Tüm Zamanların En İyi 100 Filmi

Ünlü Şili-Fransız film yönetmeni, şair, oyun yazarı ve müzik bestecisi Alejandro Jodorowsky Prullansky bir keresinde şöyle demişti: 'Her zaman, tüm sanatlar arasında sinemanın en eksiksiz sanat olduğunu düşünmüşümdür.' Katılıyorum. Birden fazla yönden, sinema aslında diğer tüm önemli sanat biçimlerinin bir birleşimidir: resim, yazı ve müzik. Sinemanın aynı zamanda en modern sanat biçimi olması tesadüf olamaz. Ne de olsa sinemanın ortaya çıkması için diğer sanat formlarının evrimi gerekliydi. Neredeyse ortaya çıktığı andan itibaren en popüler sanat formu olmaya devam etmesi, size hem gücünü hem de zayıflığını anlatıyor: Kolay erişilebilir ve bu nedenle daha ticarileştirilebilir.

Bunu aklımda tutarak, The Cinemaholic’ın listesini size sunmaktan heyecan duyuyorum. Tüm Zamanların En İyi 100 Filmi . Şimdiye kadar yapılmış en iyi 100 film listemizi keşfetmeye başlamadan önce, doğaları gereği listelerin asla mükemmel olmadığını kendimize bir kez daha hatırlatalım. Bu nedenle, bunun dünyadaki mutlak en iyi filmler listesinin Kutsal Kase olduğunu iddia etmiyoruz. Ama sizi temin ederim ki, bu listeyi bir araya getirmenin arkasında pek çok araştırma yapıldı. Binlerce film başlığı değerlendirildi ve her son seçim tartışıldı. Eminim, en sevdiğiniz filmlerin çoğunu listede eksik bulacaksınız. Benim favorilerimin çoğu da kayıp! Ancak bu konuda hayal kırıklığına uğramak yerine, görmediğiniz filmleri görmek için bu fırsatı değerlendirin. Kim bilir, sonunda yeni favorilerinizi keşfedebilirsiniz!

100. Cherbourg Şemsiyeleri (1964)

Jacques Demy, romantik operasını biraz yenilikçi olarak ortaya çıkan yumuşak, sıra dışı bir incelikle renklendiriyor. Ancak bu renk sadece duvardaki, giysideki ve şemsiyedeki renk değil. Ayrıca sevgilisini selamlamak için karşıdan karşıya geçerken inanılmaz derecede aşık genç bir kızın yanaklarında ve o yüzü duvak içinde gördüğümüzde, genç kızın şimdi başka birinin gelini olduğunu görüyoruz. Ayrıca insanların konuşma biçiminde veya daha doğrusu birbirlerine şarkı söyleme biçiminde renkler de vardır. Ancak lirik sohbetleri çoğu şarkıda olduğu gibi kafiyeli değil. Aşk mesleklerinden parayla ilgili endişelere kadar her şey ayırt edilemez bir tutku ile bağlandığında, kafiye ya da sebep için balık tutmaya gitmek size pek iyi gelmez. Michel Legrand’ın doğaüstü müziğiyle desteklenen film ve tüm melodik ifşaatları yürek parçalayıcı romantik olsa da, hayattaki her şey gibi karakterlerimizin aldığı tüm kararlar kesinlikle öyle değil.

Çok sıkıcı bir şekilde tanınan, sayısız pop şarkısının ve pembe dizilerin temeli olduğunu gören bir olay örgüsüne göre, melankoli ile patlayan 'Çerbourg Şemsiyeleri' nin her karesi çekici bir şekilde taze, hatta alışılmadık. Bunu, duyguların ne kadar gerçek olduğuna ve ifadelerinin ne kadar samimi olduğuna bağlayabilirsiniz. Olduğu kadar mütevazı bir ölçekte çalışan 'Şemsiyeler' sizi en küçük yansımalarla mahvediyor. Bir zamanlar iki sevgili tarafından doldurulan iki boş sandalyenin etkisinin ne kadar önemli olabileceğine şaşırmıştım. Demy'nin sevgiyle yapılan inceliklerinde, kurdeleler ve konfeti ile dolu karnavallarda yürüyoruz, Noel ağaçlarını süslüyor ve birbirimize hediyeler veriyoruz, tüm duygularımızı kalbimizin bir köşesine sıkıştırıyoruz, çünkü birinin yokluğu ne kadar zor olursa olsun ya da geçmiş unutmaktır, yapabileceğimiz tek şey bugünün fantezisinde yaşamaktır.

99. Trainspotting (1996)

Bizim gibi sinemaseverleri 'Trainspotting' in fanatizmi hakkında açıklamak biraz zor. Uyuşturucu gerçekliğinin yeni yeni ortaya çıkmaya başladığı bir zamanda geldi. Uyuşturucu bağımlılığını büyülediği ve bir dereceye kadar doğru olduğu söylenebilir. Bundan çıkan gerçek, Danny Boyle’un uyuşturucu kullanımının en yüksek ve en düşük seviyelerini taraf tutmadan gösterme çabasıydı. 'Trainspotting', dört arkadaşın ve onların bağımlılıkla buluşmalarının hikayesini anlatan kült bir film. Çirkin ve tuhaf, onu tanımlayan tek iki kelime. Temiz gitmek isteyen, ancak her adımda en derin yükselme dürtüsü nedeniyle bocalayan bir uyuşturucu bağımlısı. Cömertçe mizahla aşırı dozlanan film, bir gerçeğin altını son derece ciddiyetle vurgulamaya çalışıyor: Hayatın sunduğu lükse rağmen, genç onları büyük bir güvenle reddediyor. Ve nedenleri? Sebep yok. 'Eroin varken kimin nedenlere ihtiyacı var?'

98. Mezun (1967)

Ah, gençlik günleri! Kaygısız ve neşeli. Endişelenecek hiçbir şey olmadan eğlence. Geride bırakılan geçmişe hiç ilgi yok ve henüz gelmemiş olan gelecek için endişelenmenize gerek yok. Benjamin Braddock, üniversiteden mezun olduktan sonra bu kaygısız hayatı yönetti. Ve nihayet memleketine döndüğünde, orada Bayan Robinson ile tanıştı. Bir ilişkinin alevi yanmaya başlar. Genç Ben, arkadaşlık sanarak seks yapmayı hatalarken hayat sinsi bir hal alır. Kızına aşık olduğunda her şey altüst olur. Bir komedi kılığına bürünmüş, düşündürücü bir film olan 'The Graduate', gelmiş geçmiş en komik filmlerden biridir. Dustin Hoffman'ın oynadığı filmde ikonik çizgi öne çıkıyor: 'Bayan Robinson, beni baştan çıkarmaya mı çalışıyorsunuz?'

97. Veronique'nin İkili Yaşamı (1991)

Belki de başka hiçbir film yapımcısı kadınları Krzysztof Kieslowski'nin yaptığı kadar derin duygusal derinliklere kadar anlamadı. Adam onları sevdi ve onu o kadar tutkulu ve samimiyetle sergiledi ki, onun ham duygusal gücüne yardımcı olamazsınız ama ona hayranlık duyarsınız. 'Veronique'nin İkili Yaşamı', en büyük sanatsal başarısı olabilir. Film, yalnız olmadığını ve dünyanın herhangi bir yerinde farklı bir ruhta yaşayan bir parçasının olduğunu hissetmeye başlayan bir kadın hakkındadır. Veronique ve Weronika, birbirini tanımayan ancak aralarında gizemli derecede yakın duygusal bir bağ paylaşan iki özdeş kadın. Slawomir Idziak’ın son derece stilize edilmiş sinematografisi, filmi sizi saran ve vazgeçemeyen şefkatli melankolik bir hisle resmediyor. Kelimelere dökmekte gerçekten zorlandığımız hisler ve duygular var ve film o açıklanamayan dalgın üzüntü ve yalnızlık duygularına hayat veriyor. 'Veronique'nin İkili Yaşamı', insan ruhunu tüm güzel zarafetleri ve şefkatiyle tasvir eden çarpıcı bir sanat eseridir.

96. Sinema Paradiso (1988)

Pek çok insan sinemayı bir hoşgörü, bir boş zaman etkinliği, yaşamda hiçbir sonucu olmayan bir eğlence olarak görür. Ama ben, ateşli bir sinemaseverler ordusuyla beni hararetle destekleyeceğim, sinemanın yaşam için olduğu kadar sinema için de gerekli olduğuna kesin bir inanca sahip olabilirim. Ve 'Cinema Paradiso', ironik de olsa, anlatmak için güzel bir yol. Başarılı film yönetmeni Salvatore, bir gün Alfredo'nun öldüğü haberini almak için eve döner ve bunun üzerine 1950'lerin Sicilya'sındaki memleketine döner. Genç ve yaramaz Salvatore (Toto lakaplı), Alfredo'nun bir makinist olduğu köy sinema evi Cinema Paradiso'ya onu çeken, filmlere duyduğu kalıcı sevgiyi keşfeder. Çocuğu sevdikten sonra, Toto'ya film yapım başarısının basamak taşı olacak becerileri özenle öğretirken, yaşlı balon ona babacan bir figür olur.

Toto ve Alfredo'nun sinemayı saygıyla tartışmasını izlemek ve Alfredo'nun klasik film alıntılarıyla hayattan tavsiyeler verdiğini görmek tam bir keyiftir. Toto’nun reşit olma öyküsüyle 'Cinema Paradiso', İtalyan sinemasındaki değişikliklere ve ölmekte olan geleneksel film yapımı, kurgu ve gösterim ticaretine ışık tutarken, genç bir çocuğun küçük kasabasından dışarıya çıkma hayalini keşfediyor. Şimdiye kadarki en iyi 'filmler hakkında film' den biri.

95. Bir Guguk Kuşu Yuvasının Üzerinden Uçtu (1975)

Aynı anda bol miktarda duygu hissetmenizi sağlayan o nadir film deneyimlerinden biri. Kısmen komik, bazılarında canlandırıcı, bazılarında ise doğrudan kalp kırıcı. Aynı zamanda basit, etkili hikaye anlatımındaki diğer nadir başarılardan biridir, hapishaneden kaçma umuduyla akıl hastası olduğunu taklit eden ve delilik gerekçesiyle suçsuz olduğunu iddia eden bir suçlu olan Randle McMurphy'yi anlatır. Bir akıl hastanesine vardığında, kaos senaryosuna karşı klasik bir düzen içinde otoriter Hemşire Rached'e (çelik bir Louise Fletcher oynadı) karşı isyan eder. Film, karakterleri, Jack Nicholson'ın kendisinden eşit ölçülerde oynayabilecek daha iyi bir oyuncu olmadığını ortaya koyuyor ve filmdeki performansıyla ona hak ettiği bir Oscar ödülü kazandırıyor. Kalıcı ve iç açıcı bir film olarak başlayan film, hastalara yönelik intihar ve elektrokonvülsif terapiyi içeren rahatsız edici sahnelerin ardından umut verici de olsa trajik bir sona doğru tırmanıyor. Yine de film, izleyicinin ekrandaki karakterlere olan ilgisini ve acısını asla bırakmayarak, karşılıksız otorite karşısında bile ortaya çıkan insan ruhu için gerçek duyguları ve neşeyi çağrıştırıyor.

94. Pyaasa (1957)

Toplumsal değişim fikirleriyle ve toplumun görevdeki kötülükleri ve damgalanmalarıyla ilgili sert yorumlarla dolu olan 'Pyaasa', yalnızca Hint sinemasının altın çağını özetlemekle kalmadı, aynı zamanda Hint burjuvazisinin de bir yansımasıydı. Kendisiyle ilgili ince bir kaliteye sahip, toplumun tüm arsız gerçeklerinin ve sert gerçekliklerinin, dikkatli izleyiciler tarafından keşfedilmeyi ve tahmin edilmeyi bekleyerek yüzeyin altında kaynadığı bir film. 'Pyaasa', sebepsiz değil, zamansız bir klasiktir. Yayınlandıktan 60 yıl sonra bile, modern zamanlarda geçerliliğini koruyor, çünkü Hindistan, 'Pyaasa' nın doğrudan veya dolaylı olarak hitap ettiği aynı toplumsal küfürlerden - yolsuzluk, kadın düşmanlığı, materyalizm - rahatsız olmaya devam ediyor.

93. Modern Zamanlar (1936)

'Modern Zamanlar', güçlü bir mesajı olan mizahi bir filmdir. Chaplin'in alamet-i farikası olan umut ve yoksulluk temalarını taşıyan bu resim, hayatları birçok dönemeçten geçen bir fabrika işçisini, yapmaya çalıştığı sırada dikkatleri üzerine çekerek, makinelerin ve diğer teknolojik ilerlemelerin halk üzerindeki olumsuz etkilerine odaklanıyor. yeni dünya ile başa çıkmak. Şakşak göz yaşartıcı derecede komik olsa da, hepsi bir hüzün kabının içinde yer alıyor. 'Modern Zamanlar', ara sıra önemli felsefi sorular sormak için akıllı, ince unsurları kullanır. Doruk, şimdiye kadarki en dokunaklı olanlardan biridir, üzücü bir mutluluk biçimi içerir ve gerçek bir cevap veya çözüm yoktur. Bu film Chaplin’in en iyi yazılmış eseri olabilir ve burada sunulan fikirlerin bugün bile bu kadar alakalı olması şaşırtıcı. Şüphesiz zamana meydan okuyan Modern Zamanlar'ın düşüncelerini paylaşmak için izlediği yol, muhtemelen bu sinematik zaferin en iyi yönüdür.

92. İnce Kırmızı Çizgi (1998)

Terrence Malick 20 yıllık bir aradan sonra film yapımcılığına dönüş, savaşı değil, savaşma duygusunu araştıran bu muhteşem derecede çarpıcı savaş dramasıyla işaretlendi. Film, hikayeden çok görsellere daha çok vurgu yapan, doğası gereği Malick-ian'dır ve bu da sizin deneyiminize dalmanıza izin verir. Filmin dehası, Malick’in güzelliği savaş gibi karanlık ve kanlı bir şeyde görme vizyonunda yatıyor. Savaş gibi acımasız ve kanlı bir şeyi, savaşın gerçeklerini aşan ve onun yerine karakterlerinin duygularına dalmanıza izin veren hipnotik bir deneyime dönüştürmek mutlak bir dahi gerektirir. Silahların ve bombaların arkasındaki insanları hissetmenizi isteyen çok sürükleyici bir deneyim. Bunlar tıpkı bizim gibi harap olmuş ruhlar, onlardan uzaktaki en çirkin gerçeklerle uğraşmak zorunda kalırken, sevgililerinin ve eşlerinin nefesinin sıcaklığını özleyen, narin bir dokunuş özlemi çeken. 'İnce Kırmızı Çizgi', başka hiçbir şeye benzemeyen bir deneyimdir; görülmesi, hissedilmesi ve üzerinde düşünülmesi gereken biri.

91. Bıçak Sırtı (1982)

Ridley Scott’ın 'Blade Runner' ın Son Kısmı, sanırım şimdiye kadar yapılmış en büyük distopya filmi. Metropolis tartışmalı bir seçim olsa da, Alman Ekspresyonist Sineması ile ilgili gerçek olmayan görselleri gözlemlemek gerekiyor. Öte yandan 'Blade Runner' finansal eşitsizlikten, nüfus artışından, doğal herhangi bir şeyde eksiklikten muzdarip bir dünya inşa etmede mükemmel olmaktan çok daha fazlası çünkü burada ete bile güvenilemez. Parıldayan aydınlatma bağlamsal olarak doğaldır, çünkü bu elektronik bir dünyadır ve Jordan Cronenweth onu kara filmdeki günlük aydınlatıcı nesnelere benzer şekilde kullanır. Her ne kadar 'Uzay Macerası' kadar geniş kapsamlı sorular ortaya koymasa da, 'androidlerin elektrikli koyunların rüyasını görüp görmediğini' merak etmemizi sağlıyor.

90. Fargo (1996)

Şiddetli, komik, sıcak ve vahşice yoğun 'Fargo', 90'ların en iyi Amerikan filmlerinden biri ve şimdiye kadar yapılmış en büyük suç dramalarından biridir. Film, karısını kaçırması ve zengin kayınpederinden zorla para alması için iki adam tutan bir adamı konu alıyor. Coen Brothers’ın kara mizahı zekice kullanımı, filme çok farklı bir hava katan bir sıcaklık havasıyla filmi kaplıyor. 'Fargo' yu unutulmaz bir sinema deneyimi haline getiren şey, komedi, drama ve şiddetin bu ustaca karışımıdır. Karla dolu Minnesota'nın muhteşem açılış sahnesi, unutulmaz bir müzikle güzel bir şekilde iltifat ediyor, filmin tonunu belirliyor ve filmin içinde bulunduğu şiddet ve mizahın altında yatan derin bir üzüntü duygusu oluşturuyor. Frances McDormand açıkça filmin yıldızı ve şovu çalıyor, kötülük ve gaddarlık dünyasına yakalanmış hamile bir polis şefini canlandırıyor, ancak ışık ve umut bulmayı başarıyor. 'Fargo' duygusal olarak ham, vahşice yoğun, sevecen derecede komik ve acı verecek kadar gerçekçi, saf, sürükleyici sinemanın bir parçası.

89. Silgi (1977)

'Eraserhead' atmosferik korku üzerine bir ders kitabı parçasıdır. Tek başına bir aile kurmaya çalışan garip saçlı bir adamın hikayesini anlatan bu film, her geçen dakika gerçeküstü bir kabusa dönüşüyor. Bir klostrofobik korku duygusu sunmak için ses ve yakın çekimleri kullanan ve bunu bir ilk saatte pek mantıklı olmayan bir olay örgüsüyle uyumlu hale getiren David Lynch’in ilk filmi usta yönetmenin en iyilerinden biri olduğunu kanıtlıyor ki bu da kendi içinde büyük bir övgü. 'Eraserhead' in yaptığı şey, çirkin binalar ve siyah-beyaza batırılmış mekanik mekanizmalarla dolu distopik bir dünya yaratmak ve içine çevreleriyle az çok kafası karışan karakterleri atmaktır. Bu resmin 'anlamını' bulmak neredeyse imkansızken, bunun asla niyet olmadığının farkına varılmalıdır. 'Eraserhead', hem görsellerini hem de gerçeküstü tarzını kullanarak izleyicilerinin zihnine mutlak bir rahatsızlık hissi yerleştirir ve düşüncelerini manipüle etmenin bir yolunu bulur. Sadece bir avuç resim bu kadar güzel yapılandırılmış ama inkar edilemez derecede tehditkâr ve bu sadece Lynch gibi birinin başarabileceği bir şey.

88. Çocukluk (2014)

'Çocukluk', sınırsız neşe, sarsılmaz iyimserlik ve köpüren masumiyetle geçen geçmiş yılların sevgi dolu bir hatırlatıcısıdır. İnsanların sıradan yaşamlarından güzellik, neşe ve duygu türetmeye dayanır, herhangi bir yüksek drama eyleminden değil (filmlerin çoğu için ekmek ve tereyağı). Sahneden diğerine, sadece karakterlerin fizikselliklerinde değil, aynı zamanda modalarında, saç stillerinde, müzik zevklerinde ve genel olarak hayata dair bakış açılarında da dönüşümü fark edeceğinizi görmek büyüleyici. 'Çocukluk', çok az filmin yaptığı bir şekilde, sinemanın sınırlarını aşar ve kendi varoluşumuzun ve deneyimimizin küçük bir parçası haline gelir. Linklater, konu sıradan insanlar hakkında basit hikayeler anlatmaya geldiğinde neden iş dünyasının en iyisi olduğunu bize bir kez daha hatırlatıyor.

87. Cennetin Günleri (1978)

Terrence Malick’in tam kontrollü, otoriter bir sinema vizyonerine dönüşümü, Amerikan sinemasının başına gelen en büyük şeylerden biridir. Sinemanın geleneksel sınırlarının dışına çıkmak için çaresiz olduğu ilk çalışmalarından açıkça anlaşılıyor. 'Badlands' ve 'Days of Heaven' gibi filmler görünüşte basit anlatılara sahipti ama bunlar daha fazlası olmaya çalışan filmlerdi. Bir hikayeden daha fazlası. Bir deneyim. 'Days of Heaven' bunu 'Badlands' dan daha parlak bir şekilde başarıyor. Pek çok kişi filmi zayıf hikayesi nedeniyle sık sık eleştirdi. Tamamen yanlış olduklarını söyleyemezdim ama her halükarda hikaye bir filmin en önemli yönü değil. Malick'in burada yaptığı şey, hikayenin kendisinden çok hikayenin ruh halini vurgulayan sinemanın görselliğini kullanmaktır. Niyeti karakterlerin içinde bulundukları kötü durumu kullanarak sizi duygusal kılmak değil, onları gözlemlemenize, manzaraların güzelliğini ve yerinin kokusunu hissetmenize izin vermektir. Ve bu tür içgüdüsel olarak hareket eden bir deneyim yaratmak bir mucizeden başka bir şey değildir.

86. Ateşböceklerinin Mezarı (1988)

Savaşın ganimetlerini vurgulayan diğer canlı aksiyon filmleriyle birlikte aklınıza gelebilecek her yönüyle eşit olan dokunaklı, dokunaklı bir film. Bu Japon animasyon filmi, bir kardeş çiftin hayatına odaklanarak II.Dünya Savaşı'nın dehşetini merkeze aldı, başka hiçbir filmin başaramadığı bir şekilde kalbimi kırdı ve en sonuna kadar parçaları ezmeye devam etti. Bir savaş filmi olan film aynı zamanda insan cephesinde harikalar yaratıyor, Seita ile Setsuko arasındaki İkinci Dünya Savaşı'ndaki sıkıntılar karşısında hassas ilişkiyi güzelce fark edip geliştiriyor. Mesaj yüksek ve net. Hiçbir savaş gerçekten kazanılmaz ve zaferler içeren tüm görkemlere savaşta yıkılan masum yaşamların feryatları da eşlik eder. Filmi, karakterleri için bizi kökleştirmede açıkça duygusal olarak manipülatif olmadığı için alkışlardım; ama hata yapmayın, savaşa ilişkin güçlü ve uzlaşmaz bakış açısı ve kardeş çiftinin maruz kaldığı travmalar sizi hıçkıran bir karmaşaya indirecektir. Bu çok üzücü. Bununla birlikte, ona sahip olmamın başka yolu yok. En kalp kıran haliyle mükemmelliktir.

85.Manhattan (1979)

Woody Allen’ın filmlerindeki romantizm, onları sarmaladığı nefis dokunaklı mizah anlayışına rağmen her zaman acı verici bir şekilde doğru ve iç karartıcı derecede gerçekçi hissetmiştir. 'Annie Hall' en cesur filmi olmaya devam ederken 'Manhattan', sanatsal açıdan daha olgunlaşmış bir çalışma olarak karşımıza çıkıyor. Film, Allen'ın sıkılmış, kafası karışmış bir New York'lu oynamasına, kısa süre önce boşanmış, liseli bir kızla çıkmasına rağmen en iyi arkadaşının metresine aşık olmasını sağlar. Allen, karakterlerini yutan hüznü gerçekten hissetmemize izin vermek için bu filmin mizahını biraz azalttı ve bu da onu duygusal olarak çok tüketen bir deneyim haline getirdi. Bu sadece, kendileriyle ve varoluşlarıyla mücadele eden, asla fark edemeyecekleri ve elde edemeyecekleri mutluluğu umutsuzca arayan, savurgan ilişkilerin ve kusurlu insanların derin dokunaklı bir portresi. Ve 'Manhattan'ı böylesine güçlü bir film yapan şey, insanlık halinin bu tatlı, narin, dokunaklı gerçeği.

84. Marketa Lazarova (1967)

Çek simgesi Franti & scaron; ek Vláčil’in cisimsiz rüya manzarası Marketa Lazarová, 20 içinden çıkan en inanılmaz sanat eserlerinden biri.^inciYüzyıl. Sinemasal dile yönelik avangart yaklaşımı, bu çoğu zaman lanet olası ifadenin sınırlarına neredeyse hiç uymuyor - çünkü bu daha fazlasıdır. Gelenek, yapı veya herhangi bir yazılı kural tarafından zincirlerinden koparılmış, görüntü ve sesin çarpıcı bir birleşimi, yıllardır film biçimine tokat attılar. Karşılaştırıldığında, diğer her şey çok sıkı bir şekilde kontrol edilmiş görünüyor - o kadar doğal değil ve uygulamada yapmacık. Marketa Lazarová ham, içgüdüsel ve şaşırtıcı derecede dinamik. Kısacası: Bedava - her santimlik sinema ortamını keşfetme olasılıklarının gerçek zirvesi. Bunun için şimdiye kadar yapılmış en büyük filmler arasında yatıyor.

83. Singin ’In The Rain (1952)

Singin ’In The Rain, Hollywood'un Altın Çağı'nın en belirleyici müzikali. Sinemadaki parlak anlardan bahsederken Gene Kelly'nin sokak lambasının yanında dans ettiği imajını unutmak imkansız. Film sadece kendi ustalığını zevkle değil, aynı zamanda sinemanın görsel bir araç olmaktan çıkıp yankılanan ve canlandıran bir mecraya geçişini de övüyor. Technicolor sinemasında muazzam bir başarı olan Kelly’nin yönetmenlik çabası, başlangıçta eleştirmenler ve izleyiciler tarafından eğlenceli bir şekilde reddedildi. Filmin kapsadığı zaman dilimleri (gerçek ve gerçek hayat) ile şimdiki zaman arasındaki boşluk giderek büyüdükçe, bu klasiğin alaka düzeyinin her geçen gün daha da güçlendiğine inanıyorum. Önemli bir dönemle teması kaybediyoruz ve bu film sizi nostaljisiyle dolduruyor.

82. Şimdi Bakma (1973)

Nicolas Roeg’in 'Dont Look Now' ı kadar hipnotik bir görsel sanat eseri bulmak çok zor. Pek çok yönden bu şaheser, sonunda çirkin cüce gibidir. Kendinden geçmiş renklerle güzelce örtülmüş ama hayatın en kötü yanını barındırıyor: ölüm. Sutherland’ın karakteri ne kadar etkili olursa olsun, bunun duygu odaklı bir film olduğuna inanıyorum, çünkü Roeg, yitirilmiş aşk arayışını kesin bir hikayenin üstüne koyuyor. Gotik vakıf, dayandığı bağların, babalık ve aile sevgisinin önemini vurgulamak ve kahramanı rahatsız eden hayaletleri belirsiz bir şekilde şekillendirmek için çok güçlü bir araçtır. 'Bazı yerler insan gibidir, bazıları parlar ve bazıları parlamaz'.

81. Dövüş Kulübü (1999)

Arada bir, bir neslin ruhunu tanımlayan bir sanat eseri gelir. Sinemaya gelince, 50'li yıllarda 'Sebepsiz Asi', 60'larda 'Mezun' ve 70'lerde 'Amerikan Grafiti' vardı. Ve yirmi yıl sonra bile, 'Dövüş Kulübü' neslimizin kara kara düşünen, hoşnutsuz, düzen karşıtı ahlakına bir eldiven gibi uyuyor. Pek çok harika film gibi, 'Dövüş Kulübü' de çok bölücüdür ve felsefi olarak birçok farklı şekilde yorumlanabilir - bazıları bunu çağdaş erkekliği tanımlarken bulurken, diğerleri bunun şiddeti ve nihilizmi yücelttiğini düşünür.

Esasen bir gerilim filmi olan film, adsız bir kahramanın uykusuzluktan muzdarip ve tekdüze işinden hoşnut olmayan Tyler Durden adında aceleci bir sabun yapımcısıyla yolları kesiştiği anlatılıyor. Durden ve kahramanı, toplumun hoşnutsuz üyelerinin öfkelerini dışa vurmanın bir yolu olarak kısa sürede bir yeraltı 'Dövüş Kulübü' kurar. Ancak çok geçmeden Tyler’ın planları ve anlatıcının ilişkileri kontrolünden çıkarak patlayıcı bir zirveye (kelimenin tam anlamıyla!)

Yaydığı şeytan-umursamaz tavrının yanı sıra, 'Dövüş Kulübü' aynı zamanda çağdaş efsane David Fincher'in bazı aslı yönlerinin de bir özelliğidir. Kasvetli renk paleti, keskin kurgu ve kaygan kamera çalışması, filmi takip eden bir dizi karanlık gerilim filmine ilham verdi. 1990'ların bir dönüm noktası filmi.

80. Gün Batımından Önce (2004)

İşte insanın evrimi hakkında kimsenin size söylemeyeceği gerçek: İnsanoğlu yakında konuşma sanatını kaybedecek. Teknolojik gelişmelerin büyük bir yan etkisi var: İnsanlar gerçek sohbete vurmaya gittikçe daha az ilgi gösteriyor - çünkü arkalarında saklanacak teknolojileri var. İşte tam da bu yüzden Before Series on yıllarca dayanacak. Gerçek sohbete katılan iki kişiyi konu alan bir dizi film bu nesil için bile nadirdir. Gelecekte bu tür filmler hiç yapılmayacak. Bu nedenle gelecek nesiller, Before üçlemesine hayranlıkla ve merakla bakacaklar. Ve üçleme sadece film tarihinde değil, aynı zamanda her film okulunun kütüphanesinde de hak ettiği yeri bulursa şaşırmam.

Üç Before filmi arasında, 'Gün Batımından Önce' öne çıkıyor çünkü en yürek parçalayıcı derecede güzel. Doğası gereği en güçlü insan arzusu hakkında olan bir film: hayatınızın geri kalanını birlikte geçirebileceğiniz biriyle birlikte olma arzusu. Yakından bakarsanız, 'Gün Batımından Önce', nihayetinde bir aynaya dönüşür, hangisine bakarak kendi ilişkilerinizi yargılayabilirsiniz: Nerede yanlış yaptınız? Aslında sizin için 'o kişi' kimdi? Hangi fırsatları kaçırdın? Ne olabilirdi? Bu, kendi yaşam deneyiminizin film deneyiminizi zenginleştirip besleyeceği ender filmlerin en nadirlerinden biridir.

79. Matrix (1999)

Wachowskis tarafından beyaz perdeye yansıtılan zekice bir fikir, birçok izleyicinin kendilerini içinde buldukları gerçekliğe karşı ihtiyatlı olmalarına neden olan bir filmle sonuçlandı. Doğru, 'The Matrix' yapıldığında geri dönüş yoktu, değişti bir şeyler. Film sadece hikayesinde yeni bir çığır açmakla kalmadı, aynı zamanda bilim kurgu ve aksiyon filmlerinin daha sonra tasarlanma biçiminde devrim yarattı. Bir film olarak 'The Matrix' in başarısı, felsefe, varoluşçuluk ve hatta din de dahil olmak üzere temalar arasında ustaca nasıl uğraştığından, bir yandan da bir aksiyon ve bilimkurgu filmi görünümünde yatıyor. Neo’nun simüle edilmiş gerçekliği, görünüşte imkansız başarıları gerçekleştirmek için manipüle etme yeteneği ve şu anda ikonik olmaktan başka bir şey olmayan bir aksiyon tekniği olan 'mermi zamanı' nın kullanımı, filmin ustalığına katkıda bulunuyor. Tür şimdi fazla doldurulmuş olabilir, ancak ilk çıktığında, izleyicinin böyle bir şey görmediğini söylemek güvenlidir.

78. Yedinci Kıta (1989)

Michael Haneke’nin 'Yedinci Kıta' adlı bir korku filmi olarak adlandırılması bana çok yanlış geliyor, ama onu gören çoğu insan bunu böyle anıyor. Onlarla tartışmak zor, çünkü bu filmi izlemek insanı umutsuz, depresif ve korkmuş hissettiriyor. Dünyadan ve genel olarak yaşamdan nefret eden bir aileyle ilgili olan bu 1989 klasiği, üç oyuncuyu toplumun geri kalanından daha da izole etmek için soğuk ve mesafeli bir duruş sergiliyor, bu da yavaş ama kesinlikle izleyicinin onlar için derin hissetmesine neden oluyor. varoluş karanlık bir hal alır. Beyaz perdeyi süsleyen en rahatsız edici filmlerden biri olan Haneke’nin ilk filmi izleyiciyi alay ediyor ve asla bırakmıyor. Seyirci buna korku filmi diyorsa, başka hiçbir şeye benzemeyen bir korku filmi kastederek yapıyorlar. Belirsizlik ve gerçekçilikle kaplı, Yedinci Kıta Sizi sessizlik içinde bırakan gerçek bir hikayenin kişisel, samimi ve ürkütücü bir yeniden anlatımıdır, çünkü bittikten sonra en az birkaç dakika boyunca tek bir kelime bile edemezsiniz.

77. Zodyak (2007)

'Zodiac', geleneksel gerilim türünüz değildir; yavaş tempolu ve olay örgüsünden çok ruh hali ve karakterlere odaklanıyor. Filmin havasını kemiklerinizde hissedebilmeniz için David Fincher'in o kadar çok inşa ettiği bir aura var. Bittiğinde sizi mutlu edecek bir film değil. Aynı zamanda kötü adamın kazandığı, iyi adamların kaybettiği bir film. İşte bu yüzden bu kadar iyi. Sadece iyi değil, aynı zamanda modern bir şaheser. Bir film sizi iki buçuk saat boyunca seğirip günlerce düşünmenizi sağladığında, rutin olarak yapılan gerilim filmlerinin yapmadığı pek çok şeyi doğru yapmış olmalı. Bana göre 'Zodiac' Fincher’in en iyi filmi ve burada disiplini ve çeşitli becerileriyle bazen neden 'azın daha çok olduğunu' gösteriyor.

76. Manolya (1999)

'Magnolia' şüphesiz Paul Thomas Anderson’ın açık ara en kişisel çalışmasıdır. Anderson'ın filme verdiği histerik vibe, melodrama enerjisinde inanılmaz derecede bağımlılık yaratan ve yatıştırıcı olan belirli bir duygusal akışkanlık getiriyor. Film, hayatlarının farklı aşamalarından geçen, kendi iç şeytanları ve duygusal çatışmalarıyla başa çıkmaya çalışan birbiriyle ilişkili çeşitli karakterlerle tamamen San Fernando Vadisi'nde geçiyor. Anderson bu insanları seviyor, onları tanıyor ve anlıyor ama özür dilemeden kim olduklarını gösteriyor; son derece çıplak insanlar, ham ve saf, en derin korkuları ve zaaflarıyla yüzleşip bunların üstesinden gelirler. 'Magnolia' yı bu kadar özel kılan şey, film yapımcısı hakkında çok şey anlatan bir film olmasıdır. Anderson'ın hayatına, ait olduğu yere ve hayatındaki insanlara bir göz atıyoruz. Filmin tamamında çok fazla Anderson var. 'Magnolia' gibi bir film, başka bir film yapımcısı tarafından yönetilmiş olsaydı, modası geçmiş ve zamanının bir ürünü gibi görünebilirdi, ancak Anderson ile bu, filmin çekiciliğini artırıyor.

75. Rosemary’nin Bebeği (1968)

'Rosemary’s Baby' bir korku duygusu yaratmak için masumiyetle oynayan karanlık, çarpık bir sanat eseridir. Hamilelik sırasında komplikasyonlar yaşayan bir kadınla ilgili olan film, ritüel unsurların önemli bir rol oynamasına izin vererek olay örgüsüyle tamamen yeni bir yol izliyor. İyi yazılmış karakterlerden, meydana gelen her olayı çevreleyen uzak kara kara ortama kadar, bu film hakkında sevilecek çok şey var. Resim boyunca her zaman bir gerilim hissi vardır ve bu kısmen Polanski’nin sıkı yönetmenlik tarzıyla yürütülen sessiz, kalıcı sinematografi sayesinde. Mia Farrow, çocuk taşımanın getirdiği acılarla boğuşurken zayıflayan bir kadın olan Rosemary Woodhouse olarak kariyerinde en iyi performansı sergiliyor. Genel olarak, bu filmin yakaladığı atmosfer birkaç başkasıyla eşleşiyor ve cildinize sızma şekli gerçekten başka bir şey.

74. İyi, Kötü ve Çirkin (1966)

Efsanevi aktörler tarafından canlandırılan karakterleri cezbetmek, dizginlenmemiş, acımasız silahlı eylem, çengel müzik ve yoğun sinematografi - spagetti westernlerinin doğuşu olduğu söylenen ‘Dolar’ Üçlemesinin üçüncü bölümü, en iyi haliyle, hoşgörülü, büyüleyici ve eğlenceli bir sinema. Profesyonel bir silahşör olan Blondie veya No Name (The Good) ve aranan bir kanun kaçağı olan Tuco (The Ugly), kaçak bir konfederasyon tarafından saklanan bir altın zulası hakkında önemli bir ayrıntı bulduklarında isteksiz bir bağlılık oluştururlar. bir tetikçi olan Angel Eyes (The Bad), öldürmek için sözleşmeli. Üçlünün yolculuğu, klasik batı tarzı bir bakışla sona eren sürükleyici bir komplonun temelini oluşturuyor. Clint Eastwood, Blondie olarak maçoluğun görüntüsü, Lee Van Cleef, Angel Eyes olarak kötü kişileştirilmiş ve Eli Wallach, Tuco'nun iki büyük yıldızın daha basit ama daha gösterişli Good Vs Evil eylemlerine dürtü ve öfke gibi bir karakter karmaşıklığı ekliyor. Ancak dizginler, Sergio Leone’nin ellerinde sonsuza dek yönetmendir - işlemlerde gerilim yaratmak için gerektiği gibi genişleyen uzun çekimler ve yoğun yakın çekim sinematografisi kullanır. Modern Western'in en büyük temsilcilerinden biri olan, türü belirleyen film Quentin Tarantino, bir zamanlar 'Dünyanın en iyi yönetilen filmi' olarak adlandırıldı.

73. Seyahat Eden Oyuncular (1975)

Çok uzun bir süredir, Theo Angelopoulos’un samimi, özenle bir araya getirilmiş destanı çok az film meraklısı tarafından biliniyordu ve belki de daha azı tarafından beğenildi. Zamanla ezoterik, şifreli ilişkimize bir sinematik anıtın görkemli, kademeli olarak dikilmesi anlaşılır bir şekilde, herkes için değil. Ancak aramızdaki meraklılar için, bu evrensel ve acımasız dinamik dünyada tutunacak sabitler bulmaya yardımcı olan bir teselli sağladığı, bilgelik verdiği ve bir algı verdiği biliniyor. Bu filmin haklı çıkardığı pek çok şey arasında, 'Orestes' masalındaki ifşaları saf bir şekilde kavrayışı var. Trajik figürle ilişkilendirilen mitoloji, akıllara durgunluk veren bir alçakgönüllülükle yakalanır ve yine de film, bizi esnek vizyonuyla 20. yüzyılın ortalarında Yunanistan'ın melankolik, kalıcı bir görüntüsüne taşımayı başarır. Zamansal zarafeti, topluluğun yanında durarak tarihi görmeyi haklı çıkarır: dışarıdan içeriye. Hem onun sertliğini hissetme hem de yaratılışı üzerine düşünme eğilimindesiniz. Nadir bir anti-faşist tarih dersi çünkü bize ne düşünmemiz gerektiğini asla söylemiyor. Bize sadece ne hissedeceğimizi gösterir. Angelopoulos ve görüntü yönetmeni Giorgos Arvanitis, bizi kalpleri durduran yerlere yerleştiriyor ve onları dönemin yıkıcı acımasızlığı ile yok ediyor. 'The Traveling Players', isyan dolu sokaklardan kurtarılmış ve açlıktan kurtulmuş gibi hissettiren mütevazı, nadir bir mücevher. Daha basit bir ifadeyle, bunu hak etmiyoruz.

72. Önbellek (2005)

Michael Haneke genellikle her zaman kasvetli anlatılarla uğraşmakla suçlanır. Bu nitelendirme tamamen adaletsizdir çünkü esasen yaptığı şey, hepimizi saran karanlığa, kusurlu algılarımızın nasıl ızdırap verici izolasyona yol açtığına ve hayallerimizin söz konusu izolasyonun üstesinden gelme şansımızı nasıl azalttığına dair insani içgörüler sağlamaktır. 'Caché' yalnızca 1961 Seine Nehri Katliamı'nın gaddarlığına ve toplum olarak insanlık dışılığımıza işaret eden muazzam, yakıcı bir belge değil, aynı zamanda şiirsel olarak evrensel bir karakter çalışmasıdır. Kahramanımız Georges, hayatı ve onun varlığını çarpık bir neşe duygusuyla sosyal bir varlık olarak algılar. Başkalarına güvenme ve iletişim kurma rahatlığından kaçar. Kendisini bu kadar değerli tutan pek çok kişiyi yabancılaştırdığı gibi, yabancılaşmasından da zevk alıyor. Haneke, yalnız kalmak isteyen nesille alay eder. Çoğumuzun çevremizle ilişki içinde olması gibi, kamerası da bazen alışılmadık derecede uzaktadır. Ama onun kontrolünde, ahlaksızlığımızla, düşüncesizliğimizle ve gerçekliğimizle yüzleşmeliyiz. Göreceğiniz en zorlu sinema eserlerinden biri.

71. Arı Kovanı Ruhu (1973)

İspanyol usta Victor Erice emekli olmadan önce sadece üç uzun metrajlı film yaptı. Bugün hala hayatta olan El Sur, Ayva 'Güneş Ağacı' gibi filmleri ve özellikle de ilk filmi olan Spirit of the Beehive gibi filmleri, hepimizin hâlâ film çekiyor olmasını dilememize neden oluyor. Biri onun varlığını masum, genellikle hayrete düşüren bir hayranlıkla araştıran, diğeri ise yerel tiyatrosunda oynanan 'Frankenstein' filmine takıntılı olan iki çocuğun parabilik bir hikayesi. Erice’nin karakteristik olarak tarafsız yönü, İspanyol’un kalbinin mistikleştirici portresi, sessiz gözlem lehine nadiren sinematik metodu tercih ediyor. Ortaya çıkan çalışma kafa karıştırıcı, sürükleyici ve sizi hayatın kendisinin içsel gizemini merak etmeye bırakacak: Cevaplanamaz soruları, büyük gizemleri ve şaşırtıcı itiraz edilemezlikleri. Sizi tamamen harap olmuş veya kıyaslanamaz bir şekilde etkilenmiş halde bırakmak için, hiç şüphe yok ki, her iki aşırı 'Arı Kovanı Ruhu'nun da önemli bir deneyim olacağı.

70. Tüm Başkanın Adamları (1976)

Watergate. Richard Nixon’un başkanlığının perdelerini indiren ve insanların, başkanın itibarına sahip bir kişinin bile işlerini halletmek için mümkün olan en düşük düzeye kadar eğilebileceğini anlamasını sağlayan bir kelime. Başkanın yandaşları yarattığı pisliği temizlemekle meşgulken, bunun kokusunu alan iki muhabir vardı. Belirgin tehditlere rağmen, yorulmadan çalıştılar, en ufak ipuçlarını bile takip ettiler ve bazen gerçekleri halka ulaştırma sürecinde kendilerine tehlike oluşturdular. Muhabirler Bob Woodward ve Carl Bernstein tarafından yazılan aynı isimli kitaba dayanan 'Tüm Başkanın Adamları' gerçek gazeteciliğin ne olması gerektiğine dair zekice bir gözlemdir. Alan J Pakula'nın yönettiği film, sekiz akademi ödülüne aday gösterildi, sonunda üç ödül kazandı ve tesadüfen en iyi resmi ‘Rocky’ye kaptırdı.

69. Gölgeler Ordusu (1969)

Jean-Pierre Melville’in çalışmalarına yeni başlayanlar için mükemmel bir karşılaştırma noktası, Stanley Kubrick’in çalışmasıdır. Her ikisi de son derece teknik hassasiyete sahiptir ve uzun ve yaratıcı bir şekilde kazançlı kariyerler boyunca ortaya koydukları her çalışma makarasında mutlak güven yaymaktadır. Bununla birlikte, Amerikalı yönetmene herkesin başvurabileceği ucuz ama zorlu bir şikayet, onun 'ruhsuzluğu'dur. İnsan ifadesinde bir boşluk. Melville'de durum böyle değil. 'Army of Shadows' da Melville’in karakterleri, her eyleminin insanlıkla sızmasına neden olan, umutsuzluktan beslenen acı bir kıvılcımla yanıyor. Savaş Zamanı Direniş hareketinin ölümcül dünyasında, tek bir yanlış hareket tam bir yıkımla sonuçlanabilir ve Melville, tamamen inandırıcı, inandırıcı ölüde ölü bir dünyanın tohumlarını, sineması üzerinde yukarıda bahsedilen zarafet ve virtüöz kontrol ile diker. 'Army of Shadows', Fransız sinemasından çıkan en sessiz, ilgi çekici ve anıtsal olarak etkileyen eserlerden biridir ve böylesine suçlu olarak gözden kaçan bir klasiği kaçırmak, kendinize büyük bir kötülük yapmak olacaktır.

68. Cinnet (1980)

Stanley Kubrick, Stephen King klasiğini uyarlamasıyla 1980'de korku türünü yeniden tanımlayan bir film yarattı. Burada korkuyu doğuran sadece hikaye ya da karakterler değildir. Çevre ve filmin çekilme şekli, zihin uyuşturan gerilimin izleyicinin zihnine nüfuz etmesine harika bir şekilde yardımcı oluyor. Film, The Overlook Hotel'e yeni atanan bir bakıcı olan Jack Torrence ve ailesinin gizemli binada mutlak bir yalnızlık dönemi geçirmelerini anlatıyor. Çarpıcı performanslar ve mükemmel kamera çalışmasıyla Kubrick, filmin içeriğinin bilinçaltımızın derinliklerine batmasını sağlıyor. Sesi ve atmosferi kullanma şekli kesinlikle inanılmaz ve hem unutulmaz hem de tüyler ürpertici iki buçuk saat için yaratıyor. 'The Shining' dünyası güzel bir şekilde karanlık, nefes kesici üçüncü perdesinin tamamı boyunca sizi yakasından sıkıca kavrıyor.

67. Çin Mahallesi (1974)

Kara ve neo-noir film var ve tam da bu ikisinin arasında oturan Jake Gittes, yüzündeki sırıtışa iltifat etmek için düzgün bir fötr şapka giymiş. Polanki'nin büyük bir hayranı olmasına rağmen, her zaman filmlerinin son ürününe uymayan bir şeyler vardır. Çin Mahallesi hariç. Bu ufuk açıcı şaheser, sadece kendisi için bir kimlik yaratmakla kalmadı, aynı zamanda filmlerine bir kimlik yaratmak için tarzını ödünç alan film yapımcıları tarafından da her zaman görüldü. Polanski, iş başında bir sihirbazdır ve bizi ayırt edilebilir liderlerin yanı sıra klasik kara temposu ve ortamı ile kandırır. Ama daha sonra Chinatown’un ​​son perdesi geliyor ve orijinal olarak benzer gizem filmlerine bağlanan her kongreyi o kadar hızlı bir şekilde bozuyor ki, ezici bir şok ve umutsuzluk duygusuyla baş başa kalıyorsunuz. Godfather II'yi yenememesi hala kafamı karıştırıyor, ancak yarım yüzyıl sonra insanlar Sicilya'yı unuttu ama Çin Mahallesi'ni asla unutmadı.

66. Şeytan Tango (1994)

Bir numaralı itiraf: Béla Tarr’ın genişleyen, olağanüstü şaheserini neredeyse hiç görmedim. Tüm zamanların en sevilen sinemasever statüsünü ve Amerikan sanat evi çevrelerinde ve dünyanın dört bir yanındaki en bilgili film eleştirmenlerinden bazıları arasında biriktirdiği olağanüstü ünü, ilgimi çekeceğini varsayabilir. Ancak süresinin muazzam yoğunluğu (yaklaşık 432 dakika) ve Tarr'ın 'Werckmeister Armonileri' nde çok keyif aldığım loris benzeri temposu göz korkutucu görünüyordu. İkinci itiraf: 'Sátántangó'yu ilk kez tek seferde gördüm. Gerçek dünyaya dair pragmatik anlayışı ve sabırlı, sağduyulu sinema anlayışıyla hipnotize edilmiştim. Düşündüğünden daha fazlasını gözlemledi ve düzgün bir şekilde oluşturulmuş ifadelerden daha fazlasını düşündü. Efsanevi, kasvetli gerçekliği gerçek olamayacak kadar iyi ve böyle bir güzellik gözüyle gerçekleştirilemeyecek kadar acımasızdı.

Sonunda yapmak istediğim tek şey, bütün pencerelerimi kapatıp kendimi karanlıkta sarmamaktı çünkü bana yönelik film kilisedeki o deli adama benziyordu ve feryadı çok mantıklı gelmişti. Üçüncü itiraf: 'Sátántangó’nun' bilgece sosyal ve politik düşüncelerinin tekrar tekrar döndüğümde bana kendilerini açıklığa kavuşturmaya başladığını bildirmekten mutluluk duyuyorum. Film için kaynak malzeme görevi gören László Krasznahorkai’nin romanını yutan bir yaz, özellikle unutulmaz bir yazdı. Şimdi yapabileceğim tek şey, bu mutlu kazanın getirilerini toplamaya devam etmek.

65. The Exorcist (1973)

William Friedkin’in 'The Exorcist' filmi mükemmel bir şekilde yönetildi. Adam, klasiklerin kafasına takıldığını gören (ve çoğu zaman sinematik utanmazlığın bazı büyüleyici keşifleri için iki grubun kesiştiği) düzensiz bir kariyer yolu için rezildir. Friedkin en iyi filmiyle tam da şeytani sahiplenmeyle ilgili olan bir drama çekmeye karar verdi: Karmaşık karakterleri için acılar dikmek ve orijinal yazar William Peter Blatty’nin inanç ve sakatlayıcı şüphe arasında sıkışan metnini içgüdüsel olarak tercüme etmek. Oyunlarının tepesinde çalışan iki harika sanatçının pırıltılı bir Amerikan sineması klasiği ortaya koymasının sonucu: Kendi türündeki neredeyse her filmi örten bir film (belki de akıl almaz derecede korkunç 'Wake in Fright' ya da Tobe Hooper'in şans eseri turne -güç Texas Chainsaw Katliamı ). Tek kelimeyle çarpıcı.

64. Suspiria (1977)

'Çünkü hayallerimizde, tamamen bize ait bir dünyaya giriyoruz' - J.K. Rowling. Ya sinemanın en sapkın beyinlerinden biri bilinçaltını bir film parçasına püskürtmeye karar verirse? Dario Argento’nun Suspiria'sı, tuhaf bir şekilde yapılandırılmış hikayesiyle sinematik mantığa meydan okuyor. Ama sinemanın gerçek özünü yakalayan, bizi gerçekten, gerçekten canlı hissettiren neo-ekspresyonist bir şaheser olduğuna inanıyorum. Argento, mekanın değerini anlıyor ve bu nedenle filminin hakim sakinleri olan sinematografiye ve set tasarımına daha fazla odaklanıyor. 'Suspiria' sadece Argento’nun tarzını değil, aynı zamanda sanat estetiğinden etkilenen bir tür olan İtalyan korkularının tamamını temsil ediyor.

63. Kaçan Bir Adam (1956)

Kusursuz derecede hassas ve ilham verici bir şekilde ekonomik olan Robert Bresson’un çok ender rastlanan hedef tahtası 1956’da 'A Man Escaped' filmiyle vuruldu. Bir film yapımcısı olarak adamın değişken güçlerinin zirvesi, Fransız direniş ajanı Fontaine’in giderek tehlikeli hale gelen Nazi hapishanesinden kaçma girişimlerini takip ediyor ve her karede anlam buluyor. Başrol oyuncusu olmayan François Letterrier'in, batık yanakları ve patlak gözleri savaş zamanında yaşamanın ezici ağırlığını ikna edici bir şekilde ifade eden şaşırtıcı derecede insani tasvirinden, Bresson'un minimalizminin seyirci ve adı geçen çaresiz adam arasında yakıcı bir yakınlık geliştirmeyi başarmasına kadar : Sık bakış açıları ve teknikler konusunda aşırıya kaçmayan zarif bestelerden Bresson'un çevreleyen çalışmaları bazen boğuldu. Tek bir kareyi kesmezdim ve bu nedenle film, filizlenen film yapımcıları için kesinlikle hayati bir eğitim modu işlevi görüyor: o kadar canlı ve yoğun bir şeyi asla zorba hissetmeden boyayın.

62. Alaycı Kuşu Öldürmek (1962)

Böyle zamanlarda Neo-nazilere kast, inanç ve ırkın gerçek anlamını açıklamak için 'Alaycı Kuşu Öldürmek' ten daha iyi bir film olamaz. Irksal olarak bölünmüş bir Amerika'nın zaman çizelgesinde geçen bir Afrikalı-Amerikalı erkek, beyaz bir kadının alçakgönüllülüğünü ihlal etmekle suçlanır. Irksal adaletsizliklerin zirvesinde, beyazlarla dolu bir mahkeme onun kanı için bağırdığında, davasıyla mücadele etmek bir adama iner. Atticus Finch adında beyaz bir adam. Renkli olsun ya da olmasın, tüm insanların hukuk mahkemesinde eşit yaratıldığı gerçeğini ileri sürmek için cesurca savaştı. Mahkeme adamı suçlu ilan ettiği için çabaları boşa gider. Ancak izleyicide geride kalan şey, Atticus Finch'in çocuklarına telkin ettiği ders. Yani, 'olayları onun bakış açısından değerlendirene kadar bir insanı asla gerçekten anlamazsınız'. Harper Lee’nin aynı adlı en çok satan kitabına dayanan 'To Kill A Mockingbird', tüm zamanların en iyi filmlerinden biridir.

61. Arka Pencere (1957)

Bir başyapıt gerilim filmini düzenli olarak üstümüze yığılmış sıradan kanalizasyondan ayıran şey, ikincisinde kıvrımların bir anda gelmesi, bir etki yaratmak için bükülmenin gerçekliğinden çok şokumuza dayanmasıdır. Ancak, 'Arka Pencere' gibi filmlerde, tekerlekli sandalye kullanan profesyonel fotoğrafçı L.B. 'Jeff' Jeffries, arka camından sular akıncaya kadar damlalar halinde birikerek baktı ve masum Jeff'in avlunun karşısında yaşayan bir adamın bir cinayet işlediğinden şüphelenmesine neden oldu. Hitchcock, kamerasını bir illüzyonistin araçları gibi, izleyicileri çene bırakana kadar gergin, kandırmak ve tahmin yürütmek için ustaca kullanıyor. Jeff'in ilgilendiği konuyu saplantılı bir şekilde takip etmesi aracılığıyla Hitchcock, röntgenciliğin yanlışlıklarını, bunun ne kadar cazip olabileceğini ve ona yol açan yalnız kentsel yaşam tarzının kasvetliliğini yorumlar. Daha da inanılmaz bir şekilde, Jeff'inki kadar izleyicinin röntgenciliği hakkında bir yorum; Jeff’in büyüsüne kapıldığımız gibi. İzlenmeden izlemek kötü bir sevinçtir; Hitchcock bunu biliyor, hayranlık duyuyor ve bizi içine çekiyor.

60. 4 Ay 3 Hafta 2 Gün (2007)

Bazı filmler sizi harekete geçirir; bazıları seni güldürür; bazıları kalbini kırar. '4 Ay, 3 Hafta ve 2 Gün' özel film kategorisine aittir: sizi endişelendiren ve tedirgin eden filmler. Tahmin edeceğiniz gibi, bu tür filmler muhtemelen nadir türlerin en nadide olanıdır. Film, Romanya'nın vahşi Çavuşesku komünist rejiminde kürtaj yaptırmaya çalışan iki arkadaşı konu alıyor. İçgüdüsel ve ödün vermeyen film, boynunuzun kesik kısmından sizi yakalar ve asla gitmenize izin vermez. Bu filmi izlemek, sevdiklerinizden birinin ameliyattan sonra ameliyathaneden çıkmasını tedirgin bir şekilde beklerken duyduğunuz yürek burkan hissi yaşamak gibidir. En iyi haliyle sadece gerçekçi bir sinema değildir; aynı zamanda göreceğiniz hayat değiştiren filmlerden biridir.

59. Geçen Yıl Marienbad'da (1961)

Alan Resnais'in 1961 filmi 'Geçen Yıl Marienbad'da' bir rüyayı görselleştirmeye en yakın olduğumuz şeydir ve bu mümkün olduğunca tuhaf bir şekilde yapılır. Çalışma zamanının çoğu için arka planı kaplayan müzik, dinleyiciyi uykulu bir duruma sokan bir sakinleştirici olarak çalışır. Buna rağmen, gözlerimizi ekrandan ayırmak neredeyse imkansız çünkü resim boyunca çok fazla şey oluyor ama çok az şey gösteriliyor. 'Geçen Yıl Marienbad'da' düşünmeyi seviyorum Tekrarlayan ve kafa karıştırıcı doğası nedeniyle bilinçaltından hayal edilen bir film olarak. Karakterler, içine sokuldukları tuhaf dünya konusunda da kafası karışmış durumda. Olgun ve sofistike bir parça ve ana hikayeyi buluyorum - bir adam ve bir önceki yıl tanıştığını açıkça hatırladığı garip bir kadınla ilişkisini, ama kendisi hakkında aynı şeyi hatırlamıyor - çok sürükleyici, orijinal, tutkulu, romantik, rüya gibi ve tabii ki harika.

58. Yabani Çilek (1957)

Hiç pencereden dışarı bakmaktan daha iyi bir şeyinizin olmadığı bir yolculuğa çıktınız mı? Belirli bir süre için dışarıya bakarsınız, düşünceleriniz içeri girmeden önce ve dışarıdaki şey artık sadece bir şablondur - artık dikkatinizi çekmez. Bu, 1963'te Stanley Kubrick tarafından derlenen biri de dahil olmak üzere tüm zamanların en iyi sayısız film listelerinde yerini bulan, Bergman'ın klasik ruh hali eserinin kahramanı Isak Borg ile de oluyor. Dereceyi almak için gelini ile seyahat ediyor. mezun olduğu okuldan “Doctor Jubilaris” in. Ondan hoşlanmıyor ve oğlunu terk etmeyi planlıyor. Ancak parlak Victor Sjöström'ün canlandırdığı Profesörümüz, gelecekle pek ilgilenmiyor. Düşünceleri ve sonuç olarak, yolculuğuna çıktığı birçok insan tarafından mancınıkla yaratılan film, sadece geçmişine ışık tuttu. Bergman’ın bağışlayıcı, emin merceğinden bakıldığında, anıları basit, tanıdık ve insandır. Hayatını yüceltmiyorlar veya başarılarını reddetmiyorlar. Çoğumuz gibi dağınık ve kasıtlı olarak çarpıtılmışlar. Şeref verilecek yere nihayet geldiğinde, hiçbir zaman bir ödüle ihtiyacı olmadığını anlıyoruz. Çocukluk aşkıyla topladığı çileklerde, onu hatırlayan tüccarda, karısıyla yaşanan sıkıntılı ilişkide, iyi ve kötü, kurtarıcı ve affedilemez. Biz de, bu gizemli, açıklanamaz şekilde hareket eden film biçiminde.

57. Oyunun Kuralları (1939)

Jean Renoir’in ustaca, sert tavır komedisi, bunca yıldan sonra şaşırtıcı derecede başarılı olurken, her zamanki gibi oynak ve unutulmaz kılıyor. Yayınlandığı sırada hem eleştirmenler hem de izleyiciler tarafından dışlanmıştı ve sonuçta Renoir, filmin feci prömiyerinden sonra filmin önemli bir bölümünü kesmesine neden oldu - çoğunlukla Renoir'in oynadığı Octave karakterinin yer aldığı bir bölüm. O zamandan beri boydaki büyümesi hiç de şaşırtıcı değil. Film, karakterlerin, temaların, tonların ve ortamın kurnaz, otoriter hokkabazlığıyla her zaman çılgınca eğlencelidir, ancak asla dönemin en iyi dünya sinemasından daha az gayretli veya daha az görkemli bir şekilde işlenmemiştir. Titizlikle oluşturulmuş görselleri incelikle titreşiyor, ancak çaba hiç görülmüyor ve film, ustalıkla inşa edilmiş atmosferinde ne kadar derinden dolaştığınızı merak etmekten vazgeçiyor. Görüntü yönetmeni Jean Bachelet ve Renoir, kamerayla filme bir ferahlık katacak şekilde oynuyorlar, ancak sürekli kontrolleri onu sürekli ilgi çekici bir girişim haline getiriyor. Bütün bunlar yetmezse, Alain Resnais'in bir zamanlar filmin sinemada yaşadığı en büyük deneyim olduğunu söylediğini bilmelisiniz. Daha parlak bir öneri bulmak zor olurdu.

56. Üçüncü Adam (1949)

Kara film, karanlık ara sokakları, gizemli, baştan çıkarıcı karakterleri, gizem duygusunu ve her şeyi kaplayan kremsi siyah-beyazı cömertçe yansıtan filmlerle ilişkili bir türdür. Bu resimlerin çoğu ilgi çekici ve iyi vakit geçirme imkanı sunsa da, çok azı yenilikçi ve farklı bir şey deniyor. Üçüncü Adam, şimdiye kadar yapılmış en büyük kara filmlerden biridir, çünkü şaşırtıcı hikayesini olağanüstü derecede iyi anlatır, etkileyici Hollandalı sarsıntılardan, çarpıcı ışıktan ve güzel müzikten yararlanır. Film, bir adamla ve mali açıdan hali vakti yerinde olan arkadaşının cinayetiyle ilgili kendi başına yürüttüğü soruşturmayla ilgilidir. Arsa Üçüncü adam romantizm, kara mizah, kıvrımlar ve gerilim ile kaplıdır. Filmin özünde tatlı bir aşk hikayesi olarak adlandırılabilir, ancak diğer her şey dahil edildiğinde, bu aşk şüpheye bırakılır. Ustalıkla yazılmış bir senaryoyu canlandıran Carol Reed'in başyapıtı, sizi mütevazı, hafif yürekli ilk sahneden, herhangi bir resmin en akıllıca finali olabilecek bir sona kadar koltuğunuzun kenarında tutan bir eserdir. Hiç göreceğim.

55. Çığlıklar ve Fısıltılar (1972)

Ingmar Bergman’ın trajik aile draması, hem tertemiz bir şekilde çaresiz hem de ateşli bir şekilde acil olan bir üzüntüyü ele alıyor. Sahne sahne sabırla inşa edilmez ve sonunda bir tabakta teslim edilmez. Ana oyuncuları ve onların boğucu rahatsızlıklarını canlı bir şekilde ortaya çıkaran muhteşem yakın çekimlerle sertleşmiş, yanıcı üzüntülerini tanıtan filmin ilk açılışından itibaren onu soluyorsunuz. Bütün bunlar, hikayenin geçtiği evin duvarlarının boyandığı kızıl şeklinde, affetmeyen bir kırmızı bollukta kaplıdır. Bergman, kadınları öylesine heybetli bir yönle çevreleyen ölüm kokusunun farkına varmamızı sağlar ki, gerçek bir ölüm alarm için bir neden değildir. Kadınların doğası gereği şiddet içeren özlemi, filmdeki her şeyi zihnimde unutulmaz, kana bulanmış bir anı haline getirdi. Sven Nykvist’in sürekli olarak büyüleyici görselleri, Bergman’ın ince yazıları ve oyuncuların ustalıkla yaşanmış performanslarıyla yumuşatıldı. Aydınlık Liv Ullman, kamera üzerine her açıldığında şaşkınlık yaratıyor ve büyülüyor gibi görünürken, kuşkulu Ingrid Thulin ve Harriet Andersson işlerinde o kadar lekesizdir ki, duygularıyla temas kurmak istilacı hissettirir. Bergman bize eve götürmemiz için net fikirler vermiyor, ancak karakterlerinin deneyimlediklerinden başka duygularımızı da reddediyor. Duygularımıza erişiminin ne kadar ilerlediğini merak ediyoruz ve her fırsatta onu genişletiyor. Nihayetinde, 'Ağlar ve Fısıltılar' a inanılmamalı, yaşanmalıdır.

54. Bir Zamanlar Batıda (1968)

Belki Morricone'nin unutulmaz müziği ya da Delli Colli'nin Batı kadar geniş vizyonu ya da Bronson ve Fonda'nın gözündeki sarsılmaz cesaret ve belki de maestro Sergio Leone tarafından neredeyse her karede tüm bu yönlerin doruk noktasıdır. . Hem John Ford'un güzelliğine hem de Sam Peckinpah'ın affetmez vahşiliğine sahip bir Western'e ihtiyacınız varsa, Leone'ye yakın kimse yoktur. Başyapıtında, hiçliğin ortasında mistik bir dünya yaratmak için daha önce kendisine 3 film çeken şeyi başarır. Yüzeyde ruhani bir şey olmasa da filmin tanrıları var. Tanrılar, 10 galon barutla ve suyla yuttukları kumla dolu spor taçları. Ayrıca Henry Fonda’nın bir düşman olarak rol alması muhtemelen o on yılın kararıydı, çünkü buzlu mavi gözleri Batı’nın tanık olduğu hiçbir şeye benzemiyordu.

53. Annie Salonu (1977)

Woody Allen gibi aşk olan kafa karıştırıcı, her şeyi tüketen muammayı kimse anladığını iddia edemez. Ve hiçbir Woody Allen filmi, onu gerçek, tuhaf ihtişamıyla göstermeye, New York'taki nevrotik, nihilist komedyen Alvy Singer'ın aptal, uçuk, neşeli Annie Hall'la 'aşktan daha fazlasına' düşen bu hikayesinden daha yakın olamaz. sonra ondan düşer. Film ayrıca Alvy’nin ve Annie’nin 'Yin ve Yang' tür ilişkileriyle cinsellikteki cinsiyet farklılıklarını araştırıyor. Sonunda, Alvy bile sevginin “mantıksız, çılgın ve saçma” ama hayatta gerekli olduğunu kabul ediyor. Dördüncü duvarın doğaçlama bir şekilde yıkılması, pürüzsüz kesimlerle geçmiş ve şimdinin hızlı bir şekilde yer değiştirmesi, alt başlıklarda Alvy veya Annie'nin aslında tamamen farklı bir şey konuşurken nasıl hissettiğini gösterme gibi birçok yenilikçi anlatım tekniğinin kullanılması ve bir ' bir hikaye içindeki hikaye 'doruk noktası olarak, zaten ilgi çekici hikayeyi yükseltir. 'Annie Hall' muhtemelen selüloit üzerine yapılan ilk gerçek modernist romantizm ve onun yerine bir nesil romantik komediye ilham verdi. Yine de hiçbiri taklit etmeye çalıştıkları kadar çekici değil.

52. M (1931)

Masthead'in 1927’nin 'Caz Şarkıcısı' olduğu bir fenomen olan ses kayıt teknolojisinin başlangıcı, filmlerde absürt bir diyalog doygunluğuna yol açtı. Teknoloji, yerleşik sinematik dil ile birlikte kullanılacak bir araçtan ziyade doğrudan bir yükseltme olarak kabul edildi. Kariyerine Destiny, Dr Mabuse the Gambler, Die Nibelugen ve olağanüstü Metropolis gibi bir dizi ustalık eseriyle sessiz sinema alanında başlayan Fritz Lang. Sese geçişi, çevredeki tüm kaynakların aksine, neredeyse tüm ortam gürültüsünü ortadan kaldıran bir film olan 1931’in 'M' filminde zirveye ulaştı. Sonuç, ezici ölçüde cansız bir atmosfere sahip sessiz bir konuşmadır: Anlatısının çok etkili bir şekilde temelini oluşturan biri. Söz konusu hikaye, bir çocuk katilini ve Alman yönetiminin onu yakalamaktaki beceriksizliğini, katili cezalandırmak için kendi kanguru mahkemesini kurduğunu gözler önüne seriyor. Lang'in burada ilettiği şey, mesajda inanılmaz bir olgunluğa sahip: Ulusal Sosyalist Partinin kayıtlı ötanazi politikası ve halkın suçlamalarına kısır bir tümör olarak tezahür eden giderek şiddetlenen ideallerle, zamanın siyasi bağlamı tarafından tamamen baltalanmayı hak eden adalet. . Peter Lorre’un acımasız hümanizm ve işkence yönünden zengin performansı, bugüne kadar bile ölçülemeyecek kadar hareketli olmaya devam eden ‘M’’nin derin aldatmacasını canlandırmaya yardımcı oluyor.

51. 12 Kızgın Adam (1957)

Çocuğun suçlu olup olmadığının cevabı asla bilemeyeceğiz. Ancak 12 Angry Men'in onayladığı bir şey, bir aptallar dünyasının ortasında aklı başında bir adam varsa, mantığın her zaman sezgiye üstün geleceğidir. Ve aptallık bir hastalık mı yoksa sadece cehaletin bir yan ürünü müdür? Sidney Lumet’in draması sizden beyninizi kalbinizin üzerinde kullanmanızı istemiyor, ancak ikisinin birlikte çalışarak karar verebileceğiniz bir noktaya ulaşmaya çabalıyor. Dünyanın dört bir yanındaki her film okulunun müfredatında gururla yer alan sürükleyici senaryosunun yanı sıra, kamera çalışması ve sahneleme bir Japon Yeni Dalga klasiğinin dışında. Topluluk kadrosundan unutulmaz bir performans sergileyen 12 Angry Men, bir Amerikan Sineması anıtıdır.

50. Şehir Işıkları (1931)

Erken dönem film yapımcılarının pek çoğu, Chaplin'in bugünün kültüründe beğendiği tanınırlığa ve popülerliğe sahip değil. Bunun birçok nedeni olabilir. Filmleri herkesle konuşuyor ve içten içe komik ama bundan daha fazlası, melankolik durumlara mizahi bir ışıkla bakıyor. Muhtemelen en kişisel resmi olan 'Şehir Işıkları', bir serserinin hikayesini ve zavallı kör bir kıza yardım etmenin yanı sıra etkileme çabalarını anlatan bir durumdur. Dikkatini çekmek için zengin bir adam gibi davranarak bunu bir cephe altında yapar, ancak bunu yaparken başını belaya sokar. Bir film 75 yıl önce olduğu gibi günümüzde de komik ve dokunaklı olmaya devam ettiğinde, bu genellikle doğru yaptığı bir şey olduğu anlamına gelir. `` Şehir Işıkları '', buhranın zor yıllarında, izleyiciyi asla hareket ettiremeyecek kadar iyi uygulanmış ve hissedilen yoksulluk ve yaşam tasviriyle dünyaya damgasını vururken, onlara umut veriyor. Yarın daha iyi.

49. Gel ve Gör (1985)

İnanılmaz derecede yetenekli bir film yapım ekibinin ikinci yarısı olan yönetmen Elem Kilmov, 'Wings' ve 'The Ascent' in arkasındaki parlak virtüöz Larisa Shepitko ile evliydi. Ne yazık ki bir araba kazasında öldüğünde, Kilmov olağanüstü bitmemiş projesi 'Elveda' (bu yeri kolayca almış olabilir) üzerinde çalışmayı bitirdi - ve bence tüm bu bağlamı bu kadar güçlü kılan şey, adamın kederinin içine sızma şekli. işinin her karesi. Kilmov’un sineması ifade edilmeyen öfke ve çaresizlikle dolup taşıyor: Kendi ezici ağırlığıyla Hulking - ve şimdiye kadar yapılmış çok az film, Gel gör . Muhtemelen, şimdiye kadar yapılmış en iyi savaş filmi, Wehrmacht'ın Beyaz Rusya'yı işgalinin korkunç tasviri, sağır edici patlamalarla, kabus gibi görsellerle ve hayatın yavaş yavaş boşaldığı bir dünya ile yankılanıyor - sahneleri muhteşem, içi boş bir ışıkta çekilmiş. Yine de tüm bu ıstırap içinde Kilmov, onun aşkın olgunlaşmış sonucunda anlama yolunu bulur. Belki de, hayatın geçiciliğini düşünmeye olan bağlılığında, sonunda karısının kemiklerini gömme gücünü bulmaktadır. Sadece umut edilebilir.

48. Yedinci Mühür (1957)

Bergman’ın inanç, korku ve memnuniyetle ilgili ikonik belgesinin ilk görüntülerinden itibaren üzerinizde bir büyü var. Denize, sahile ve onun üzerindeki cesur bir şövalyeye keskin, pürüzlü bakış ve ölümün kişileştirilmesiyle kader dolu karşılaşması, baştan çıkarıcı, neredeyse korkunç bir belirsizliğin sürekli olarak mevcut olması için alan bıraksa bile, filmin amacının netliğini tanımlar. Eşsiz Max von Sydow'un manyetik performanstan ve Bergman'ın “Wood Painting” oyununa dayanan şaşırtıcı malzemesini beklenmedik seviyelere yükselten bir grup aktörden yararlanan 'The Seventh Seal', 90 dakikasında nesiller boyunca aktarılan eski bir masal, hayal gücünü içermeyi umduğundan çok daha geniş bir hale getirir. Gunnar Fischer’in ışıltılı, keskin siyah-beyazı, rahatsız edici yoğunluğun cildimizin altına girmesini sağlar. Akıntı benzeri akışkanlık, yüce bir güven ve somut bir basiretlilıkla ortaya çıkan bir anlatının sonucudur. Tamamen basit bir hikaye olabilir, yine de göğsünde değerli fikirler barındırır, ancak o kadar karmaşık ve cesur bir kumaşla dikilir ki, kalıcı bir anıya dönüşmesi için ona defalarca bakıp bakabilirsiniz.

47. La Dolce Vita (1960)

Fellini’nin ihtiyatlı, sabırlı ve şiirsel bir şekilde yumuşatılmış virtüözü, duygusal ve karanlık ihtişamıyla çok zor ve bazı açılardan fazlasıyla gerçek görünen bir yaşam tarzını yakalayan Palme d'Or galibiyetinde tam olarak sergileniyor. Onun hızı, kahramanın amaçsızlık hissinin altını çiziyor ve bizi hayatın canlılığının senfonik düzenlemesinde ve her şeyin ne kadar geçici olduğuyla yıkanmaya zorluyor. Bu kahramanı, gözlerini karşı konulmaz bir dünya yorgunluğuyla doldurmak için bu zaman hediyesini kullanan kariyerinin en iyisi Marcello Mastroianni canlandırıyor. 'La Dolce Vita'nın felsefi anlamından veya anlatı ile ilgisinden yoksun görünebilecek belirli bölümlerinin önemini sorgulamak, keskin ayrıntıların üzerinize yıkanmasına izin verme olasılığını reddetmek ve ardından sonuçları düşünmektir. Nino Rota’nın cennet gibi müziği bizi Roma’nın baş döndürücü dünyasına götürürken, Fellini’nin hayali gözünden görüldüğü gibi, yalnızca onun görmenizi istediği şeyi görürsünüz ve o da hızla görmek istediğiniz şey olur.

46. ​​Psiko (1960)

İnsanlar, en iyi ihtimalle tuhaflar olarak tanımlanabilir. Şaşırtıcı pek çok şeye muktedir olan insan zihni, aynı zamanda kendini kavrayamayacak kadar dejenere edebilir. Alfred Hitchcock’un 'Sapık'ı, zamansız sinemaların ortasında başını dik tuttuğu için tanıtımlara ihtiyaç duymaz. Bir klasik olmanın yanı sıra, aynı zamanda insanoğlunun başarısız ahlakına dair üzücü bir yorum. Ve Norman Bates'in umrunda değil! Bayan Bates'in Norman’ın hayatını çocukluğu ve sonunda yetişkinliği boyunca sersemleten yakıcı tutuşu, sevginin nasıl boğucu olabileceğinin bir hatırlatıcısıdır. Bay Hitchcock ünlü bir şekilde, filme geç girenlerin girmesine izin vermemek de dahil olmak üzere 'Psiko' için garip politikalar benimsedi. Filmin titreyen doruk sahnesine tam adalet sağlamak için kabul edildi. En gerçek haliyle bir gerilim filmi olan 'Sapık', bir oğlun, annesinin ve onların sağlıksız sahiplenme bağlarının hikayesidir. Hitchcock final konusunda o kadar sert bir şekilde tedbirliydi ki, filmi bu sloganla tanıttı - 'Sonunu vermeyin - elimizde olan tek şey bu!'

45. Solaris (1972)

Tarkovsky’nin 'Solaris' i, filmde tasvir edilen fenomenlere oldukça benziyor. Beni köklü kavramıyla şaşırtmaktan, yollarını ayıramadığım bir varlığa dönüşmeye kadar, evreni oluşturan her molekülün kayıtsız doğasını merak etmeme neden olan bir deneyim. Belki bilimsel boyutların farkındayız, ancak herhangi bir alet, kalbin bir nanogramında tuttuğu sevgi veya üzüntü miktarını hesaplayabilir mi? Unutulmaz bir anının bulunduğu beyin hücresini herhangi bir şey bulabilir mi? Bach'ın açılış sekansındaki büyüleyici müziğinden sonsuza dek süren otoban sahnesine kadar, Tarkovsky’nin zamanı izleyiciyi normal bir dünyanın işleyişinden ayırmak için kullanması ustaca. Solaris, duyguların sizi delilikle döndürdüğü bir alemdir, ancak delilik dokunmak için güzel olduğunda ve sizi kendi benliğinizden kurtaracak kadar içgüdüsel olduğunda kim duygu vermez.

44. Schindler'in Listesi (1993)

Spielberg’in dramatik yeteneğinden büyük ölçüde yararlanan önemli bir film, kendisi için de aynı derecede rahatsız edici ve hassas bir deneyim. Film, bu listedeki diğerleri gibi, basit, etkileyici hikaye anlatımı dediğim bir şeyin ustalık sınıfı. Anlatı, Holokost sırasında fabrikalarında çalıştırarak binden fazla Yahudinin hayatını kurtaran Alman bir işadamı olan Oskar Schindler'i izliyor. Üç başrol oyuncusu, Oskar Schindler rolünde Liam Neeson, Amon Goth rolünde Ralph Fiennes ve Itzhak Stern rolünde Ben Kingsley, en samimi performanslara dönüşerek müthiş bir formda. Özellikle filmin sonlarına doğru Schindler'in kaç hayatı daha kurtarabileceğini düşünerek parçalandığı bir sahne, derinden hareket ediyor ve Sinemadaki daha güçlü, kalpsel işleme sahnelerinden biri olarak aklımda kazınmış durumda. Filmin, önemli bir unsuru sembolize etmek veya vurgulamak için nadiren ara sıra renk kullanımıyla siyah beyaz çekilmiş olması deneyimi artırıyor. Kolayca, Spielberg’in en iyi filmi, temel bir film izleme deneyimi olmaya devam ediyor.

43. Arabistanlı Lawrence (1962)

Bir araç olarak sinema büyümeye devam ediyor. Günümüzün film yapımcıları, emrinde olan son teknoloji ile bize içgüdüsel sinema deneyimleri sunuyor. Ancak, CGI modaya girmeden önce yapılmış, saf ve anıtsal ölçeği bir eşi bulamayan bazı filmler var. David Lean’in yaşamına dayanan epik tarihsel draması T. E. Lawrence Britanya'nın en tanınmış isimlerinden biri, böyle bir film. Lawrence rolünde Pater O’Toole'u canlandırıyor ve onun 1. Dünya Savaşı sırasında Arap Yarımadası'ndaki maceralarını anlatıyor. David Lean, hareket halindeyken, görüntü yönetmeni Freddie Young'ın ve Maurice Jarre'nin sürükleyici müziklerinin yardımıyla sonsuz çölün tüm ihtişamıyla göz alıcı hareketli bir resmini çiziyor. Ancak savurganlık için hiçbir şekilde duygudan ödün vermez. Onun kalbinde, Lawrence'ın çarpıcı bir karakter çalışması var - savaşın doğasında var olan kişisel şiddetle, kendi kimliğiyle ve memleketi Britanya ile ordusu ve içindeki yeni bulunan yoldaşları arasındaki bölünmüş bağlılıkla duygusal mücadelesi. Arap çöl kabileleri. Bu sağlıklı kalite, ‘Arabistanlı Lawrence’ı var olan en etkili filmlerden biri yapıyor.

42. Arayanlar (1956)

Muhtemelen şimdiye kadar yapılmış en iyi western, John Ford’un harika kariyerinin en iyi filmi olan 'The Searchers', ellili yıllardan çıkan en iyi filmler arasında bir Amerikan klasiği. O zamanlar hayranlık duyulmasına ve saygı duyulmasına rağmen, yaralayıcı, şaşırtıcı gücü birkaç yıldır tanınmadı, ancak yetmişlerin başında türün bir klasiği ve belki de gelmiş geçmiş en iyi western olarak selamlandı. Kesinlikle zaman bazı filmlerin gücünü aşındırdı, ancak Wayne'in o yükselen, öfkeli performansını ya da filmdeki öfke ve öfkeyi besleyen ırkçılık değil. Filmin sürükleyici anlatısı, Ethan ve arayışı zamansız, bugün olduğu kadar güçlü, belki de daha çok ince hikaye noktalarının çoğu artık net olduğu için.

41. Pather Panchali (1955)

Hint sinemasını dünyaya getiren ve sinemaya en iyi yazarlardan biri olan Satyajit Ray'i kazandıran film. Bibhutibhusan Bandopadhay'ın romanına dayanan 'Pather Panchali', hayatın pek çok olumsuzluğunun üstesinden gelmeye çalışan yoksul bir ailenin hikayesini anlatıyor. İzleyici, ailenin karşı karşıya olduğu pek çok sıkıntıya tanık olarak geçimini sağlayarak yoksulluğu romantize ettiği iddia edilebilir. Buna rağmen, izleyicide kalan, maestro Ravi Shankar’ın müziğinin arasına serpiştirilmiş anlardır. Filmin öne çıkan olaylarından biri olan tren dizisi Appu ile kız kardeşi Durga arasındaki sevgi dolu ilişki, filmi bambaşka bir boyuta taşıyor. Yıllar içinde 'Pather Panchali' kült filmlerden biri haline geldi ve düzenli olarak tüm zamanların en iyi filmleri listelerinde yer aldı ve hak etti.

40. Kazablanka (1942)

Özgün Amerikan klasik filmi. Belki de cazibesinde o kadar bulaşıcı bir şey var ki, tüm bu yıllar boyunca bile ona hala aşık oluyorsunuz. Muazzam yeniden izlenebilirlik faktörünün yanı sıra, akılda kalan puanı (As Time Goes By!) Ve olağanüstü alıntılanabilir diyalog, güçlü bir vaka oluşturur. Basitçe söylemek gerekirse, harika bir sinema deneyiminin tüm unsurlarının doğru miktarlarda mevcut olması bir zevktir!

Hikaye, en azından söylemek basit, bazen neredeyse banal sınırında. Kazablanka'nın en ünlü gece kulübünü işleten alaycı, kalbi kırık bir adam, sevdiği bayan kocasıyla birlikte göründüğünde kendini yol ayrımında bulur. Buradaki olay örgüsü araçları, ünlü geçiş mektuplarıdır, ancak hikaye tam anlamıyla İkinci Dünya Savaşı'nın ilk aşamalarının arka planında geçen iki sevgili ve Bogart'ın karakterinin karşı karşıya kaldığı zorlu karar, takılma veya bırakma hakkında. Bununla birlikte, bu türdeki birçok filmde olduğu gibi, infaz hile yapıyor ve 'Kazablanka' yı, aynı zamanda inanılmaz derecede iyi oynanmış, tüm zamanların en çekici romantik dramlarından birine dönüştürüyor; Humphrey Bogart ve Ingrid Bergman birinci sınıf ve Paul Henreid, Claude Rains ve Conrad Veidt gibi oyuncular tarafından ustaca destekleniyor.

39. Barry Lyndon (1975)

Sinemaya bir sanat formu olarak bakıldığında, Barry Lyndon’ın güzel sinematografi, büyüleyici sahne parçaları, olağanüstü müzik ve güçlü yönetmenlik gibi mükemmelliği inkar edilemez. Bir hikaye olarak, 18. yüzyıl Avrupası'nda aristokrasiye giden basamakları tırmanan genç bir adamın hayatından bahsediyor, ancak kötü kaderi tarafından geri çekiliyor. Resim kendi içinde, ışık, renk, fiziksel özellikler vb. Ağzınızı açık bırakacak şekilde kullanarak şimdiye kadar çekilmiş en büyük sahnelerden bazılarına sahiptir. Bir insanın hayatını özetlemenin ona nesnel olarak bakmaktan daha iyi bir yolu yoktur ve işte budur. bu film güvenilmez bir anlatıcı kullanarak yapıldı. Soğuk ve mesafeli, izleyiciye nadiren kahramanı hissetme şansı veriyor. Bu perspektiften, Barry Lyndon zengin karakterler, gerçekçi bir dokunuş ve duyguları iletmenin şiirsel bir yolu ile cömert bir karakter çalışmasıdır. En iyisi sinemadır.

38. Genel

Listedeki en eski oyunlardan biri olan 'The General', birçok modern aksiyon başyapıtının sessiz komedi dehası Buster Keaton'dan başkası tarafından çok uzun bir gölgede oturduğunu hatırlatıyor. Charlie Chaplin kadar etkileyici bir külliyatla övünen sanatçının sevimli serseri, Keaton’ın davasında nefis saçma karakterlerden oluşan bir süvari atıyla yer değiştirir; Sherlock Jr. ve The Cameraman gibi filmlerde ortamın sınırlarını genişleten, sinematik merakla çevriliydi. Bütün bunlar, onun başyapıtı olan 1927’deki The General: Amerikan İç Savaşı sırasında ilerleyen Birlik birliklerinin kendi tarafını uyarmak için acele eden bir Konfederasyon mühendisinin ardından. Hikayesi, George Miller'ın son 'Mad Max: Fury Road' ve şimdiye kadar yapılmış hemen hemen her kedi-fare filmi için bir şablon oluşturuyor ve Keaton'ın hayatını daha fazla tehlikeye attığını gören komik komedisi, etkileyici özel efektleri ve cesur dublörüyle devam ediyor. Sevgi dolu izleyicilerinin övgülerinden dolayı bir kereden fazla. General, şimdiye kadar yapılmış en iyi aksiyon filmlerinden biri olmasa da, varlığının her zerresiyle eğlenen ve bugün yapılan herhangi bir CG yüklü rompa rakip olmak için epik ölçekte muhteşem boyutta anları çağırmayı başaran filmlerden biri olmaya devam ediyor.

37. Şişirme (1966)

Zaman ? Sallanan altmışlar. Yer? Londra. Göz kamaştıran ve göz kamaştıran şehir. Canlı ve göz alıcı. Seks, Uyuşturucu Ve Rock'N'Roll. Sonuç olarak, bir moda fotoğrafçısı olan Thomas'ın hayatından bir gün, diyelim ki şüpheli bir ahlak. Olaylarla dolu bir günde, bir parkta oldukça gizlice çektiği bir çiftin fotoğraflarına bakarken, içinde bir ceset keşfeder. Aynı yere gider ve cesedi çiftin erkeği olarak bulur. Korkar ki, stüdyosunun aranmış olduğunu bulmak için geri döner, ancak bir fotoğraf kalmış, cesedinki. Ertesi gün vücut kaybolur. Onu kim öldürdü? Ve neden ceset kayboldu? Thomas neden takip edildiğini hissetti? 'Blow Up', yönetmen Michelangelo Antonioni’nin yıllar boyunca Brian De Palma ve Francis Ford Coppola da dahil olmak üzere birçok film yapımcısına ilham veren sınıf oyunu.

36. Lekesiz Aklın Ebedi Güneşi (2003)

Aşkın ve kalp kırıklığının baş döndürücü, gerçeküstü tezahürü, 'Lekesiz Aklın Ebedi Güneş Işığı' nın yaptığı şekilde ve başarı derecesinde hiç araştırılmadı. Sessiz çağa özgü film müziğine benzer güzel görüntüler ve yaratıcı müziklerle dolu, 'Eternal Sunshine of the Spotless Mind' hakkındaki her şeyi açıklamak imkansız. Hiç şüphe yok ki film, takip etmesi zor bir anlatı ile katmanlandırılmıştır - aslında, izlemeye başladığınızda basittir - bu, son derece düşünceli konsepte bayılıp derinden hareket etmekten kendinizi alıkoyamadığınız için zengin bir şekilde ödüllendirici filmlerden biridir. olduğu film. Ama dizinin gerçek yıldızı yazarıdır. Charlie Kaufman 'Lekesiz Aklın Ebedi Güneş Işığı' biçiminde, sinema tarihindeki gelmiş geçmiş en derin ve parlak senaryoyu pekala yazmış olabilir. Yalnızca kendi tarzında benzersiz değil, aynı zamanda her izlemede bulunabilecek yeni bir şeyle sonsuz bir şekilde yeniden izlenebilir bir film.

35. Taksi Şoförü (1976)

'Taxi Driver' da Martin Scorsese, Travis Bickle'da bize zamanımızın en rahatsız, olasılık dışı ancak tuhaf kahramanlarından birini veriyor. Film, uykusuzluğuyla baş etmek için bir taksi şoförü haline gelirken onu takip ediyor ve etrafındaki şehirdeki tüm çılgınlıkların yavaş yavaş üstesinden gelmesini izliyor. Taksi Şoförünün bir film olarak kazanmasının gerçek yolu, Travis Bickle'ı aşağılayan pislik ve dehşet içinde yavaşça yoluna devam ederek size yaklaşmayı nasıl başardığıdır. Bunda, haklı olarak psikolojik gerilim olarak ününü bir dramadan daha çok kazanır ve genellikle sadece ikisinden daha fazla seviyede çalışır. Film, karanlık konusu, daha karanlık bir muamelesi ve bir avuç şiddeti nedeniyle bazıları için rahatsız edici bir saat olabilir, ancak geçmişe bakmaya istekli izleyiciler için, filmin bir kısmını anlamaya yönelik parlak bir girişimden başka bir şey değildir. kendini çoğunlukla ihtiyatlılık biçiminden alan insan ruhu. Demek istediğim, zamanımızın yanlışlığına ayak uydurup onu geri vermeye kim inanmaz ki? 'Taksi Şoförü' nin son derece etkili bir şekilde oyuncaklarını kullandıkları o derin bir dilek yerine getirme fantezisidir. Film, şimdiye kadar yapılmış en önemli filmlerden biri olarak kabul ediliyor ve dünyaya Scorsese olan gücü tanıttı.

34. Zafer Yolları (1957)

Stanley Kubrick, toplumun sadece zamanı aşan açıklanamaz yönlerini değil, aynı zamanda izleyicilerin kendi kendilerinden beklentilerini de keşfetmeye başlamadan önce, 'Gel ve Gör' ile birlikte sıraladığım bu sürükleyici savaş parçasını yaptı. İkincisinden farklı olarak, Paths of Glory WW'nin yürek burkan yorumunu Kubrick'in sonraki eserlerine hakim olan insanlığın aynı sığlığından alıyor. Kubrick’in dünyasında, iblisler kan ve çamurla kaplı değil, madalyalar ve gururla ve en kutsal yerlerin, yani sarayda cehennemde geziniyor. Endüstrinin çekici 3 şeridi benimsediği bir zamanda, Kubrick’in monokromu savaşı tek bir gölgeyle boyadı. Bedenler, paçavralar, kışlalar, duman, kül, her şey ortak acı verici ıstırap görüntüsü ile kamufle edilmiş.

33. Üç Renk: Kırmızı (1994)

Bir sanatçının ölümünün en üzücü kısmı, son çalışmalarının şimdiye kadarki en büyük eserleri olduğunu düşünmenizdir. Polonyalı auteur Krzysztof Kieslowski ve son filmi 'Red' de durum buydu. Kieslowski, filmin 1994'te Cannes'daki galasından sonra film yapımcılığından emekli olduğunu çoktan duyurmuştu, ancak emekli olduğunu duyurmasından neredeyse iki yıl sonra trajik ölümü, durumu daha da üzücü hale getiriyor. 'Kırmızı', çok beğenilen 'Üç Renk' üçlemesinin son bölümü ve arabasıyla yanlışlıkla köpeğine çarpan yaşlı bir adama rastlayan genç bir kadını konu alıyor. Yaşlı adam emekli bir yargıç, hayattan ve her türlü duygudan kopuk ve zamanını diğer insanları gözetleyerek geçiriyor. İkisi arasında ince romantik alt tonlarla beklenmedik bir bağ gelişir. 'Kırmızı', bizi her gün etkileyen şanslar ve tesadüflerle ve bunun güzelliğini ve önemini fark edemememizle ilgilidir. Film boyunca insan kaderi ve zamanının trajedisi ve dünyadaki insanlar olarak hepimizin bir şekilde nasıl bağlı olduğumuz hakkında açıklanamaz bir melankoli duygusu var. 'Kırmızı' film yapımında şaşırtıcı bir başarıdır ve şimdiye kadar yapılmış en iyi filmlerden biridir.

32. Sierra Madre Hazinesi (1948)

Adından da anlaşılacağı gibi, hazine avlarını genellikle nabız gibi atan macera ve bununla bağlantılı adrenalin patlamasıyla ilişkilendiririz. Ancak, o altını elde etmek için bir yolculuğa çıkarken insanların yaşadıkları duygular hakkında konuşan çok az hikaye var. Sıklıkla, sıkıntıların gerçek karakterinizi ortaya çıkardığı söylenir. 'Sierra Madre Hazinesi', altına duyulan şehvetin karakterlerde tatsız değişiklikler getirdiği ve nihayetinde kişisel ıssızlıkla sonuçlandığı bir hikaye anlatıyor. Odak noktası vicdanı yozlaştıran açgözlülük olsa da, izleyicide kalan olumsuz durumlar altındaki insan karakterinin incelenmesidir. Açgözlülük ve ihanetin trajik öyküsü olan bu film, en iyi yönetmen, en iyi uyarlanmış senaryo ve en iyi yardımcı erkek oyuncu dalında akademi ödülünü kazandı. Yıllar geçtikçe bu, dünya çapında sinema severler için bir kült klasik haline geldi.

31. Ucuz Roman (1994)

Ucuz kurgu, en çok şiddet, seks ve suçu vurgulayan dergilere veya kitaplara atıfta bulunulan bir terim. Bu unsurlar dergilerin sıcak krep gibi satılmasını sağladı. Tarantino bu unsurları alıp üç hikaye etrafında harmanladı ve bir sinema dehasından daha az olmayan bir anlatı yarattı. Yapılmış en eşsiz pop kültür filmlerinden biri olan izleyici, mafya tetikçisi Vincent Vega, suç ve motorlu ağzı ortağı Jules Winnfield, gangsterin karısı Mia Wallace, boksör Butch Coolidge dünyasıyla tanıştı ve şaşkına döndü. Suç ve şiddete şık bir yaklaşım. Filmin başarısına katkıda bulunan en önemli yönlerinden biri, Samuel L Jackson’ın performansıydı. İncil ayetlerini ana hat olarak aktaran tetikçi Jules Winnfield olarak olağanüstü biriydi. Bu çağın en büyük filmlerinden biri olan Pulp Fiction, dünya çapında gelecek vadeden film yapımcıları için bir ders kitabı haline geldi.

30. Cezayir Savaşı (1966)

Çok az film, siyasetin yükünü sinematik etkilerini zenginleştirecek şekilde kullandı, ancak 50'li yılların sonlarında Cezayir halkının Fransız Sömürge baskısının hala kaynayan parlama noktasını alıp onu bir şeye dönüştürmek için kaygan adlı ateşli İtalyan maestro Gillo Pontecorvo'ya bıraktı. tamamen ikna edici. Hâlâ öngörülü olan paralellikler Pontecorvo'nun her iki tarafın da yaptığı hayranlık uyandıran tarafsız terörizm gözlemi, bugün 'Cezayir Savaşı'nı deneyimlemeyi, siyah-beyaz savaş anlayışımıza, Miklós'un muazzam soğukluğuna, büyüleyici bir entelektüel meydan okuma haline getiriyor. Jancsó'nun silinmez filmografisi. Dahası, haber filmi düzenleme teknikleri filmsel iletişimde bir dönüm noktasıdır ve aklımda Nouvelle Vague’in çılgın kesme tekniklerini, keşif mastheadlerinin çoğundan çok daha güçlü bir şekilde kullandı. Bir kez görülmüş, asla unutulmamış - 'Cezayir Savaşı', dünya sinemasının ufuk açıcı bir parçası.

29. Goodfellas (1990)

Yapıldığı döneme bir film çağı yaratmak bir yönetmenin hayalidir. Ancak Martin Scorsese için bu bir alışkanlıktır. Her on yılda bir A-Lister oldu, dönemin en büyük filmlerinden biri olarak kabul edilen bir film yaptı. 1970'lerde 'Taxi Driver', 1980'lerde 'Raging Bull', 1990'larda 'Goodfellas', 2000'lerde 'The Departed' ve 2010'larda 'The Wolf Of Wall Street' filmlerini yaptı. Ve türdeki kriterlerden biri haline gelen gangster ortağı Henry Hill'in gerçek hikayesine dayanan 1990 gangster draması. Hill'in birinci şahıs olarak anlattığı film, 1955'ten 1980'e kadar New York mafyasının bir parçası olarak yükselişini ve düşüşünü anlatıyor. 'Godfather' veya 'Scarface'deki tüm gangster savurganlığının aksine' Goodfellas ', Günlük gangster hayatının otantik ayrıntıları, Hill'in karısı Karen'la ilişkisine olduğu kadar çete arkadaşlarıyla yaptığı istismarlara da odaklanarak. Ancak Scorsese, bu meseleyi baştan çıkarıcı hale getirmek için sadakındaki tüm okları kullanır. bu efsanevi uzun takip atışı , Hill’in fırtınalı ortağı Tommy DeVito rolünde Joe Pesci’nin unutulmaz diyalogları ve patlayıcı performansı. Suç türüne gelince, 'Goodfellas' olabildiğince iyidir.

28. Raging Bull (1980)

Martin Scorsese, filmlerinde bozuk, kusurlu, genellikle kendine zarar veren kahramanların hikayelerini anlatmasıyla tanınır. Ve o, düşmüş kahramanlarını gerçek hikayelerde bulmak için sık sık tarih yıllıklarını araştırdı. 'Öfkeli Boğa', kendine zarar veren ve takıntılı öfkesi, cinsel kıskançlığı ve hayvansal iştahı onu ringde şampiyon yapan efsanevi boksör Jake LaMotta'nın, karısı ve ailesiyle ilişkisini bozan hayat hikayesidir. Film, geçtiği dönemi ve tanımladığı karanlık, iç karartıcı ruh halini gerçekçi bir şekilde tasvir etmek için tamamen siyah-beyaz çekildi. Scorsese, bunun son projesi olacağını umuyordu. Bu nedenle, film yapımında titizlikle titizdi. Eşit derecede kendini adamış, başrolde rol alan Robert De Niro'ydu. 60 kilo aldı ve aslında bir boksör olarak eğitildi. Kendisini tamamen karaktere daldırırken, LaMotta'nın kısa erimli tavırlarını ateşli mükemmellikle özümsüyor. Dertleri için bir hak aldı. Bu Scorsese-De Niro’nun en büyük zaferi. Yoğun, güçlü bir magnum opus.

27. The Godfather: Bölüm II (1974)

İkinci taksitlerin tarihinde, birincisinin ihtişamını yaşadığı, bazı yönlerden onları geride bırakan çok az film olduğu bilinmektedir. Bu tür filmleri içeren bir liste yapılırsa, 'The Godfather: Part II' onun en değerli mücevheri olacaktır. İlkinin mirasına kadar yaşamak başlı başına devasa bir görevdi, ancak 'The Godfather' destanının bu devamı sadece bunda başarılı olmakla kalmadı, aynı zamanda mirasını genişleterek şimdiye kadar anlatılan en büyük Amerikan organize suç hikayesinin bir parçası haline geldi. Film iki paralel anlatı sunuyor; biri Corleone 'aile şirketi' nin yeni başkanı olarak Michael Corleone ile ilgilenirken, ikincisi mükemmel bir Robert De Niro'yu genç bir Vito Corleone olarak ve iktidara yükselişini sergiliyor. İki hikaye ustaca örülmüş ve izleyicinin üzerindeki etkisini bir kez daha gevşetmeyen cazip bir anlatı sağlıyor. Al Pacino en iyi işlerinden bazılarını burada yapıyor, yeni keşfettiği bakışları perdede her göründüğünde sahneyi neredeyse çiğniyor. Zamana, yere ve son izlemenize bakılmaksızın izlenebilecek mükemmele yakın filmlerden biri ve yine de tam bir teslimiyet ve hayranlık duyuyorsunuz. Bölüm I kutsal sunak ise, Bölüm II ekmek ve şaraptır.

26. Otomatik Portakal (1971)

Bu filmi tek kelimeyle tanımlamanız istendiğinde muhtemelen akla gelen ilk şey 'rahatsız edici' dir. Listede tekrar görmeye cesaret ettiğim tek film, bu filmi izlerken kendimi defalarca kaçarken yakaladım. 'Otomatik Portakal' en uzlaşmaz haliyle sosyal bir yorumdur ve birinin asla kurtaramayacağı keskin görüntüler sunar. Karanlıktır, çarpıtılmıştır ve toplumsal açıdan distopyanın muhtemelen en kasvetli yorumuyla bir filmde arayanlar için kurtuluş sağlamaz. Ve inanıyorum ki, filmin eve rahatsız edici bir mesaj iletmedeki başarısı burada yatıyor. Tahmin edebileceğiniz herhangi bir şekilde alışılmadık, bize özüne kin besleyen ve “aşırı şiddet” ve tecavüz eylemlerine düşkün kahramanlar sağlar; Alex DeLarge (karizmatik bir Malcolm McDowell tarafından canlandırılan) insanlık dışı yenilenme yollarına maruz kaldığı için, olayların sosyo-politik durumunu hayal edebileceğiniz en sert şekilde yorumluyor ve sizi bir kafa karışıklığına sokuyor. Bu rahatsız edici deneyimin size bir kerede hissettirdiği her şeye farrago. Gerçekten, Kubrickian oranlarında bir çalışma.

25. Baş dönmesi (1958)

'Vertigo' nun hikayesi şu şekildedir - eski dedektif Scotty (James Stewart), görev sırasında meydana gelen bir olay nedeniyle akrofobiden muzdariptir. Eski bir arkadaşı, ele geçirildiğine inandığı karısı Madeleine'e göz kulak olması için yaklaşır. Başlangıçta şüpheci olan Scottie, çok geçmeden kendi kendine zarar verecek şekilde, düşündüğünden çok daha fazla görünen güzel kıza takıntılı hale gelir. Alfred Hitchcock’un parlaklığı, ilk kez izlemek için heyecan verici olan en büyük filmlerinin, birbirini izleyen her bakışta izleyiciye yeni bir anlayış katmanı açtığı gerçeğinde yatmaktadır. Elbette, üstünkörü bir bakışta 'Vertigo; iyi hazırlanmış bir psikolojik cinayet gizemidir. Ama onu defalarca izledikçe, erkek saldırganlığı ve bir erkeğin zihninde kadın imgesinin inşası temaları bir sonsuzluk kutusu gibi açılıp sizi yutmaya başlar. Muhtemelen şimdiye kadar yapılmış en ince yaşlanan film olan Vertigo'nun yavaş yanan parlaklığı, filmin karma eleştirilere açıldığında şimdiye kadar yapılmış en büyük filmlerden biri olarak kabul edilmesiyle kanıtlanıyor. Gerilim ustasından bir başyapıt.

24. Hiroşima, aşkım (1959)

Fransız Sol-Bank vizyoneri Alain Resnais'in zihninden doğan 'Hiroshima mon amour', aşkın güçle ağlayan bir film. Zamanın hikayesi, İkinci Dünya Savaşı sırasında Hiroşima'da meydana gelen anı ve her ikisinin de yara izi ile iç içe geçti, iki kişi - Bir Fransız, Bir Japon - oradaki yıkımın hüküm süren mesajını bir araya getirmeye çalışırken anlattı. Böyle bir aptallıktan entelektüel veya duygusal olarak kazanılacak hiçbir şey yoktur. Çatışmanın kendisinden daha uzağa ve her gün insanları rahatsız eden gerçekler ve baskılara uzanan uluslararası kederle dolu bir çalışma. Atom patlamasının yankılanmalarında, kendimizde bu kadar yanlış olan şeyin küçük bir kısmını buluruz. Resnais'in bu dokunulmaz kafa karışıklığını düzeltmeye çalışmak yerine basitçe anlaması, 'Hiroshima mon amour'u sinemanın en büyük başyapıtlarından biri yapan şeydir.

23. Rastgele Balthazar (1966)

Robert Bresson’un ıssız başyapıtı bir duygu egzersizidir. Balthazar olan doğanın mucizevi gücünü saymazsanız ve filmi yüz değerine göre alırsanız, net bir ana karakter ya da ana tema tanımlamaktan uzaklaşır. Ancak, filmin duygusal ve tematik manzarasına erişim noktanız olmasına izin verirseniz, ödülsüz olarak geri dönmek zordur. Balthazar’ın kendine özgü, yalın ve havalı görsel stili geçmişe bakıldığında neredeyse büyüleyici görünüyor; onun sakin kırılganlığı, teslim olmuş ve bilge bir kontrol duygusuyla sarılmış. Aşikâr dürüstlüğü bile, biraz geride durmak, kurgulanma ve karakter basitliğiyle izleyiciye keşfedilmesi ve bazı nefes kesici örneklerde hayal etmesi için bırakılan zenginliği beslemek için çalışılmış bir çabayı gizler. Oyuncular içinde bulundukları durum hakkında çok az konuştukları için, rastgele, mantıksız zulüm eylemlerini deneyimliyoruz ve boğucu üzüntüyü hissediyoruz. için onları. En başarılı sanatçıların bile sadece denenmiş ve test edilmiş olanlara uyarak izleyicilerin duyularını yükseltmeyi amaçladıkları bir biçimde, Bresson'un görüntüleri bana şefkatimin büyüklüğünü temel alan, hatta bu şefkatin ne kadar bilinçli olduğunu değerlendirmek için lirik bir şablon sağladı. .

Bütün bunlar beni orijinal düşünceme geri getiriyor. 'Balthazar' da her ana önem atamak, içeriğinin sosyal ya da politik nitelikteki alegoriler olduğunu varsaymamıza değil, bizi nasıl yaptıklarına bağlıdır. hissetmek Çoğu filmin başvurduğu akılsız sergiye güvenmek yerine, karmaşıklıklarından ve sessizliklerinden zevk alarak. Öyleyse, kahramanın adını taşıyan eşek olması mükemmel bir anlam ifade ediyor.

22. Andrei Rublev (1966)

'Andrei Rublev' in Rus auteur Andrei Tarkovsky’nin zamanda heykeltraşlık kavramının en büyük örneği olduğuna inanıyorum. Son dönem çalışmalarının çoğu, zamanın farklı dönemlerine dağılmış inanılmaz derecede kişisel temalar ve görselleştirme ile uğraştığı için soyuttu. Tarkovsky, 'Andrei Rublev' ile zamanı yakaladı ve ardından bir sanatçının ruhunun en derin tonlarıyla onu okşadı. Tarkovsky, bir sanatçının baskısını tasvir etmede en yüksek başarıyı ölçeklendirebilecek muhtemelen tek yönetmendir. Ruhani ve metafizik ile ilgili en zorlayıcı soruları şaşırtıcı bir şekilde sorgulayan derin edebiyatı kadar ülkeye özgü olan Rusya'nın baskıcı rejimlerini araştırıyor. Doğanın akışını filme almak dahil Tarkovsky’nin sonraki özelliklerinin birçoğu Andrei Rublev’in yolculuğunda görülebilir. Sizi filme alan, paramparça eden ve sizi düşündüren bir film - hem film sırasında hem de jeneriğin ortaya çıkmasından çok sonra.

21. Macera (1960)

Çözülmemiş bir gizem hakkında ne düşünüyorsunuz? Ya da bitmemiş bir hikaye? Umutsuzca arayarak kapanış mı arıyorsunuz? Yoksa gerçekleri kabul edip sonra mı devam edersiniz? Hayat bundan ibaret değil mi? Uzlaşmak ve devam etmek mi? Michelangelo Antonioni'nin dünya çapında tanınmasını sağlayan film 'L’Avventura', Sicilya sahilinde bir yat gezisi sırasında ortadan kaybolan genç bir kadının hikayesi. Onu arayış, eski sevgilisiyle en yakın arkadaşını bir araya getirir ve rahatsız edici bir ilişki başlar. Hikaye, kayıp bir kadın arayışı etrafında örülmüşken, asıl amacı büyük bir olayın etrafında toplanmadan ve yine de izleyiciyi büyüleyebilmek için bir anlatı oluşturmaktır. Ana karakterlerin gerçek nedenleri hiçbir zaman tam olarak açıklanmaz ve film biterken izleyici, tıpkı hayat gibi bazı olayların açıklanamadığını kabul etmek zorunda kalır. Tartışılmaz bir şaheser!

20. Nefessiz (1960)

Quentin Tarantino, stilin öze odaklanmasını artıran film yapımcılığına çılgınca ve başıboş yaklaşımıyla Amerikan indie sahnesine girmeden çok önce, geleneksel sinematik gramerleri korkusuzca alan ve onları pervasızca kıran Jean Luc-Godard adında bir adam vardı. “Nefessiz” adlı bir filmle filmleri bugün gördüğümüz gibi yeniden tanımlıyor ve şekillendiriyor. Belki de başka hiçbir film, pervasız enerjisi ve sarhoş edici titreşimi ile 'Nefessiz' in yaptığı şekilde gençliğin geçici çılgınlığını yakalayamamıştır. Godard sizi karakterlerinden şiddetle uzaklaştırırken, hikayenin bir bütün olarak değil, hikayenin parçalanmış yönlerine odaklanmanızı isterken, atlama kesintilerinin garip kullanımı, öncülün doğasında var olan çılgınlığı canlandırıyor. 'Nefessiz', sinema tarihindeki en önemli film çıkışlarından biridir ve sinemaseverleri ve eleştirmenleri kutuplaştırmaya devam ederken, modern sinema üzerindeki etkisini inkar etmek mümkün değildir.

19. Yedi Samuray (1958)

Akira Kurosawa, şimdiye kadar yaşamış en özgün, etkili ve referans alınan yönetmenlerden biridir. Roger Ebert bir keresinde Kurosawa hakkında 'Bu en büyük yönetmenlerin önümüzdeki elli yıl boyunca aksiyon kahramanlarına istihdam sağladığı iddia edilebilir' demişti ve bundan daha doğru olamazdı. Sergeo Leone’nin Spaghetti Western tarzını doğurduğu söylenen 'A Fistful Of Dollars' Kurosawa’nın 'Yojmbo' sundan esinlenmiştir. Şu anki girişimiz de teknik ve yaratıcı bir dönüm noktası ve sayısız doğrudan yeniden anlatmaya ilham verdi. modern sinemadaki birçok görsel unsurun yanı sıra . Epik drama yedi kişinin hikayesini anlatıyor Ronin (usta olmayan samuray), 16. Yüzyıl Japonya'sında şiddetli bir iklim savaşıyla sonuçlanan haydutları yağmalamaktan artık kendilerine bir yeri olmayan fakir bir medeniyeti savunmak için silahlananlar. Ancak 'Yedi Samuray' ın parlaklığı, ana drama ile türler arasında değişen bir dizi iyi hazırlanmış hikayeyi anlatması gerçeğinde yatmaktadır. Filmin her yerinde aksiyon, macera, romantizm ve reşit olma unsurları var. Aynı zamanda, daha sonra birden fazla türün temelleri haline gelecek olan, nadir bir biftek kadar zengin bir şekilde geliştirilmiş karakterlerden oluşur. Gerçekten ilham verici bir sanat eseri.

18. Hayat Ağacı (2010)

'Hayat Ağacı' sinemanın en yüksek biçimidir: sadece bir hikaye anlatmaz, hayatınızı değiştirmeyi amaçlar. Üzerinizde büyümesi zaman alacak bir film ve geliştiğinde sürekli düşünmemekte zorlanacaksınız. Olağanüstü kapsamı ve hırsı olan sinematik bir şiir olan 'Hayat Ağacı', izleyicilerinden yalnızca gözlemlemelerini değil, aynı zamanda düşünmelerini ve hissetmelerini de ister. En basit haliyle, kendini bulma yolculuğunun bir hikayesidir. En karmaşık haliyle, insan yaşamı ve şeylerin büyük şemasındaki yerimiz üzerine bir meditasyondur. Hangi inanca inandığınız veya daha yüksek bir varlığa inandığınız önemli değil. Filmdeki gerçek merak duygusu, hayatın kendisinin olduğu sihirden doğar. Filmin en güzel yanı, güzel bir şarap gibi zamanla daha da güzelleşmesidir.

17. Kapatmak (1990)

Merhum İranlı auteur Abbas Kiarostami, güzellik ve şiiri, insan hayatının en absürt derecede sıradan bölümlerinde sık sık gördü. Kiyarüstemi, yanıltıcı derecede basit olay örgüleriyle ve doğal ortamlarla, sinemasının doğası gereği içinde bulunduğu insanlık türü nedeniyle kültürel engelleri sorunsuz bir şekilde aşan evrensel temaları araştırdı. 'Yakın Çekim' tartışmasız en başarılı ve en özgün, yaratıcı eserlerinden biridir. şimdiye kadar üretilmiş sinema sanatı. Film, İranlı film yönetmeni Mohsen Makhmalbaf'ı taklit eden bir adamın gerçek hayattaki duruşmasını anlatmak için bir belgesel-kurgu biçimini alıyor. Oyuncular, mahkemeye gerçekten dahil olmuş, filmde kendilerini oynayan kişileri içeriyor. 'Close Up', kendisiyle ve hayatıyla başa çıkmaya çalışan sıradan bir adamın gözünden görülen şaşırtıcı bir insan kimliğinin keşfidir ve sinema sanatına duyduğu çaresiz üzüntü ve içten sevgiyle, idolünün yerine geçer. Gerçekten hayatta olmanın, takdir edilmenin ve saygı görmenin nasıl bir his olduğunu bilin. Bu, en yüksek düzeyden film yapımı.

16. Jeanne Dielman, 23, Quai Du Commerce, 1080 Brüksel (1975)

Delphine Seyrig'in başrolü oynadığı bu Fransız avangart film, yalnızca bir sinema deneyimi değil. Bir egzersize daha yakındır - bir testtir ve sizi daha önce veya o zamandan beri çok az filmin yaptığı gibi etkiler. Bağımsız eser, sıradan ev işleriyle dolu katı programından geçen yalnız, sorunlu bir ev kadınının hayatındaki üç güne odaklanıyor. Geçimini sağlamak için akşam saatlerinde erkekler için seks işçiliği yapan bir anne ve dul. İkinci gün rutini biraz bozulduğunda sorunlar ortaya çıkar ve bunu izleyen saatlerde yansıyan bir tür domino etkisine yol açar. Jeanne Dielman Akerman’ın kendine özgü yönetmenlik imzasıyla yavaş ve meditatif dünyasına çeker, dietik atmosfer ve başyapıtın sakin, ince ve sabırlı kişiliğinin getirdiği hipnotik aura, varoluşun tekdüzeliğinin acı verici bir kutlamasıdır.

15. Rashomon (1950)

Film yapımının zamanının en alışılmadık ve deneysel parçalarından biri olan 'Rashomon', ustayı iş başında izliyor ve hikaye anlatma becerileriyle dışarı çıkıyor. Basitçe söylemek gerekirse, sanıkların, mağdurların ve görgü tanığı olduğunu iddia edenlerin, çılgınca farklı dört bakış açısıyla meydana gelen bir olayın anlatımıdır. Kusursuz kurgu ve ustaca yönetmenlikle tüm teknik gerekçelerle öne çıkıyor, ancak film, ele aldığı tematik sorularda galibiyetini koruyor; mutlak bir gerçeğin varlığı hakkındaki sorular. Gerçek, birinin ortaya çıkardığı kadar nesnel ve adaletsiz mi, yoksa onunla ilgili bir öznellik var mı? Normalde, nesneldir veya en azından yaygın olarak kabul edilir, görünüşte başka hiçbir versiyonu yoktur. Bu film, izleyicinin kendisinin de sorularla bıkkın bırakıldığı bir şekilde sorguluyor ve ayrıca sık sık insanların kendilerine karşı bile nasıl tamamen dürüst olmadıkları üzerine yorum yapıyor. Tematik olarak olabildiğince karmaşık, ancak görünüşe göre olmasını istediğiniz kadar basit.

14. Takipçi (1979)

Son derece başarılı televizyon dizisi 'Westworld' de dahil olmak üzere küçük torunlarını uzak tutan 'Stalker’ın' görsel hikaye anlatımı üzerindeki muazzam etkisi abartılamaz. Fikirler - felsefi, ruhani ve bilimsel - ve ayrıca 'Stalker' daki becerikli, görkemli sinematik keşifleri, arkasından gelecek birçok bilim kurgu üzerinde izlenimlerini buldu. Film yapımcılarının çalışmalarına yansıyan şey, kayma, transa neden olan ve noktalarda, soyut hızlanma veya monokromatik sepya'nın 'Bölge' dışında ruh uyandıran kullanımı ve Estonya'daki konumların damgalama renkleri değil. Terrence Malick ve Lav Diaz, bunlardan birkaçı, ancak kalıcı sabır ve alçakgönüllülük. Felsefi saltanatları büyük ölçüde izleyiciye teslim eden Tarkovsky, izleyicilere filmin birden fazla metafizik yönünü keşfetmeleri için o kadar çok alan bırakıyor ki, rakipsiz edebi ve görsel şiiri bile onun kadar fabrikasyonumuzun bir ürünü gibi görünüyor. ve ortak çalışanlarının. Yine de, film uzak kalıyor, bizi zihnin ve kalbin anlaşılmaz gizemlerine yönlendiriyor ve onları asla çözemiyoruz, çünkü düz yol asla doğru yol değildir.

13. Fanny ve Alexander (1982)

İlk yayımlanışından yaklaşık 35 yıl sonra, Bergman’ın son yönetmenlik özelliği, onun hakkındaki fikirlerinin duyulmasını sağlamak için mücadele eden tüm dünyadaki eleştirmenler için olduğu kadar, incelemek için de büyüleyici. Bu görüşler bugün olduğundan çok daha bölücüydü, ancak filmin Bergman’ın filmografisindeki yerini hala tanımlamak zor görünüyor. Bergman'ın o noktaya kadar yaptığı hiçbir şeye, ton, yapı ve katıksız büyüklük bakımından benzemiyordu. Ama aynı zamanda, 1900'lerin başlarında İsveç'te bir ailenin yaşamı onaylayan bu duvar halısında çaprazlanmış tüm tematik ve görsel içgüdülerinin tartışılmaz bir karışımı. Pitoresk coşkusu, kırmızılar, yeşiller ve ılık sarıların derin sürükleyici varyasyonları ile ilk bakışta tüm dikkatinizi çekiyor gibi görünüyor ki, o kadar sarhoş edici bir renk paleti oluşturur ki, yokluğu - her şey beyazlar, siyahlar ve sert mavilerle örtüldüğünde - cezalandırıcı görünüyor. Bergman’ın titizlikle hazırlanmış kronikleri bir aile pikniğinin coşkusuyla yayılır ve on yıllar boyunca gerçek, kırılgan bir şefkatle bir arada tutulan insan bağlarına aşinalık taşır. Yaşamın bu cömertçe yapılmış yorumunda, hem doğum hem de ölüm rastlantısaldır. Küçük dünyada, bu karakterler, çoğumuz gibi, ikamet eder, çevresel sevinçler herkesin umabileceği şeylerdir ve bizim için olması gerektiği gibi onlar için yeterlidir. Hepsi bir illüzyon mu? Bu devasa topluluğun bu kadar harikalar yarattığını izlemek, insan öyle düşünebilir. Eğer öyleyse, inan bana, paramparça olmasını istemezsin.

12. Apocalypse Now (1979)

Savaşın inceliklerini gösteren savaş filmleri var ('Kapılardaki Düşman' gibi), bu fikrini küçümseyen ve tiksindiren diğerleri ('Piyanist' gibi) ve sonra hiçbir şey sunmayan cüretkar 'Apocalypse Now' var. fikir veya sonuç, ancak bunun yerine, savaşa katılan askerleri yüceltirken, savaşın dehşetinin grafik bir tasvirini çıplak bırakır. 'Apocalypse Now' ın savaş yanlısı mı yoksa savaş karşıtı mı olduğu tartışmalar bu tarihe kadar sürüyor. Sevin ya da nefret edin; kesin olan şey, onu hatırlayacağınızdır. Hollywood tarihinin en sorunlu yapımlarından biri olan Yazar-Yönetmen Francis Ford Coppola’nın son kurgusu, teknik olarak en parlak çalışmasıyla sonuçlandı. Çıplak önermesi basit - Kaptan Willard, düşman bölgesine giren ve kaçan Albay Kurtz “aşırı önyargıyla sona erdirmelidir”. Ancak Willard’ın Vietnam’ın rahatsız edici savaş alanlarındaki (Vittorio Storaro’nun nefes kesici sinematografisi tarafından yükseltilen) zayıflatıcı yolculuğu, krediler yuvarlandıktan çok sonra da akıllara kazınmıştır. Willard rolünde Martin Sheen, Kurtz rolünde Marlon Brando ve 'napalm meraklısı' Teğmen Kilgore rolünde Robert Duvall'ın birbiri ardına unutulmaz bir sahneye sahip olduğu, Coppola'nın haklı olarak belirttiği gibi 'Apocalypse Now' Vietnam ile ilgili değil. Vietnam'dır ”.

11. 400 Darbe (1959)

François Truffaut’un 'The 400 Blows' adlı eseri, gerçek acıdan kaynaklanan gerçek bir sanat eseri. Gerçekten samimi ve son derece kişisel bir çalışma olan Truffaut, filmi ruhani babasına ve uluslararası üne sahip film teorisyeni André Bazin'e adadı. Doğası gereği belirgin bir otobiyografik olan Truffaut’un kendi çocukluğu sorunluydu ve bu filmde çok belirgin bir şekilde yansıtılıyordu. Film dışarıdan bakıldığında, genellikle toplumsal ve ebeveyn ihmalinden kaynaklanan gençlik ve ergen suçluluğunu konu alıyor. Biraz daha derine bakınca umut hakkında bir film bulacaksınız; Umarım bu hem yoğun hem de tedavi edicidir. Ana karakter Antoine Doinel, bir şekilde toplumun kendisinin katı bir temsilidir, kendi başarısızlıklarını kuralların, cezaların ve yargıların arkasına gizleyen bir toplumdur. Film bir nehir gibi akıyor ve izleyiciyi umut, umutsuzluk, empati ve hatta tam bir öfke yolculuğuna çıkarıyor. Bir başyapıtın neye benzediğini görmek istediyseniz, 'The 400 Blows' dan başkasına bakmayın.

10. Mulholland Drive (2001)

David Lynch bir film yapımcısı değil. Adam bir hayalperest. Ve 'Mulholland Drive', hayalini kurduğu en büyük rüya. İnsan varlığını kuşatan her duyguyu içine alan bir rüya. 'Mulholland Drive' gibi bir filmi açıklamak veya tarif etmek zordur çünkü bu, sizi mutlu bir şekilde eve götürebileceğiniz cevaplarla besleyen geleneksel bir anlatı üzerine kurulu bir olay örgüsünden ziyade deneyim ve ondan aldıklarınızla ilgili bir filmdir. Lynch, bir film vizyonunun temelde çok sayıda fikir ve duygu üzerine inşa edildiğini sık sık ifade etmiştir. Ve bu, 'Mulholland Drive' kadar karmaşık ve katmanlı bir filmi anlamak için bir geçit haline geliyor. Rüyalar, hırslar, arzular ve kabuslardan oluşan bir labirenttir. Lynch bizi en çok neyin korkuttuğunu ve bizi deliliğe sürükleyen şeyin ne olduğunu bilir. Ve 'Mulholland Drive' ı böylesine son derece üzücü bir sanat eseri yapan şey, insan bilinçaltının bu rahatsız edici mahrem yansımasıdır. Kafatasını kesmeden önce sizi bir sıcaklık ve hassasiyet duygusuyla saran bir tane.

9. Bisiklet Hırsızları (1948)

'Sadelik, en üst düzey karmaşıklıktır' - Leonardo Da Vinci. Film yapımındaki en zor görevlerden biri, filminizi ne zaman bitireceğinizi belirlemektir. Bisiklet Hırsızları'ndaki son, başlangıçla o kadar uyumludur ki, kalabalıktan çıkan sıradan bir adam olan Antonio'dan kalabalığın içinde dağılan sıradan bir adam olan Antonio'ya başlarken. Savaş sonrası Roma'da yaşam her gün bir mücadeleye dönüşmüştü ve bu sefalet bataklığından pek az kişi çıkmıştı. Bisiklet Hırsızları kadar derin bir iç gözlem sağlayan çok az film var. Kalbinizi parçalara ayıracak ve yine de hayatı dolu dolu yaşamanız için size ilham verecek bir film. Nadiren, öncülünde bu kadar basit olan bir film, mesajında ​​çok zekice etkilidir. Filmi izledikten sonra unutmak neredeyse imkansız. Filmin en büyük başarısı, kaç bağımsız film yapımcısına ilham vermesi olsa da, bu güne kadar ilham kaynağı olarak 'Bisiklet Hırsızları' nı alıntılar.

8. Tokyo Hikayesi (1953)

'Tokyo Hikayesi', anlamlı bir hikaye anlatmak isteyen her film yapımcısının istediği şeydir. Açıkçası, hepsi yetersiz kalıyor! Destansı bir hikayeyi bu kadar basit ama ustaca, etkili ve unutulmaz bir şekilde anlatan bir filmin daha iyi bir örneği yoktur. Yasujiro Ozu, 'Tokyo Hikayesi' ile yaşayan her film yapımcısının hayali olan bir şeyi başardı: izleyicinin kalbinde ve zihninde sonsuza kadar ikamet etmek. 'Tokyo Hikayesi' ni görmüş olan herkes neden bahsettiğimi anlayacaktır. Film, çocuklarının hayatlarıyla çok meşgul olduklarını ve onlardan kültürel ve duygusal açıdan son derece uzaklaştıklarını anlamak için Tokyo'da çocuklarını ziyaret eden, yaşlanan, geleneksel bir Japon çiftin hikayesini anlatıyor. . Filmle ilgili harika olan şey, herkesin, her yerde ilişkilendirebileceği evrensel temasıdır. Ozu’nun film yapım tarzı, aynı zamanda değişen zamanla birlikte değişen insan ruhuna derin içgörüler sunan bir masalın içine dalmanızı sağlar. Tek kelimeyle harika!

7. Aşk İçin Ruh Halinde (2000)

'In the Mood For Love', şimdiye kadar filme alınmış en büyük aşk hikayesi. Dönem. O kadar kolay ki bir oyun, hatta bir şiir olabilirdi. Güzel, büyüleyici görüntüler ve nefis, ruhu delen müzikle 'In The Mood For Love', iki basit bireyin karmaşık hikayesini anlatıyor. Aşık olmanın korkusu ve cazibesini yaşayan iki kişi; ve bir kez aşık olunca, onu eksik bırakmanın katıksız acısı. 'In the Mood for Love' aşkı en savunmasız haliyle tasvir ediyor. Ve bunu yaparken, kendi zayıf noktalarımızı ve aşk karşısında ne kadar çaresiz olduğumuzu ortaya çıkarır. Nadiren bu kadar abartısız ve bu kadar çekingen bir film izlendikten sonra böyle bir etki yaratır.

Yönetmen Wong-Kar-Wai'nin, filmi çoğunlukla senaryosuz çektiğini düşünürsek, yaptığı filmi yapmak isteyip istemediğinden emin değilim. Tarihe bakarsanız, en tanımlayıcı sanat eserleri mutlu kazalardır. Aralarında 'Aşkın Ruh Halinde' yi sayın.

6. 8 1/2 (1963)

İtalyan maestronun filmografisinde sekiz buçuk numara, bu bunaltıcı, tatlı fanteziler, kabuslar ve tümüyle çamurlu bir gerçeklik destanı bir biscotti gibidir - şekli kararlılıkla saçma ve onu tamamen yutacak şekilde pişirilmiş bir şekilde pişirilmiştir. tek seferde. Korkunç, huzursuz kamera çalışması, Fellini’nin düğümlü hayatı boyunca yaşadığı birçok değişen deneyimi yeni filminde kanalize etmeye çalışan bir film yapımcısının bilinçli vizyonunu tamamlıyor. Yarı-otobiyografik olsa da, '8 1/2' esintileri, tüm büyüleyici karmaşıklığıyla öylesine radikal bir hızda bozulmadan izleyicisini geride bırakıyor ki, kendimi, kendi yerimi bulmak amacıyla zekice oluşturulmuş imgelerini yapısöküme uğratmaya çalışırken buldum. Fellini'nin yükselen özgüllüğü, ancak asla yere sağlam bir şekilde inemedi.

Marcello Mastroianni'nin gölgeli ağırlığından yararlanan Fellini’nin saf elektriği ezici olabilir. Belirli bir anla ilgili algınıza bağlı kalıyorsunuz ve onun boğucu zenginliğini, ancak film yapımcısının başka bir çırpınan, nefis bir şekilde dengelenmiş bir sekansa geçtiğini keşfetmek için fark ediyorsunuz. Sanatçılar hakkındaki fikirleri ve kendileriyle ilgili kafa karıştırıcı, saçma sapan saplantıları eskimiş - ya da daha kötüsü, alakasız - görünebilir, ancak onların inşası ve ifadesinin cüretkarlığı bizde asla kaybolmaz. Bizi büyüler ve kandırır, gözlerimizi ondan ayırmamıza asla izin vermez ve sonra elimizde hiç yakalayamadığımızı anladığımızda parmaklarımızın arasından kayar. Fellini, filmdeki herkesin ne düşündüğünü bilen bekar Maya'dan pek de farklı değil: asistanının telepatiye atfettiği bir yetenek. Kahramanımız Guido, asistanı nasıl yaptığını sorduğunda, açıkça şunu belirtiyor: 'Bu kısmen bir hile ve kısmen gerçek. Bilmiyorum ama oluyor. ' Filmi anlatmak için hiçbir kelime daha uygun olamazdı.

5. Kişi (1966)

'Persona' nın tek başına sinemayı kırdığını söylemenin güvenli olduğunu düşünüyorum. Yüzeyde bir korku filmi olan Ingmar Bergman’ın 1966 klasiği, her şeyden çok bireysel kimlik üzerine bir çalışmadır. Yenilikçi kurgu tekniklerinden, keskin kamera açılarından, soğuk ifadelerden, sürükleyici diyaloglardan ve muhteşem yönden yararlanan bu film, sesini kaybeden ünlü bir aktrisin ve ona bakan hemşirenin hikayesini olabildiğince muğlak bir şekilde anlatıyor. farklı kişiliklerinin yavaş yavaş birbirleriyle kaynaşmaya başladığı gözlerden uzak bir evde. Yönetmenin en 'sinematik' girişimi olan 'Persona', yeni ve büyüleyici bir deneyim getirmeye çalışmak için film yapımının tüm geleneksel kurallarını değiştirmeyi garanti ediyor. Şimdiye kadar selüloit üzerine yerleştirilmiş en büyük oyunculuklardan bazılarıyla, filmin atmosferi, odak noktamızı oyuna sokulan zanaatı akıllıca kaydırarak, onunla ilgili sorularımızı anlamamıza yardımcı oluyor. 'Persona' gibi bir şey yoktur ve bu pekala bir gerçek olabilir.

4. Baba (1972)

Muhtemelen şimdiye kadar yapılmış en etkili film. Aslında kaynak materyalden daha iyi olan en nadir uyarlamalardan biri - bu durumda Mario Puzo'nun aynı adlı romanı - film çağlar boyunca dayandı ve kelimenin gerçek anlamıyla her geçen gün daha iyi olmaya devam eden bir klasik. görüntüleme. Film, Don Vito Corleone yönetimindeki bir mafya ailesini anlatıyor ve patriğin ölümü üzerine aile işini devralırken oğlunun geçişine odaklanıyor. Şüphesiz, Vito Corleone rolünde Marlon Brando ve Michael Corleone rolünde Al Pacino gibi büyük isimler performanslarıyla oyunculuk standartlarını yeniden tanımlayan performanslar, bu filmin en güçlü yanlarından biridir. Geriye kalan her şey, özellikle senaryo ve ruh halini belirleyen sinematografi ve skor, beklendiği gibi A derecesini ve türü tanımlıyor. Doğrusu, bir filmin bu şaheserini görmemiş bir sinemasever yoktur. Dua etmek için gittiğimiz sunaktır.

3. Vatandaş Kane (1941)

Amerikan sinemasının Kutsal Kase'si. 'Yurttaş Kane' sinema sanatını kapsayan hemen hemen her yönü tanımladı. Yalnızca yenilerini yaratmak için sayısız film yapımcılığını bozan bir film. 'Citizen Kane', ışıklandırma, ses ve görseller gibi çığır açan teknik özelliklerinden son derece yenilikçi hikaye anlatma tarzına kadar filmlerin yapım şeklini değiştirdi. Film, son sözü bir muhabirin ilgisini çeken esrarengiz bir yayıncılık işadamının hayatının gerçeklerini ortaya çıkarmak için gizemli bir drama biçimini alan derinlemesine bir karakter çalışması. Bir zamanlar hayatına ham hırs ve arzularla başlayan ancak kısa süre sonra açgözlülüğün ve otoritenin baştan çıkarıcı güçlerine yenik düşecek bir insanı keşfederek bir yolculuğa çıkar. 'Yurttaş Kane', derin temaları araştıran ve bir insan olarak yaşayan hayatın sonsuz karmaşık duygusal yönlerini yakalayan son derece güçlü bir sanat eseridir.

2. Ayna (1975)

Sanat, onu yaratıcısından ayırmayı başaramayacak kadar kişisel olabilir mi? Andrei Tarkovsky’nin 'Ayna' yı ilk gördüğümde aklıma gelen bir soru bu. Bu, sanatçının yapıtına kendini tamamen teslim ettiği bir sanat eseridir ve siz onun ve yaptığı iş arasında ayrım yapamazsınız. Sanki Tarkovsky tüm filmi soluyormuş gibi. Auteurler, sinemayı bugün gördüğümüz gibi değiştirerek ve şekillendirerek başyapıtlarını yaptılar ama Tarkovsky bunun bir adım ötesine geçerek ulaşılamaz olana ulaştı; sanatına hayat veriyor. 'Ayna' sadece nefes alan bir sinema. Tarkovsky'yi, ailesini, içinde büyüdüğü kültürü görebiliyordunuz. Aslında, kendinizi orada görmeyi başarabiliyordunuz, annenizi ve bu yerlere bakarak aklınıza gelen bir Deja Vu hissi var. Sanki orada bulunuyormuşsunuz gibi, belki hayatta ya da bir yerde kaybolmuş bir rüyada. Ve bir sanatçının kişisel ve samimi bir şey yapması gerçekten kelimelerin ötesinde bir şeydir. Her zaman bildiğimizi doğrulayan bir film: sinema en büyük sanat biçimidir.

1. 2001: Bir Uzay Destanı (1967)

Bu listedeki diğer her giriş gibi, '2001' de film yapımında bir ders. Christopher Nolan ve Denis Villeneuve gibi birçok film yapımcısı, filmin ilham kaynağı olduğu hakkında konuştu. Yani evet, film teknik bir harikadır. Ancak filmin bu kadar çok harika film listesinin başında olmasının nedeni bu değil. En tepede oturuyor çünkü daha önce hiçbir filmin gitmediği bir yere gitmeye cesaret eden bir film. Kahretsin, sinemanın gitmeyi hedefleyebileceği böyle bir yer olduğunu kimse bilmiyordu. Ve eğer sinema sanatı, varoluş amacının sadece eğlenceden çok daha fazlası olduğunu doğrulamak için bir nedene veya kanıta ihtiyaç duyduysa, işte burada: tamamen zorlayıcı ve fevkalade efsanevi '2001: Bir Uzay Macerası'.

Stanley Kubrick, neredeyse tüm filmleriyle sinemanın ufkunu genişletti. '2001: A Space Odyssey' ile sinemanın neler başarabileceğine de yeni bir anlam verdi. Film yapımcılarının çoğu, bir hikaye anlatmak için sinemayı bir araç olarak kullanır. Ancak Kubrick sorgulamak için sinemayı kullandı. Ne sorguladı? Tanrı'dan varlığımızın amacına kadar her şey. '2001: A Space Odyssey' kendi başına oldukça zeki bir bilim kurgu filmi olsa da, aynı zamanda çok daha fazlasıdır. Bunun, Tanrı'nın var olup olmadığını belirlemeye yönelik felsefi bir arayıştan çok daha fazlası olduğuna inanıyorum. Yüksek hedefleme hakkında konuşun!

.