapımcılığına yönelik ikonoklastik yaklaşımı, filmografisi boyunca bazı güzel yankı uyandıran resimlere yol açarken, Onibaba ve Kuroneko’nun görüntüleri, küçük görsel ilham ceplerinde anlatılarını geliştirirken - Çıplak Ada 96 dakikalık temel fotoğrafçılıktır. Bergman'ı utandıracak, bir ruh hali geliştirecek ve evrensel ve etkileyici bir şeye dönüşmesine izin verecek şekilde birlikte dokuyor. Kaneto’nun küçük adalı ailesinin her gün karşılaştığı huzur ve sıkıntı, neredeyse Béla Tarr’ın Torino Atı’nın tuhaf bir şekilde iyimser bir tersi gibi. O filmin ezici gücünden yoksun olan Shindo, bunun yerine insanın tahammülünün ve böyle bir çabanın verebileceği doğal güzelliğin ritüelistik bir kutlamasına dönüşüyor. Sevecen, aydınlatıcı ve inanılmaz derecede emici küçük bir deneyim.

35. Öldürecek Markalı (1967)

Yukarıda bahsedilen Sejiun Suzuki, 1966'larla stilistik zirvesine ulaşırsa Tokyo Drifter , yapımcıları tarafından öylesine küfredilen bir film, daha sıkı bütçeler için takip resimlerini lanetlediler ve renkli kullanma şansını yok ettiler. Öldürmek için Markalı onun yaratıcı zirvesi ve zorluklarla birlikte mükemmel bir sanat örneği olacaktı. Adamın heyecan verici başyapıtı, Öldürmek için Markalı Serserilerin lejyonları ve şimşek başının aşkıyla yoluna girerken daha da ölümcül bir suikastçıyı aydınlatmaya çalışan sözleşmeli bir katili izler. Cesaretini kaybetmeden sonsuza kadar keskinliği, geçici olarak daha dramatik bir hırslı bölgeye ulaşıyor ve anti-kahramanımızın sürüler halinde vurması için yüzü olmayan kötülerle dolu ortamları paketlemeyi başarıyor. Kill's Markalı stil, sonuç ne olursa olsun anlam aramaya devam ediyor, onu paketin geri kalanından ayıran şeydir.

34. Kıyamet Kılıcı (1966)

Aksiyon ustası Kihachi Okamoto’nun maalesef iptal edilmiş üçlemedeki şık pilotu The Sword of Doom, sinematik katarsinin en üst düzeyidir. Önde gelen efsane Tatsuya Nakadai'nin Toshiro Mifune ve isimsiz silahın ne kadar ölümcül olabileceğini göstermeye kararlı sonsuz bir serseri sürüsüyle karşı karşıya geldiği, ustalıkla hazırlanmış bir koreografisi şeytani kılıç oyunu. Onlar bıçağın önüne düşer, özellikle de filmin son derece pervasız çözülmemiş son sahnesinde ve hikaye anlatıcılığına olan bağlılığı ve karakter en iyi ihtimalle teğet olsa da, baştan sona atmosfer ve yönetmenlik cesareti onu sadece başka bir aksiyon filminden kurtarıyor. Acı, kanlı sona kadar görülmeye değer.

33. Hausu (1977)

Birinin tuhaf bir filmi ödeyebileceği kadar yüksek bir iltifat, tuhaf kalmasıdır. Birçoğumuz tuhaf bir şeye laf attı, çünkü inisiyatif almadık - sadece daha sonraki sinematik keşiflere kıyasla tuhaflığın soluk olduğunu varsayıyoruz. Filme giden yolumuz budur - tıpkı bu çok uzun soluklu bir ifade tarzıdır. Hausu tamamen zihinseldir. Bazen esinlenen, çoğu kez çılgına dönmüş ama her zaman çılgınca bir arka plan notu ile sürekli sinirleniyor ve sahip oldukları karpuzlarla dövüşen, katil piyanolar tarafından yenen ve eşiğini geçen her ruhu lanetlemeye meyilli bir hayalet kedi cehenneminden kaçan kız öğrencilerin sahneleriyle dolu. Temel olarak, Ju-On ama kendi kendine farkındalık ve baş döndürücü yaratıcılıkla, tüm yolu tek başına stilde gitmek için - arka plandaki mitos hikayesinden önce, baş döndürücü bir hünere mutlak bir bağlılıkla perili ev hikayelerini sık sık ortaya çıkarır. Ortaya çıkan deneyim, muhteşem bir eğlence fırınıdır.

32. Ikiru (1951)

Akira Kurosawa’nın çok beğenilen yaşlılık portresi, Ikiru Ozu’nun Kış yıllarında insanlar üzerine yaptığı çalışmalara paralel olarak sadık bir şekilde ilerliyor - Kurosawa’nın çok daha doğrudan ve yoğun çalışması için minimalist yönünü kaybediyor. Sonuç bir yumruk atıyor: Yalnızca görüntülerinin gücü ve onlara eşlik eden sesin sessizliği veya kabarması yoluyla kinetik geri bildirimle yalayan birkaç sahne. Bence Kurosawa’nın sesi, yaşlanmayla ilgili olağanüstü güçlü sinema kanonuna çok az katkıda bulunuyor ve genellikle Yabani çilek veya Albay Blimp'in Yaşamı ve Ölümü karşılaştırmalı sinemasal yakınlık eksikliğine rağmen - ancak bunların hiçbiri AK’nin buradaki çalışmalarının çarpıcı yankılanmasını azaltmıyor.

31. Kör Canavar (1969)

Duygusallığın ve fiziksel özün eşsiz bir keşfi, Kör Canavar Kör bir adam ile esir aldığı kadın arasındaki ilişkiyi, insan biçimli heykeller ile kaplı zahmetli bir şekilde tasarlanmış bir labirentin içine hapsolmuş, duvarlar gözlerle ve dudaklarla kaplıyken, zeminde gezilemeyen bir uzuv yumağıyla ağlanmış bir ilişki izliyor. Yönetmen Yasuzo Masumura şehvet ile özlem arasındaki ilişkiyi tutarlı bir başarısızlıktan çok daha iyi dışsallaştırmayı başarmış olsa da, gerçek gerçekçilik ve ilgi çekici öncül, gerçekten yoğun tematik zemine açılan pencereler değil. Nagisa Oshima sık sık kayıyor ve dilimliyor. Cinsellik üzerine daha düşünceli parçalar için, Yoshishige Yoshida önemli bir sanatçıdır - ancak Masumura'nın buradaki tamamen benzersiz vizyonunu inkar etmek, eksik içeriği ne olursa olsun suç olur. Bunun yerine, filmini muhteşem setler ve karakterleri saran ağrılı duygularla dolduruyor. Biçimsel bir cephede, Kör Canavar kesinlikle yükseliyor.

30. The Human Condition pt 3: A Soldier’s Prayer (1961)

Masakai Kobayashi’nin on saatlik üçlemesinin yıkıcı derecede güçlü sonucu, İnsanlık Durumu 3. Bölüm: Bir Askerin Duası Kobayashi'nin geliştirmekte olduğu her şeyin bir doruk noktası olarak hizmet ediyor, diğer parçalarda olduğu gibi eşit parçalar etkili ve abartılı. Dizinin kitabın gevşek uzunluğunun ya da yönetmeninin başka türlü güçlü biçimini ara sıra engelleyebilecek zorlanmış hümanizmin hiçbir zaman tam olarak üstesinden gelememesi utanç verici: Ancak, bu uyduruk anlar olmasaydı, harika bir şekilde gerçekleştirilmiş ezici bir koleksiyona asla sahip olamazdık. kendi başına bir şaheser yaratabilecek sahneler. Bir Askerin Duası öncekilerden daha hassas değil - ancak bu bir son duygusu, Kobayashi’nin çalışmasında yorgun bir şafak gibi asılı duruyor - yeni günü Japon film endüstrisinde yenilenen bir stokla almaya hevesli. Hem destansı sinemanın yükselen zaferi hem de daha da önemlisi, Kobayashi'ye sonraki on yıl için bol sanatsal özgürlük sağlayan şöhretin geçidindeki son adım. Sonuç, göreceğimiz gibi, birkaç saatlik pratikten daha fazlasına değer & hellip;

29. Çifte İntihar (1969)

Yaratıcı sürecin endişe verici derecede ürkütücü bir keşfi, Çifte İntihar iki kurşunun hayata geçmesi niyetiyle sahnelenen tahta bir kukla oyunu görüyor - sahnelemelerini ilerletmek için sahnelerde gezinen gölgeli figürler. Cephe çöktüğünde ve kabus gibi kuklacıları bir sonraki hareketlerini kesinleştirdiğinde hararetli bir şekilde korkutucu bir hikaye - genellikle masahiro Shinoda’nın değişen kamerasıyla birlikte korkunç bir şekilde bükülmüş bir alan duygusu oluşturmak için setleri değiştiriyorlar. Çok yönlü sanatsal aygıtının dışında, arsa Çifte İntihar nispeten gelenekseldir ve derin bir zemin bulamamaktadır - ama başarısını garantileyen belki de budur: Shinoda'nın kendi yaratıcı bloğunu dikkatlice incelemesi, meraklı şeytani eller vizyonunun kenarlarını daha kesin hale getirmek ve onu raydan çıkarmak için çekiştirir. tamamen niyetler. İster iç mücadelelerinin bir temsili, isterse de bir işgücü olsun, yönetmen koordine etmekte başarısız oluyor- iki katlı kibri Çifte İntihar Masahiro Shinoda’nın bir film yapımcısı olarak muazzam yeteneklerinin bir örneği olmaktan çok daha fazlasını ve ilk 50'yi hak eden bir sinema deneyimi için vasat masalı aşıyor.

28. Yüzük (1998)

Oysa biraz benzer Ju-On kendi boş sıkıntısının gerginliği altında boğulur, Ringular boşluk onun en ölümcül silahıdır. Yönetmen Hideo Nakata’nın akan sessizlik denizi, her geçen sahneyi kaplar ve istila eder, her gürültüyü, sahne ne kadar sıradan olursa olsun, adrenalinle titreşen korku dolu bir kişinin yüksek yoğunluğuyla vurgular. Ve telefonun çalan sesi gibi ilgili ses sayaçları, tavizsiz bir vahşetle sessizliğin içinden geçer. Kaçış yok Yüzük zihninizin herhangi bir köşesinde. Nerede koşarsanız koşun - oyuna girer girmez kaçınılmaz olanı uzatmış olursunuz. Sonuçta, kendi kaçınılmaz merakımızın onayladığı ölümden daha korkunç ne olabilir?

27. Kuroneko (1968)

Kaneto Shindo's Kuroneko Mutlak bir kabusun mükemmel şeytani bir vizyonu için bir araya dağılmış Korku filmi kompozitlerinin kabarcıklı bir serası gibi hissediyor. Yüzeyin altında kaynayan karmaşık ahlaki ikilem, Japon Korku medyasının en başından beri dayandığı durdurulamaz ruhlara yeni bir bakış atıyor - Shinoda’nın daha önceki sertliğinin üstesinden gelen içsel bir anlatı uyduruyor. Onibaba özel bir şey oluşturmak için. Öznelerinin sert öfkesine rağmen, gerçeklik ile uğursuz fantezi arasındaki boşluğu belirgin bir şefkatli gözle kapatan, baştan çıkarıcı bir şekilde çekilmiş, estetik açıdan ilgi çekici bir çalışma. Sadece kesin bir J-Horror filmi değil, aynı zamanda altmışların sonlarında bir dünya draması klasiği.

26. Ruhların Kaçışı (2001)

Tamamen rekabet edebilecek animasyon yolunda çok az şey var Ruhların Kaçışı en azından yaratıcı anlamda. Film, başroller kadar etkileyici bir şekilde hareket eden ve konuşan benzersiz tasarımların ve unutulmaz bir şekilde hazırlanmış karakterlerin çarpıcı deniziyle aşırı yüklü. Hayo Miyazaki'nin yaratmayı başardığı ayrıntılı evren, bana göre, karakteristik olarak tuhaf hikaye anlatımından ve eserinin hızından çok daha ağır basıyor - Akira başka bir eylemin değerli malzemesini kullanmak uğruna rastgele aralıklarla ilerleyerek ileri ve geri sıçradığı; kayıtsız tehlike olsa da Ruhların Kaçışı Kendini en azından biraz daha canlı yaratımlarına dalmamıza izin verir.

25. Asılarak Ölüm (1968)

Bu liste boyunca ünlü yönetmen Nagisa Oshima'ya ufak tefek yorumlar çektim ve böyle bir duruşun çocukluğunu anladım: Ama bunu yalnızca, bu gerçekten yetenekli film yapımcısının sık sık takıntılı bir şekilde aşırı cinselleştirilmiş sinematik çıktılar içinde boğulduğu için yapıyorum. Imamura’nın karşılaştırmalı olarak çatışan erken dönem çalışmaları, insan duygularına ilişkin temeldeki yorumunda etkilidir - ancak Oshima ile hayal gücüne çok az şey kalmıştır, arkasında hiçbir şey olmadığına inanmaya başladım, sinir bozucu bir şekilde beceriksiz çalışma. Yani, 1968’deki olağanüstü tuhaf Death by Hanging haricinde. Ölmeyi reddeden bir yöneticinin hikayesi olan Oshima, bir dizi sosyal sorunu, hükümetin başarısızlıklarını ve insan ifadelerini vurgulamak için kaba ama yine de algısal lensini kullanıyor - hepsi de kendine güvenen bir öz farkındalığa sahip sürekli komik bir saçma komediye sarılmış bir film yapımcısı Oshima'nın daha önce çok uzak göründüğü gibi kirli. Daha önce ya da o zamandan beri bu ilham verici atışı idam cezasıyla eşleştirmeyi başaramadı, ki bu utanç verici - ama en azından onu en az bir kez yükseldiğini görmeliyiz.

24. Geçmişten Bir Kaçak (1965)

Tomu Uchida ’s Geçmişten Bir Kaçak kısaca: Olağanüstü. Yeterince yetkin yönetmeninin hayatta kalan filmleri, Uchida'nın bir sanatçı olarak verdiği sözü yerine getirmek için tam olarak doğru hikayeye sahip olması nedeniyle, bir şişedeki bir tür şans eseri şimşekle konuşan, burada sergilenen eserle kıyaslanamaz. Geçmişten Bir Kaçak Şiddete ve kendi kendine neden olan kedere, birkaç filmin yapabileceği bir şekilde bakar - hem zamanın kumuna karşı ölçüm yapar hem de kahramanımıza ilahi intikam vermeye yaklaşan daha fazla karakter - hem lehine hem de aleyhine benzersiz bir şekilde meydan okuyan bir karakter İlk yıllarında Japonya'da kazıdığı kanlı şiddet yolundan kaçmaya çalışıyor. Onu buldum Geçmişten Bir Kaçak o kadar benzersiz bir şekilde güçlü ve hatta çözünürlüğü açısından muhtemelen derindir ki, elbette, onu mümkün olan en kısa sürede görmekten başka bir şey söylememeliyim.

23. Tuzak (1962)

Hiroshi Teshigahara’nın şaşırtıcı uzun metrajlı lansmanı, Tuzak türleri, yaşlı bir ustanın güveni ve hassaslığıyla harmanlıyor - daha önce sadece belgesellerle uğraşan bir yönetmen değil. Hikayesini tüm 97 dakika boyunca ilgi çekici tutmak için biraz mücadele ederken Tuzak teklifler, anlatı uygulamasıyla herhangi bir sorundan daha ağır basıyor. Katilleri, hayaletleri ve gerçeküstü görüntüleri karıştırarak gerçeklik algımızla oynamak- Tuzak çoğu karakter durdurulamaz saldırganı çaresizce savuşturmaya çalıştığı için çoğu zaman dehşet vericidir: Beyaz bir takım giymiş normal bir adam sustalı bıçağı savurur. Teshigahara’nın ürkütücü katilinin insanlığı, eserlerinin tek başına imajda yaptığı pek çok sosyal yorumdan ilki olarak hareket ediyor - eve bir noktayı itmek için asla zaman veya güvenilirlikten ödün vermiyor. Sol eğilimlerinden yoksun, Tuzak Korkunç bir sinema deneyimi olarak gücünü koruyor: En tekil anlara bile mizahtan dehşete kadar birbirinden özgürce dans eden geniş bir duygu yelpazesiyle en tekil anları bile enjekte ederken, Teshigahara'nın yönteminin netliği ve zanaatıyla konuşan birkaç şok edici sahneye sahip. bir kalp atışı. İlk çıkışları, ustalarının kariyer yolunun titizlikle farkında olmuştur.

22. Tokyo Alacakaranlığı (1957)

Yasujirō Ozu’nun son siyah beyaz filmi, Tokyo Twilight’s hem adamın tek renkli gezilerine bağlamsal bir ağıt hem de belki de en karanlık özelliği olarak ücretler. Ozu'nun 360 derece kuralından, karakterlerin arkasında oturmak yerine kayda değer bir şekilde kayması, somurtkan yüzlerinin yerini fazlasıyla boş, soğuk bir saçla değiştirmesi, karakteristik olarak içerdiği engelleme ve kompozisyondan çok daha kasvetli bir ilişki için ustaca bir sapmadır. kilit oyuncuların boyun eğmeyen durumu. Tokyo Alacakaranlık Zamanla parlaklığını kesinlikle yitirecek orantısız bir distopiden ziyade, evrensel olarak affetmeyen, nihayetinde kendi toplumumuzla acımasız duygusal paralellikleriyle etkileyen amaçsız bir sinema dünyası yaratmak için kalıcı gölgeleri ve çamurlu, kusurlu sahneleriyle Hollywood kara filminden ipuçları alıyor. Olağanüstü, son derece az perdelenmiş bir mücevher.

21. Eureka (2000)

Bu listedeki en uzun tek film olan S'ler Eureka uzun sürüyor ve ben onun olay örgüsünden herhangi birini ifşa etmenin affedilemez olacağını düşünüyorum. Son sinematik hafızadaki en zengin yıl için bile, Eureka hala 2000'in en iyi filmleri arasında yer alıyor - ve aslında bir bütün olarak on yılın: Ciddi, görsel olarak çarpıcı ve benzersiz bir & hellip; Japonca keder portresi. Ancak böyle bir ülkede, böylesine ağırbaşlılık ve melankoliyi etkileyen dokunsal bir mizah akışı, alçakgönüllülük ve istemeden hoş karşılanan absürdizm ile eşleştirilebilir - hepsi oldukça basit bir şekilde görülmesi gereken, insan duygularının kabarık bir dokusuna örülmüş. Hiçbir özet okumayın - Bakmayın - Sadece bakın Eureka .

20. İntikam Benim (1979)

Yönetmen Shohei Imamura, ahlaksız sinemanın üstün bir figürü. Karanlık, hasarlı karakterleri ve yüzleşmeye dayalı durumları, insan ruhunun yozlaşmasına karşı utanmaz bir hayranlık uyandırıyor. İntikam Benimdir, Ryūzūo Saki’nin gerçek hayattaki seri katil Akira Nishiguchi’ye ilişkin açıklamasını üzücü bir incelikle aktarır: Son derece şiddetli, sosyopat ve yine de şüphe götürmez bir şekilde gerçek bir insanı, ahlak dışı yıkım yuvasını örten tüm tuhaflıklarımızla sunar. Imamura'nın hızı akışla çelişiyor, ancak bu durumda hikayenin daha uzun bir çalışma süresi sağladığını ve sonunda böyle acımasız bir çalışma parçasına benzersiz bir metafizik çözüm sunduğunu görüyorum - rüzgar ve dünyanın kendisini son kararlarını verdiler.

19. Yojimbo (1961)

Aksiyon sineması dünyasında, topuklarımızda küçük çıtçıtlar tıpkı Yojimbo . Kurosawa’nın sevimli leitmotif kullanımı, karakterlerinin adımlarına bir bahar sokar ve herhangi bir Morricone skorunun yanı sıra destekleyici gerilimde de işe yarar. Keskin aksiyon sekansları, şapşal ses tasarımı ve kamuya açık seslerin takdir edilmesiyle bir şekilde köreltilir. Kıyamet Kılıcı ve Suikast hiç sorun yaşamaz - ama karşılığında verdiği şey, Red Harvest'ın temelinde sürekli olarak komik bir yaklaşımdır - Mifune, fiziksel kişilik ve zekâyla sızan klasik bir performans ortaya çıkarır ve tartışmasız en iyi düzleme olanın temel taşı olarak çalışır. şimdiye kadar yapılmış aksiyon filmi.

18. Seçmeler (1999)

Audition kendi tonunun hararetli bir şekilde hassas kontrolüne sahip bir film. Aksi takdirde isabetli ve ıskalayan Takashi Miike, adını, yeni ufuklar açan klasiklere hayat veren üretken ve ara sıra verimli bir kariyerin arkasından yaptı. Ziyaretçi Q ve Gozu - ama yönetmenlik tarzı hakkında çok az şey, bir şeyi cüretkar bir şekilde çarpıtmak için gereken güven ve keskin beceriyi dışa doğru aktarır Audition . Çevresindeki herhangi bir çalışmadan çok daha olgun olan Miike’nin yapıtları, acımasız ve verimli bir şekilde basit bir önermeyi araştırıyor: Her hassas anı, korkunç derecede yanlış giden bir şeyin usturası gibi her sahneyi bir usturanın kenarına yerleştiren tatlı bir acımasız palet ve ürkütücü bir hız ile lekelemek. Audition tür film yapımı ile sonsuz hayranlık uyandıran Japon konforunun büyüleyici bir zirvesini temsil ediyor: Kristal berraklığındaki gizemini aşkın bir şekilde şok edici bir etkiye çözmek. Görmek inanmaktır.

17. Ran (1985)

Kurosawa’nın en ünlü Shakespeare uyarlaması - eğer zihnimdeki bir tanesi ilhamına çok fazla yer veriyorsa. Kral Lear, kusursuz bir yazı parçasıdır - ancak ekranda, ilk 85 dakika olan sersemletici hissi yeniden yakalayamayan halsiz bir eziyete kalıyor. Başlangıçtan, akıl almaz derecede derin kuşatma dizisine ... Koştu bir başyapıt: Kurosawa'nın etkileyici yapıtlarından daha fazlası ve İlk 10 için şüphesiz bir ayakkabı içinde eşi benzeri olmayan bir sinema sanatı parçası. Ancak bu ustalıkla ele alınan birikim ve getirinin ardından Kurosawa, Kral Lear'ın hikayesini sızan bir şekilde devam ettiriyor sıkıcı bir şekilde- mükemmel şekilde oynanan kötü adam Lady Kaede'nin çabalarına rağmen kayıtsız ve dümdüz. Gerçekten utanç verici Koştu Zihnimde bu kadar çok potansiyeli sadakatle israf ediyor - ama en azından ilk yarının akkor alevi ilk 20'deki yerini sağlamlaştıracak kadar parlak yanıyor.

16. Prenses Mononoke (1997)

Hayo Miyazaki’nin karanlık fantastik cazibesi hiç bu kadar karmaşık olmamıştı. Bir mesajı olan herhangi bir film, genellikle bunu karmaşık bir şekilde iletemez ve Orson Welles'in çok uygun bir şekilde ifade ettiği gibi: 'Bir iğnenin başına yazılabilir'. Künt ve apaçık mesajı Prenses Mononoke ancak, kalpte zihinde olduğundan biraz daha doğru çınlıyor. Miyazaki’nin insanlarla canavarlar arasında dikkatlice kurgulanmış ayrımı, kadim insanların dünyamızı nasıl gördükleriyle ve medeniyetlerinin kaçınılmaz çöküşünün bir gün nasıl bizimkileri yansıtabileceğiyle büyüleyici bir karşılaştırmaya yol açar. Karakterlerinin mistik ve mistisizmi, izin veren özüdür. Mononoke geleneksel olarak belirsiz mesaj filmi tuzaklarını aşmak - her yerde mevcut olan geçiş çizgisini tek kelime etmeden kaydırmak, her eylem ona ağırlık kazandırmak ve bunu yaparken perdedeki şeyin sinematik etkisini güçlendirmek. Burada sergilenen karşılıklı ilişki, Hayo Miyazaki’nin bir film yapımcısı olarak engin yeteneklerinden ve eserinin göz kamaştırıcı yaratıcılıktan fazlası olduğunu anlatıyor.

15. Bir Sonbahar Öğleden Sonra (1962)

Sanırım yorum yapmam için Bir Sonbahar Öğleden Sonra , nefesimi boşa harcamak olurdu, Ozu'nun on yıldan uzun bir süre önce yaptığı ve burada son filmi olarak yeniden yarattığı filmi inceleyerek geçirmiştim. Bir Sonbahar Öğleden Sonra aynı zarafet, incelikli ve melankoli - ilk filmde ortaya konan birkaç kavramı geliştirmeyi ve onları genişletmeyi başarıyor. Diğer fikirlere odaklanmak için orijinalin bazı öğelerinden uzaklaşır ve büyük bir sanatçının aynı kalıpta benzer derinlikleri doldurması için nadir bir fırsat sunar. Ozu, tüm kariyerini çok benzer filmler yaparak geçirecek, ancak her seferinde yeni insan etkileşimi alanlarını araştırarak - şimdiye kadar yapılmış en iyi filmlerden bazılarını üreterek geçirecekti. Sonrasında böylesine saygıdeğer bir miras bırakan adam, koşusunu istediği gibi bitirebilirdi. Bir Sonbahar Öğleden Sonra ışıltılı eserlerine mükemmel bir yakınlık.

14. Kan Tahtı (1957)

Varsa ustaca bir uyarlama , Kan Tahtı Shakespeare'in benzersiz Macbeth'ini alıyor ve kendi başına duran sanatsal bir metin oluşturuyor. Toshiro Mifune’un ölümcül deliliğe kontrollü, yıkıcı bir şekilde insani inişi, insanın en iyi rollerinden biri olmaya devam ediyor ve Kurosawa, filmine, ikonoklastik pratikle ilişkisi kesilmiş bir yönetmenle neredeyse yersiz olan olağanüstü görüntülerle yer imi koyuyor. Yine de bu, Kan Tahtı bu onu çok büyük yapar. Çok sürükleyici ve doğaüstü. İklimsel saldırı, şimdiye kadar filme alınan en iyi karakter sonuçlarından birini görüyor ve onu bir şekilde ana oyununun heybetli gölgesinden tamamen kaçan bir sanat eseri olarak somutlaştırıyor.

13. Tokyo Hikayesi (1953)

1950'lerin dönüm noktalarından bahsetmişken, bir film yapımcısı olarak özlemlerinizi kesin bir şekilde yürüten çok az film var. Tokyo Hikayesi . Yasujirō Ozu’nun kusursuz filmografisinin parıldayan zirvesi, her zaman en iyi haliyle, delici, samimi efektler elde etmek için rahatsız edici derecede basit bir sinema dili kullanan bir film. Seyirci karakterlerle oturdu - sessizce bir aileye röntgenciler, yavaş yavaş aşağılanan eski nesli hayatlarından uzaklaştırıyor. Ozu, tüm karakterlerine bir sese izin verir, zarif ve etkileyici vahiy anları oluşturur ve kamerasını tam 136 dakika boyunca yalnızca bir kez hareket ettirir. Nesnel bir 'en iyi' ve hatta 'harika' film yoktur, ancak bu tür sitelere dayanarak ne izleyeceğini seçenler için şunu eklemeliyim ki Tokyo Hikayesi İnanılmaz bir ortalama 9,7 puan ile Rotten Tomatoes'da en yüksek puan alan çalışma. Yaşama ve yaşa sabırlı, refleks bakışın birçok kişiye ölçülemez biçimde dokunduğunu söylemek yeterli ve bu listeyi okuyan herkesin listeyi kendileri için denemesini garanti ediyor.

12. Ovadaki Yangınlar (1959)

Savaş sonrası Japon sinemasının tartışmasız en ilgi çekici hümanist figürü olan Kon Ichikawa'dan, Ovadaki Yangınlar İkinci Dünya Savaşı'nın sıcağında kaybedilen bir savaşın ortasında kaybolan bir adamın hikayesini anlatıyor. Yalnızlığıyla cesur bir film - hayatın olmadığı boş bir manzarada savaş zamanı durumlarını ve dehşet boşluğuyla dolu, her köşesinde yıpranmış kahramanımıza eşlik edecek ya da onu yok edecek başka bir Odyssean figürü taşıyor. Ve, Homeros'un destansı şiirinde olduğu gibi, Ichikawa'nın büyük resmi kavrayışı, kahramanımızın ön saflardan uzaktaki generaller tarafından hareket ettirilen ve motive edilen bir bulmaca parçası olduğu yoğun duygusal bir dünya yaratır. Kendi izolasyonuyla kokan, evi özleyen ve hayatta kalma dehşetiyle ahlaksız eylemlere sürüklenen bir film. 1950'lerde endüstrinin tuhaf ama yine de hayati bir figürünün ustaca çalışması.

11. Samuray İsyanı (1967)

Masakai Kobayashi’nin dramının önemli bir gücü, neredeyse bir hata olarak kaynamasına izin vermesidir. Titiz kompozisyonları ve kusursuz zamanlanmış eylemleri, merkezi çatışmanın etrafında daha sıkı ve sıkı bir şekilde dolanıyor - geriye kalan her şey, karakterlerinin her zaman mevcut olan ahlak ideallerinin altında yatan bir varlık olan harekete geçme zorunluluğuna kadar nefes alma odasının her santimini kurutuyor. İçinde Samuray İsyanı Oyuncunun kendisi başlığı okurken bile elinizin altındadır, ancak adam her ikinci izleyici için üzerinde oynar - ilk kılıca doğru küçük sarsıntılarla, nihayetinde acımasızlıkla devam eden acı, acımasız ve nihayetinde kanlı bir ilişkide çözülmeden önce. titiz Kobayashi çok iyi işliyor: Hem karakterlerinin durumunun son kaçınılmazlığını inşa etme hem de yolun her adımında onlarla empati kurma konusunda eşsiz bir yetenek. Samuray İsyanı'nda, bu seçici hümanizmin anımsatıcı doruklarına ulaştığı ve Japonya'nın En Büyük sanatçılarından birinin kariyer zirvesi ile evlendiği yer Samuray İsyanıdır.

10. Eros + Katliamı (1969)

Psikoseksüellikle eşanlamlı tüm New Wave yönetmenlerinden hiçbiri, Yoshishige Yoshida’nın şeytani yaratıcılığının heyecan verici bir şekilde garantilenmiş labirentiyle eşleşmedi. Aksine, Oshima ve Imamura aynı konularda, biri diğerinden daha inandırıcı bir şekilde, sadece Kiju'nun varoluşsal tefekkürlerinin temelini böylesine şaşırtıcı derecede sinematik bir cesaretle delmeyi başarır. Psikoseksüel anlatının bu büyüleyici ustalığı ve onun ortaya çıkardığı estetiğin Eros + Katliamı , Yoshida’nın 215 dakikalık Avangart hikâyesi, anlaşılmaz bir görme, ses ve hissedilebilir dokunuş coşkusu ...

9. Komşum Totoro (1988)

Çocukluğun büyüsüyle ışıldayan Komşum Totoro, sınırsız derecede eğlenceli bir film. Sonunda 18 yaşında keşfettim ama inanılmaz güzelliği ve merak kapasitesi beni bir kez daha genç bir zihne davet etti - ya da belki daha az alaycı bir zihne. İnsan deneyiminin çoğu zaman ağır yükü, bizi ya kaçış talep etmekte ya da devam eden gerçekçilik arzulamakta bırakmaktadır, ancak Totoro bunu belki de şimdiye kadar yapılmış diğer herhangi bir animasyon filminin üzerine çıkaran şey, izleyicisinin arzularını tamamen görmezden gelmek ve bunun yerine gelmenize izin veren bir hikaye sunmaktır. yemyeşil görsel tasarımı, zıplayan karakterleri ve doğanın gizli hazinelerinin yanı sıra keşifleriyle cezbedici. Totoro, bir zamanlar olduğumuz çocuğa hitap etmektense, gezegenimizin daha derin gizemine yatırılan daha geniş bir macera ve umut duygusundan yararlanmasına izin veriyor. Böyle bir inancın ödülü, Japanimation'ın parıldayan bir elmasıdır: Aydınlık, evrensel olarak hareket eden ve kesinlikle mükemmel.

8. Başkasının Yüzü (1966)

Karanlık fantezinin sessizce eğitilmiş artı çizgileri aracılığıyla modern yaşamın ürkütücü, çığır açan bir teşhisi olan Face of Another, mucizevi yeni yüzü eski kişiliğini alt etmeye başladıktan sonra şekli bozulmuş bir adamın deneyimini araştırıyor. Teshigahara'nın eseri, iskelet parmaklarıyla sessizce pençelerken her zaman kol mesafesinde görünecek kadar nüanslıdır ve 1966 şaheseri, gerçek doğasını ortaya çıkarmaya en yakın olanıdır: Yönetmenin uğursuz kompozisyonlarını ve keskin korku görüntülerini doğrudan metropolün içine getirmek ve kente bakmak Travis Bickle'ı on yıl sonra Taxi Driver'da hayata geçiren aynı bağımsız vizyona sahip uçurum. Aynı yıl içinde Persona'ya rakip olmak ve Seconds'u tutulması için bir parça, zorlu arzu, kişilik ve kimlik provokasyonu için - Bir Başkasının Yüzü hayati bir sinemadır: Teshigahara'nın yönteminin yükselen zaferi ve kendi kusursuzluğuna çok sıkı sarılmış eser fikirler ve atmosfer, sırlarını daha fazla ifşa etmek suç olur. Kendin için gör…

7. Rashomon (1950)

Dünya sinemasına kişisel kapılarından biri olan Akira Kurosawa’nın Rashomon sinematik kültürün o kadar ayrılmaz bir parçası haline geldi ki, karakterlerin taşıdığı psikolojik etkiyi tanımlamak için dile getirildi: Her biri korkunç bir tecavüz / cinayet vakasına çelişkili tanıklık ediyor. Kurosawa’nın canlılığı tam ekran. Doğrudan güneşe ateş etmek ve onu bir bitki örtüsünün arasından örtmek gibi kamera tekniklerine öncülük ediyor, böylece ormandaki her sahne mahkemedeki muadili kadar soyutlanmıştı. Silahsızlandırıcı basitliği Rashomon’un karşı konulamaz olay örgüsü, insan gerçeği, ahlakı ve Kurosawa’nın ünlü öfkeli kılıç ustalığını içeren zengin bir sinema deneyimi üzerine yorumlar için yer açıyor. Rashomon'u çevreleyen diyaloğa, zamanının onlarca yıl öncesini hissetmeye devam etmesi dışında eklenecek çok az şey var. 1950'de bu yolu göreceğiniz duygusu ancak hayal edilebilir.

6. Harakiri (1962)

Harakiri yaklaşık olarak filmler kadar güçlü. Yönetmen Masakai Kobayashi, tahmin edilebileceği gibi bir çekimi etkilemekle başlayarak, tüm zamanların evrensel olarak en çok övülen filmlerinden biri olmaya devam eden bir fenomeni işliyor: İlk yaptığıma rağmen, kullanıcı sitelerinin büyük çoğunluğunda en mükemmel puan alan filmler arasında yer almak temyizin azaldığı varsayıldı. Bu titizlikle sabırlı, sapkın bir şekilde ilham veren Japon şeref yasasına yönelik bir keşif - Kobayashi'nin sadece bir taşralı olarak değil, aynı zamanda bir insan olarak yaklaştığı 1962 savaş sonrası döneminde hala yüzünü buruşturan bir yara. Her damla kan döküldü Harakiri sanatçının ölüm ve şiddete karşı acı veren nefretine sesleniyor: Sanki böylesi bir vahşeti perdeye taşımak ona acı veriyor. Bugünün dünyasında, böylesine sadık bir insan yönü görülmesi tanrısaldır ve filmin sonuçlanması için bir kilit taşı görevi görür. Dahil olan herkesin bağlılığı olmadan, Harakiri Sıkı bir şekilde hazırlanmış ama başka türlü alçakgönüllü başka bir aldatmaca dram olarak unutulmuş olurdu. Harakiri bugün burada oturuyor çünkü Masakai Kobayashi hayal edebileceğinizden daha fazla önemsiyor ve bence, kendi keskin, keyifli zarafetiyle onu 1960'ların en büyük filmlerinin arasına yerleştiriyor.

5. Yedi Samuray (1954)

Japonya'dan gelmiş geçmiş en beğenilen film olan Seven Samurai, ortama silinmez bir iz bıraktı ve bugünün aksiyon sinemasında köklerini koruyor. Kurosawa’nın yağmurla ıslanan çoklu kameralı doruk noktası, Ran’ın kale kuşatmasının kehanet derinliğini tam olarak gölgede bırakmıyor, ancak çağdaş editörler etkisini fark etmekte başarısız olsalar bile, aksiyon sekanslarını bir araya getirme şeklimizi bilgilendirmeye devam ediyor. Kalıcı kültürel gücünün çok üstünde, Seven Samurai’nin ikna edici karakterizasyonu yatıyor: Kurosawa’nın titiz yönteminin Feodal Japonya vizyonunu olabildiğince çekici kılmak için en küçük parçaya bile genişlemesiyle muazzam bir şekilde desteklenen zengin figürlerden oluşan bir dünya yaratmak. Özünde ustaca hazırlanmış bu ustaca aksiyon ve ışık saçan hikaye anlatım potası, bizi etkileyen, heyecanlandıran ve nihayetinde gördüğüm kadar cesur ve güçlü bir filmle son bulan ufuk açıcı bir sinema parçasıyla sonuçlanıyor. Uluslararası sinemanın panteonunda hak edilmiş bir elyaf.

4. Soluk Çiçek (1964)

Büyük Japon filmlerinin listesine dağılmış sadece iki kelime olmasaydı, Masahiro Shinoda adı bu listenin üç metre yakınına girmezdi. Ağlayan bir utanç kaynağı olan büyük Japon sinemasına yaptığı katkıları göz önünde bulundurarak ve böyle bir şaheserin araştırmayla neredeyse kaçtığını düşünmek, dışarıda kaç tane filmin yeniden keşfedilmek için yalvardığına dair bir şeyler söylemek. Criterion Collection tarafından piyasaya sürüldüğünde övgü aldı ve sessizce yayınlandı, Soluk çiçek Tüm Zamanların En Büyük Suç Filmlerinden biridir. Sadece bir kumarbazın ve onun yeni keşfettiği aşkının umutsuzluktan beslenen bir bozulma ve sevgisizlik sarmalına düştüğünü izlemek - Japon Yeni Dalgası'nın dudaklarından kaçmak için en cesurca karanlık, vizyoner eserlerden biri olmaya devam ediyor: birini yakınına çerçeveleyin ve bu, Ozu veya Kurosawa'nın daha az aşırılıktaki herhangi bir eseri kadar aşkın bir sinema efekti sağlar. Shinoda, en azından genel halk tarafından asla en iyilerden biri olarak gösterilmeyecek - ama en azından insanların, bu mükemmel suçlu potasından onun sinemasını keşfetmeye yönlendirileceğini umuyorum: Ham ve zincirlenmemiş bir iş. aşırı karşı kültürün aşırı uyarılmış dalgalanmaları ve aynı zamanda şimdiye kadar gördüğüm herhangi bir film kadar son derece hassas ve kontrollü. Titiz, mucizevi ve ölçüsüzce küçümseyen. Düzelt bunu.

3. Kumullardaki Kadın (1964)

Kiju Yoshida ve onun Eros + Katliamı yüksek sanat psikoseksüelliğinin şampiyonudur - o zaman Hiroshi Teshigahara’nın Kumullardaki Kadın karşılaştırıldığında efsanevi. Uzun süredir birlikte çalıştığı Kōbō Abe’nin ünlü kaynak romanından aktarılan Teshigahara’nın neredeyse kötü niyetli yöntemi, burada hem en küstahça hem de işkenceyle şefkatlidir. Bastırılmış insanlığın loş ışıkları, iki sıkıntılı kahramanı çevreleyen değişen kumların arasından parıldıyor - küskün bir hayatta kalma uğruna en temel varlık durumuna zorlanan insanlar. Gerçekten de Kumullardaki Kadın , Dayanıklılık dır-dir teslim. Hiçbir şey kutsal değildir. Kahramanlarımızı cehennem çukurlarına mahkum eden neredeyse her yerde bulunmayan köylülerin zalim gözlerinden hiçbir yer güvende değil. Kusursuz bir şekilde Hiroshi Teshigahara tarafından sinematik olarak uygulanan ve efsanevi besteci Toru Takemitsu’nun en etkili müziği olduğunu iddia ettiğim şeyi üreten mükemmel bir konsept. De Niro, Scorsese ve Schrader ile aynı damarda kendine güvenen üç sanatçıyı bir araya getiriyor. Taksi sürücüsü - Kumullardaki Kadın kendine ait, eşit parçaları insan ve kaçınılmaz olarak dehşet verici bir canavar. Korkunç, temel bir sanat eseri.

2. Geç Bahar (1949)

Geç bahar modern monotonluğun ifşasıdır: Bu yer ve zamanın şeytan çıkarması sadece kilit altında tutulmayı değil, aynı zamanda sanki yokmuş gibi gizlenmeyi gerektirir. Bu dehşeti ifade etme arzusu hiçbir zaman tam anlamıyla çözülmezken, her gözün köşesinde, her satırın sözlerinin arasında ve çoğu zaman her odanın ortasında sessizce vızıldayarak tespit edebiliriz. Ve böylece dişlek gülümsemeler ve yumuşak melodilerle yüzeysel olarak doymuş bir dünya için- Ozu'nun Geç bahar aynı zamanda mutlak bir umutsuzluk atmosferi barındırıyor: Kabul edilmeyeceğimiz korkusu - her ifadenin yenilgiye yol açabileceği ve bu yüzden bir şans denemek ve yolların ortasında durmak yerine rotayı geri alınamaz olarak adlandırmalıyız. Çatışan nesillerin geri dönen mihenk taşı, Geç İlkbahar drama dikkatle ele alındı ​​ama bence burada, diğer çalışmalarından (veya belki de çevredeki onyıllar boyunca ürettiği herhangi bir filmden) çok daha fazlası: Ozu mükemmel bir son bulmayı başardı. Temalarınızın ve karakterinizin duygularının net bir şekilde özetlenmesine ulaşmak kolay bir başarı değil, daha da önemlisi burada doğmuş gibi tekil bir şekilde paramparça olan bir an bulmak ve bu nedenle herkese dramatik yazı, yönetmenlik, yapım ya da sadece sinematik ilgi çubukları Geç bahar izleme listelerinin en üstünde. Güven bana: Seni yere serecek.

1. Yüksek ve Düşük (1963)

Yüksek ve Düşük, doğası gereği imkansız bir sinema girişimidir. Öyle çelişkili bir çekirdeğe sahip olması zor bir öğenin ardından uzanır ve bulunacak hiçbir şey yokmuş gibi görünür. Yüzeyde, Seven Samurai'nin nüanslı ama yine de ezici gücünün yanı sıra, Geç Bahar'ın sonunda utanç verici sessizlikte öfkelenen yavaş yanan cehennemden yoksundur. Gerçekte, High & Low her ikisini de harmanlıyor: Sıradan insanların arasında daha fazla hastalığa, ahlaksızlığa ve bağımlılığa düşme korkusuyla, her sokak köşesinin ardındaki sonsuzca sızan bu sızıntının etrafında daha fazla açgözlülük, kıskançlık ve acımasız ahlaksızlıktan öylesine geçici bir şekilde yürümek. Bu, insanlık durumunda gördüklerinden korkan bir film, Kurosawa'yı beyaz perdeye koymaya çok acıyan bir şey - ve onun saygıdeğer önemini güvence altına alan, yaratıcı kendini bastırmanın dalgalanan akımıdır. High & Low, tüm kalplerimizde gizlenen son derece umutsuz, sıradan zulmü, ruhsuz self-servis doygunluğundaki tüm dünyanın ne kadar çirkin ve ezici olduğunu karşılama cüretine sahiptir. Belki de, nihayetinde dönüp fark ettiğimizde, bu süreçte daha iyi insanlar oluruz. Açıklanamaz olanın varlığını kabul ettiğiniz sürece korkmanın iyi olduğunu anlayabilir. Geri ödenemez. Sonunda bulabileceğiniz tek teselli affetmektir. Bu listedeki herhangi bir filmi izlemek için yolunuzdan çekilecekseniz: Bunu yapın.